tag:blogger.com,1999:blog-76835840559219776672024-03-21T18:06:22.326+01:00OBSERVANDO EL ARTEOBSERVANDO EL ARTEMarivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.comBlogger416125tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-61985476979792714762024-03-21T18:05:00.000+01:002024-03-21T18:05:46.835+01:00CHAGALL. Un grito de libertad<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhIvO8tAd97a-UBQPxnGCHc2ZbFhBg1D8KO3K05w7XSRrO1Rkk7c71pMZoFrt_LYKgnRKlbarQx4N9y94EzwJ6dHXVPrNQG3w8DEfINKfC00bcMwM6gLxZ7ND7d1wSgOSieioqS0NP1ou8AXoHir47G8q4dSBvDVU-xpLTOG7KUB5XNE2_7pdaaHyDog/s6993/1%2021..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4448" data-original-width="6993" height="408" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhhIvO8tAd97a-UBQPxnGCHc2ZbFhBg1D8KO3K05w7XSRrO1Rkk7c71pMZoFrt_LYKgnRKlbarQx4N9y94EzwJ6dHXVPrNQG3w8DEfINKfC00bcMwM6gLxZ7ND7d1wSgOSieioqS0NP1ou8AXoHir47G8q4dSBvDVU-xpLTOG7KUB5XNE2_7pdaaHyDog/w640-h408/1%2021..jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall, Commedia dell’arte, 1959. Técnica mixta sobre lienzo. 255 × 400 cm. Adolf und Luisa Haeuser-Stiftung für Kunst- und. Kulturpflege, Hattersheim am Main (Alemania). © Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Caminamos
hacia la Fundación Mapfre Madrid, al encuentro de la exposición de Marc Chagall
(Vítebsk (en la actual Bielorrusia), 1887- Saint-Paul-de-Vence (Francia), 1985,
donde está enterrado.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Chagall.
Un grito de libertad</span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"> presenta por primera vez la obra del gran
artista ruso en el marco del complejo contexto histórico y biográfico que
determinó su existencia. Las dos guerras mundiales, la persecución nacionalista
al pueblo judío y el exilio son, sin duda los acontecimientos que más marcaron
al pintor, y su obra se hace eco de la postura que adopta ante tales
circunstancias. Impulsado por un fuerte compromiso sociopolítico de cariz
humanístico, el trabajo de Marc Chagall se ofrece desde esta nueva perspectiva
que muestra su pintura como un conmovedor testimonio de su tiempo: <i>un tiempo
cuya convulsión sigue estando presente en el nuestro. </i>Comisarías de la
muestra<i>:<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Meret Meyer y Ambre Gauthier.</i></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQzKTm-Mov_N50iN8497R_1-uJyfhG1zA1GiqRbSi4SXpVg8hYDM_8j7xNNXBCd5CPag_IuKEKe1xGVVIMNfo2HINatOYJLATH9eGDXmDQk296icLaSKljspNx2yWSwjVfz5ZThbL-hZhUtTqsF3GwNMMJ83dIrSeDFyzvQr6pBqhcw-6hz_Ws-BH1Lw/s2362/2%2011..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2362" data-original-width="1983" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQzKTm-Mov_N50iN8497R_1-uJyfhG1zA1GiqRbSi4SXpVg8hYDM_8j7xNNXBCd5CPag_IuKEKe1xGVVIMNfo2HINatOYJLATH9eGDXmDQk296icLaSKljspNx2yWSwjVfz5ZThbL-hZhUtTqsF3GwNMMJ83dIrSeDFyzvQr6pBqhcw-6hz_Ws-BH1Lw/w538-h640/2%2011..jpg" width="538" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall- L’Homme à la tête renversée [El hombre de la cabeza al revés], 1919. Óleo sobre cartón pegado a madera. 57 × 47 cm. Colección particular. © Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024. © Archives Marc et Ida Chagall, Paris</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Marc
Chagall desde su infancia en Rusia, donde nació, pasando por Francia, Alemania,
Palestina y Estados Unidos, hasta su vuelta a Francia después de un exilio de
siete años, la exposición que visitamos en Fundación MAPFRE hace un recorrido
cronológico y temático por su obra tomando en consideración la postura del
artista ante las convulsiones del siglo que le tocó vivir.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En su
desafío a los preceptos de sus raíces judías hasídicas, que restringían la
representación de imágenes tridimensionales para evitar la tentación de
idolatría. Chagall emprendió su carrera de artista muy temprano. Quizá fue esa
restricción uno de los motivos por los que su pintura se mantuvo siempre en el
terreno de la representación figurativa -a pesar de verse influido durante su
estancia parisina por algunos de los movimientos más importantes de las
vanguardias históricas como el cubismo, el fovismo o el futurismo-, al tiempo
que se inundaba de elementos mágicos y ensoñaciones fantásticas, que le
permitían huir de una realidad difícilmente asimilable. Su obra se mueve en un
mundo entre lo real y lo imaginario, mostrando, sin embargo, el hondo
compromiso de su autor con el hombre y sus derechos, con la igualdad y la
tolerancia entre los seres.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijl3a9w-4mFaTtqWuKTqMIfDx3UtmJxObilsvJOXFQAAAan62JSdg_On7n2V9gIRFIFJ8yumjI6TZY6Uv2YhbaaQd6hyphenhyphenUxxK6h4Yd6LQ1pX0BaWlAU815oDgs-PtMCwVe5iaKeFQK-G9yz4m-HT51JjT5fEKpFz9nf6MtNZl11VWs6NtMNPnm8OwnPCQ/s2362/3%2022..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2362" data-original-width="1797" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijl3a9w-4mFaTtqWuKTqMIfDx3UtmJxObilsvJOXFQAAAan62JSdg_On7n2V9gIRFIFJ8yumjI6TZY6Uv2YhbaaQd6hyphenhyphenUxxK6h4Yd6LQ1pX0BaWlAU815oDgs-PtMCwVe5iaKeFQK-G9yz4m-HT51JjT5fEKpFz9nf6MtNZl11VWs6NtMNPnm8OwnPCQ/w486-h640/3%2022..jpg" width="486" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall. Paysan russe / L’Homme à la Torah dans la neige [Campesino ruso / El hombre con la Torá en la nieve], c. 1930. Gouache sobre papel coloreado negro. 62,9 × 48,4 cm. Collection Sisters «L». © Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024 © Vincent Everarts de Velp</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Esta
exposición incide así en algunas de las cuestiones que más preocuparon al
artista desde un novedoso punto de vista. El trabajo de archivo y la profunda
labor de investigación que se han realizado para esta muestra buscan abrir
caminos de una nueva lectura de la obra de Chagall y ponen de manifiesto su fe
inamovible en la armonía y la paz universal.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Con un
recorrido que supera las ciento sesenta obras a través de nueve apartados, como
novedad hemos visto un conjunto de más de noventa documentos, en su mayoría
inéditos, procedentes del Archivo Marc e Ida Chagall. Y por primera vez, una
selección de los escritos del artista en yidis, su lengua materna, en la que
expresaba preferentemente sus compromisos políticos y humanistas.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi3E6g9OyxmAv0g0q2T1q1xR5pyLwyJ9lPlxbxAJKOVR3i19a0y89zn8LOZRyo2WekMQsEtX_50E5iD3rBeCPvV0iXZPppTMmSsCFW3D5cU9LcODbjefsUOhtt32KeBwa_X5mR9xKvX15DpeiAeMgnOA33kmRmQOmAylsfi7dPsjOgh30zWkTj8YITaQ/s2362/4%2020..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2220" data-original-width="2362" height="602" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgi3E6g9OyxmAv0g0q2T1q1xR5pyLwyJ9lPlxbxAJKOVR3i19a0y89zn8LOZRyo2WekMQsEtX_50E5iD3rBeCPvV0iXZPppTMmSsCFW3D5cU9LcODbjefsUOhtt32KeBwa_X5mR9xKvX15DpeiAeMgnOA33kmRmQOmAylsfi7dPsjOgh30zWkTj8YITaQ/w640-h602/4%2020..jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall
Arc-en-ciel [El arcoíris], 1967
Óleo sobre lienzo de lino
160 × 170,5 cm
Musée d’Art Moderne et Contemporain de la Ville de
Strasbourg, Estrasburgo. Depósito del Centre
Pompidou, Musée National d’Art Moderne / Centre de
Création Industrielle, París. Dación, 1988
AM1988-90
© Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024
© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand
Palais / Philippe Migeat </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Identidades
plurales: el artista migratorio: <i>Dentro de la obra de Marc Chagall, el
género del autorretrato ocupa un lugar relevante. El primero del que se tiene
constancia, fechado en 1907 y que hemos podido contemplar en la exposición,
sienta las bases de una práctica que cambió poco a poco con el tiempo, pues
Chagall fue elaborando sus autorretratos a medida que iba construyendo su
identidad. Se retrataba casi siempre con rostro juvenil, a menudo pintando
frente al caballete o con la paleta, y con una mirada que interpela al
espectador.</i><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFN6GhyNEtkFRQnRNrEXG7pbCXzY2A2PK0DHajv5HbPqNgpXL-ECkMavskOPzxbxcLdIeRunX-7s9MPINMGMY1LuFBxh9tmBBfp_lKCR9QRnwZAXf1UlGeNPXRVSWmFnHjZvRGHvX8SnxeM0VY1uremOe8nAWyjbO2NBkH0ptqDnQ41Hyg2UWJphssrQ/s2218/5%2001..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2218" data-original-width="1772" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFN6GhyNEtkFRQnRNrEXG7pbCXzY2A2PK0DHajv5HbPqNgpXL-ECkMavskOPzxbxcLdIeRunX-7s9MPINMGMY1LuFBxh9tmBBfp_lKCR9QRnwZAXf1UlGeNPXRVSWmFnHjZvRGHvX8SnxeM0VY1uremOe8nAWyjbO2NBkH0ptqDnQ41Hyg2UWJphssrQ/w512-h640/5%2001..jpg" width="512" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall
Autoportrait [Autorretrato], 1907
Acuarela, carboncillo y tinta sobre papel
20,7 × 16,4 cm
Centre Pompidou, Musée National d’Art Moderne /
Centre de Création Industrielle, París. Dación, 1988
AM 1988-122
© Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024
© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand
Palais / Philippe Migeat </span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Rusia,
Primera Guerra Mundial: <i>En mayo de 1911, gracias a una beca. Chagall se
traslada a París. En la capital se relaciona con artistas como Fernand Léger,
Amadeo Modigliani, Alexander Archipenko o Chaim Soutine, y experimenta con los
contactos del cubismo y del futurismo. También, entabla amistad, entre otros,
con los poetas Blaise Cendrars, Max Jacob, André Salmon y Guillaume
Apollinaire. <o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">
</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Vuelve
a Rusia en 1914, movido por la esperanza de encontrase con Bella, con la que
contrae matrimonio al año siguiente; finalmente permanece en Rusia hasta el
final de la Primera Guerra Mundial. En pinturas como </span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">El
vendedor de periódicos, El saludo (1914), <i>entre otros Chagall profundiza en
la representación de las vivencias cotidianas de los habitantes de su ciudad
natal durante la contienda.<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: 14pt; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibEQQkT5Uv9W9nADP-lNm2GTnfKODbo8BhYx_d2La81cYFxjIGstspHCnQe5McVMYt4xO8W9S-3eIkDzqo6Jzy8jmIOF-ogFGRIlzAEun4b6spddNvtnZj2Gvkaa68U6qxvM-hEbO4Op3gfX28c93OG1NfkyhODlQBANqiquyJt0pG0qpoPZUiX4oKMQ/s2362/6%2003..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1773" data-original-width="2362" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEibEQQkT5Uv9W9nADP-lNm2GTnfKODbo8BhYx_d2La81cYFxjIGstspHCnQe5McVMYt4xO8W9S-3eIkDzqo6Jzy8jmIOF-ogFGRIlzAEun4b6spddNvtnZj2Gvkaa68U6qxvM-hEbO4Op3gfX28c93OG1NfkyhODlQBANqiquyJt0pG0qpoPZUiX4oKMQ/w640-h480/6%2003..jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall
Le Salut [El saludo], 1914
Óleo sobre cartón pegado a lienzo de lino
37,8 × 49,8 cm
Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme, París. Depósito
del Centre Pompidou, Musée National d’Art Moderne /
Centre de Création Industrielle, París. Dación, 1988
AM 1988-58
© Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024
© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand
Palais / Philippe Migeat </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Rusia,
ese país que es el mío: <i>En 1917, Chagall acoge con gran entusiasmo la
revolución bolchevique. Un año más tarde, el Comisario del Pueblo para la
Educación. Anatoli Lunacharski, le nombra Comisario de Bellas Artes de la
región de Vitebsk. Tras realizar los decorados para celebración del primer aniversario
de la Revolución de Octubre, se vuelca en la fundación de una escuela popular
de arte y un museo, de las que será director. </i>La casa gris (1917).<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihRrT0tMWI1hZesApv_A_zJROTsKHjfEYeLQvso7Qua2YD08Qgelc63jKqIEw-JWd6uQ1kNFMHLnNHSVZJZkcgo4BxDZKRZEP0D8I0mhD1981KfS8m38e4ha-eHlBmdDGtHGFEwOwCsS8rKGqKKUgAq0yBajUPbXGNOPBvw3drvX_FaOfeGBf4g0KuXg/s2177/7%2023..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2008" data-original-width="2177" height="590" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihRrT0tMWI1hZesApv_A_zJROTsKHjfEYeLQvso7Qua2YD08Qgelc63jKqIEw-JWd6uQ1kNFMHLnNHSVZJZkcgo4BxDZKRZEP0D8I0mhD1981KfS8m38e4ha-eHlBmdDGtHGFEwOwCsS8rKGqKKUgAq0yBajUPbXGNOPBvw3drvX_FaOfeGBf4g0KuXg/w640-h590/7%2023..jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall
La Maison grise [La casa gris], 1917
Óleo sobre lienzo
68 × 74 cm
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid
© Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024 </span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
modernidad Yidis. El Teatro Nacional Judío de Cámara de Moscú: <i>Estos paneles
que decoraban el interior del teatro, de los que se presentan en la exposición
varios estudios preparatorios, formaban una obra integral que llegó a conocerse
como “la cajita Chagall”. La interacción entre los decorados, los actores y el
vestuario constituía un espectáculo de arte total. Chagall pintó también un
telón, que no se conserva, y su colaboración con el teatro se completa con la
creación de bocetos para los decorados y el vestuario de las obras Mazeltov.
Los agentes y La mentira, de Sholem Aleijem, interpretadas por Solomón Mijoels
como actor principal.</i> Una para pararse, El violinista verde (1923-1924).<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgY90zaFL5r-GTYM1N2H8RrbfpSdRXm6Do08-wnG8kTyo8TZZQBqKk37Rn0h8GcwmCCP3KPlAgjKwEKSS6DMQLtaNj87Iy0_C9h74fQaC6hdMsUpBYM5sj-vCDB643PSfSBnSm2gz9skfCwQAF1YXIrc6GTIxWbWdClDjMjVtVFxVXV7-B6otzYvbauBg/s2953/8%2025..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2953" data-original-width="1632" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgY90zaFL5r-GTYM1N2H8RrbfpSdRXm6Do08-wnG8kTyo8TZZQBqKk37Rn0h8GcwmCCP3KPlAgjKwEKSS6DMQLtaNj87Iy0_C9h74fQaC6hdMsUpBYM5sj-vCDB643PSfSBnSm2gz9skfCwQAF1YXIrc6GTIxWbWdClDjMjVtVFxVXV7-B6otzYvbauBg/w354-h640/8%2025..jpg" width="354" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall
Le Violoniste vert [El violinista verde], 1923-1924
Óleo sobre lienzo
197,5 × 108,6 cm
Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York.
New York Solomon R. Guggenheim Founding
Collection. Donación
© Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024
© 2024 The Solomon R. Guggenheim Foundation / Art
Resource, NY / Scala, Florence </span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
modernidad Yidis. Letras, palabras e imágenes:<i> A esta renovación contribuyó
a partir de 1918 la Kultur Lige, una asociación nacida en Kiev que desempeñó un
papel de primer orden en la difusión de la cultura yidis y alentó la
ilustración de libros por parte de los artistas de vanguardia, desde el interés
por modernizar la cultura judía, siempre en una dicotomía entre tradición y
modernidad. A partir de 1920. Chagall participará como miembro de la sección de
arte de la Lige y durante estos años colaborará en un gran número de
publicaciones en Yidis, como el libro de poemas Troyer (Luto), del escritor
David Hofstein, o las revistas literarias </i>Shtrom Helftn (La Corriente) y
Khaliastra (La Banda).<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwc4P2MOlmuHzbw6RCmEj1vx_-ybwU0Hh1Yk-kzIj3tv5kieCSEeBYumoJBwhg8AwEmTOI_4c8ZjSR0_f01iwsG0wVekiF14OjXDswK4j1_q6rZa0zP7rQurU0nGhJ7AtJnE9cX02OVMqdNdTYDpasv6FOsy5ctAjYJ06k6iQNnrWS4o6YAWoKhm_pFg/s2480/9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1716" data-original-width="2480" height="442" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwc4P2MOlmuHzbw6RCmEj1vx_-ybwU0Hh1Yk-kzIj3tv5kieCSEeBYumoJBwhg8AwEmTOI_4c8ZjSR0_f01iwsG0wVekiF14OjXDswK4j1_q6rZa0zP7rQurU0nGhJ7AtJnE9cX02OVMqdNdTYDpasv6FOsy5ctAjYJ06k6iQNnrWS4o6YAWoKhm_pFg/w640-h442/9.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall
Composition à la chèvre [Composición con cabra], 1917
Óleo, tinta, lápiz negro y goma arábiga sobre cartulina
16,5 × 24 cm
Colección particular
© Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024
© Archives Marc et Ida Chagall, Paris</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En la
segunda planta continuamos la visita:<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">No son
tiempos proféticos: <i>Durante estos años, antes y después de su viaje a
Palestina en 1931, Chagall realiza una serie de retratos de rabinos y
personajes portando la Torá que traslucen la incertidumbre ante el destino de
un pueblo amenazado.</i> Rabino de blanco y negro/ judío rezando (1923).<o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKyVC6xeZj6cxM1qwY9SJI3SIWXv4mg8ZfX3a8EMmusEXg1wwrBqDyixV2VpNq0Iv1gP3Or12Y0Hcp_nmHhkdaji7Z0KyFyVfJukMnnp4mxflVADnLrFjV8_BMp8v1JP8_gkZ6vk9DlT63aR9IjuzWEZUCVO29qKEnw5ZEZ-4fwMpp3FRLRmuxQFnVDg/s2362/10.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2362" data-original-width="1838" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhKyVC6xeZj6cxM1qwY9SJI3SIWXv4mg8ZfX3a8EMmusEXg1wwrBqDyixV2VpNq0Iv1gP3Or12Y0Hcp_nmHhkdaji7Z0KyFyVfJukMnnp4mxflVADnLrFjV8_BMp8v1JP8_gkZ6vk9DlT63aR9IjuzWEZUCVO29qKEnw5ZEZ-4fwMpp3FRLRmuxQFnVDg/w498-h640/10.jpg" width="498" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: small;">Marc Chagall
Juif à la Torah [Judío con Torá], 1940
Acuarela, lápiz y tinta china sobre papel
31 × 24,5 cm
Colección particular
© Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024
© Archives Marc et Ida Chagall, Paris</span></div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
pintura como acto militante: <i>En 1933 tan solo unos meses después de que
Hitler hubiese ascendido al poder, el partido nacionalista quemó, en una
ceremonia pública y tras llevarlo en procesión por la ciudad de Mannheim, la
pintura de Chagall</i> El rabino.<i> Se hacía real la amenaza al pueblo judío
que Chagall llevaba años anunciando, tal y como se puede ver en otras obras de
estos años entre las que se encuentran </i>Soledad o El buey desollado.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2rgN9ogn2jwuc1PBn26PYqV0ySzyxPm6XuQCV74IJJZswRCGxfOw7V5wgt58PLNANhJWAgni9n_nFu-lb0hRAygVw5Mwbi-DampQpgoyHA-doI4kYawPt9B2201sKWAo3Pfcd_-q_7WCKowXySJJZN2UdgONkZRLmocHVZXwE-CpDzoEy86wUWqcf-g/s2679/11.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1772" data-original-width="2679" height="424" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2rgN9ogn2jwuc1PBn26PYqV0ySzyxPm6XuQCV74IJJZswRCGxfOw7V5wgt58PLNANhJWAgni9n_nFu-lb0hRAygVw5Mwbi-DampQpgoyHA-doI4kYawPt9B2201sKWAo3Pfcd_-q_7WCKowXySJJZN2UdgONkZRLmocHVZXwE-CpDzoEy86wUWqcf-g/w640-h424/11.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall
Solitude [Soledad], 1933
Óleo sobre lienzo
102 × 169 cm
Museum of Art, Tel Aviv. Donación del artista, 1953
© Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024
© Avraham Hai</span></div><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">A los
artistas mártires: Escenas de la guerra y crucifixiones: <i>El 21 de junio de
1941, Marc y Bella Chagall se instalaron en el número 4 de la East 74th Street
de Nueva York; daba comienzo un largo período de exilio. Durante este tiempo,
la conciencia política de Chagall frente a las atrocidades cometidas contra el pueblo
judío se manifiesta de modo más intenso si cabe, tanto por medio de su
participación en diferentes asociaciones como a través de la representación de
los horrores de la contienda en obras como </i>La guerra.<i> <o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://lh3.googleusercontent.com/--wzxMPjiaRc/Zfxn5Er_puI/AAAAAAAAY6A/Ajv0TCa7ycYabNn-7DqCUR0RQiDHgR2LACK4BGAsYHg/s2296/12.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2296" data-original-width="1654" height="640" src="https://lh3.googleusercontent.com/--wzxMPjiaRc/Zfxn5Er_puI/AAAAAAAAY6A/Ajv0TCa7ycYabNn-7DqCUR0RQiDHgR2LACK4BGAsYHg/w462-h640/12.jpg" width="462" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall
La Guerre [La guerra], 1943
Óleo sobre lienzo
106 × 76 cm
Musée d’Art Moderne, Céret. Depósito del Centre
Pompidou, Musée National d’Art Moderne /
Centre de Création Industrielle, París. Donación del
artista, 1953
AM 2922 P
© Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024
© Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand
Palais / Jacqueline Hyde</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Hacia
la Luz: <i>A la vuelta a Europa en 1948 desde Estados Unidos, Chagall se
instala en Francia, a orillas del Mediterráneo.</i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Chagall
recurrió de nuevo a la biblia para difundir mensajes de cariz más político, sin
dejar de propugnar una espiritualidad y una paz universal. Este retorno se
plasmó en los diecisiete cuadros de </span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Mensaje bíblico (1956-1966),
donados a Francia en 1966 para la creación del actual Musée National Marc
Chagall de Niza, primer museo dedicado a un artista vivo. La Paz (vidriera de
la ONU, Nueva York 1963.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtAN98zHCSnCv6a92go57dZ23iZHQ4PZ3c5snhNUE3Nop9C2me8x0tJb6CsmwEy2ysdgz3qURfO5u1wZvytpoW38iG2m8cD8koNUkYcCZuVYQMaQnOoKJRYDElOsudRqzZmTZnFWA5FXuDSaDoqKhoXH6Co4rTiTeupCl8BnLME-dRf1imnPoSSGcxnQ/s2362/13%2008..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1583" data-original-width="2362" height="428" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtAN98zHCSnCv6a92go57dZ23iZHQ4PZ3c5snhNUE3Nop9C2me8x0tJb6CsmwEy2ysdgz3qURfO5u1wZvytpoW38iG2m8cD8koNUkYcCZuVYQMaQnOoKJRYDElOsudRqzZmTZnFWA5FXuDSaDoqKhoXH6Co4rTiTeupCl8BnLME-dRf1imnPoSSGcxnQ/w640-h428/13%2008..jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall
Boceto definitivo para La Paix
[La paz], vidriera de la ONU, Nueva York, 1963
Gouache, acuarela, tinta y lápiz negro sobre papel
69,2 × 107 cm
Colección particular
© Marc Chagall / VEGAP, Madrid, 2024
© Archives Marc et Ida Chagall, Paris</span></div><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Chagall.
Un grito de libertad. La exposición ha sido coorganizada por Fundación MAPFRE,
La piscine-Musée d’Art et d’Industrie André-Diligent, Roubaix, y el Musée
National Marc Chagall, Niza.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPy1AAjMEociUhC5qEWpnkJ7Q8sNEjZff3HaLaNGRKopgXxM_FtzkCXc7UnLWnFNkCiJEGyRZnSRD1UgTN99uanWcpR3leUlBr72deOTnwu9y6GVkbEs0F65h9YQ0_EDsEOxgrBA_KqffTt57n_WbPu0VgEuZLFfCQcpBmrVz6WXLk59Kf8kTXVEYm3A/s4000/14%2020240219_142239.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1800" data-original-width="4000" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPy1AAjMEociUhC5qEWpnkJ7Q8sNEjZff3HaLaNGRKopgXxM_FtzkCXc7UnLWnFNkCiJEGyRZnSRD1UgTN99uanWcpR3leUlBr72deOTnwu9y6GVkbEs0F65h9YQ0_EDsEOxgrBA_KqffTt57n_WbPu0VgEuZLFfCQcpBmrVz6WXLk59Kf8kTXVEYm3A/w640-h288/14%2020240219_142239.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Marc Chagall.</span></div><p></p><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">© Mariví Otero 2024</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;"><span style="text-align: start;">Manuel Otero Rodríguez.</span></div></div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;">Fuente:
Chagall. Un grito de libertad. Fundación MAPFRE Madrid. Del 2 de febrero al 5
de mayo 2024. Documentación y fotografías: Comunicación, Alejandra Fernández
Martínez.<span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div></div></div><p></p><p></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-54820782182981034872024-03-21T17:18:00.001+01:002024-03-21T17:18:11.162+01:00STEPHANIE COMILANG. En busca de la vida<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpPDmPmHgu1pajfZgJ6_bgfDKZPGcsPqKRuWRT1NBCFW_KEyTqPirLIInGWrxvyWHPVcD3TrtycKRHYvATiqP5QNg-z0G48z8sFkYhar0jbgF3ucYKzD5IN4ETDF1lynE7zHLSAnhtgeGhyphenhyphenNVIziYwei-0GSi8uGJIHrESdIyhW0yMDOa6Ai8vR4FAxw/s8405/1%20Comilang_estudio.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="6304" data-original-width="8405" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpPDmPmHgu1pajfZgJ6_bgfDKZPGcsPqKRuWRT1NBCFW_KEyTqPirLIInGWrxvyWHPVcD3TrtycKRHYvATiqP5QNg-z0G48z8sFkYhar0jbgF3ucYKzD5IN4ETDF1lynE7zHLSAnhtgeGhyphenhyphenNVIziYwei-0GSi8uGJIHrESdIyhW0yMDOa6Ai8vR4FAxw/w640-h480/1%20Comilang_estudio.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Stephanie Comilang en su estudio. Foto de Trevor Good. Berlín, febrero 2024.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Mi
paseo ayer por el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y TBA21 Thyssen-Bornemisza
Art Contemporary, acudo a visitar la exposición: "Stephanie Comilang
(Toronto, 1980). En busca de la vida". La primera gran muestra individual
en España de la artista filipino- canadiense, producida por TBA21 y Shejah Art
Foundation, cuenta con la colaboración de la Fundación Ecolec.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicO1ZQuz_s5_rHe8Bw_wm-YZm72bRtfIOYD3CZeAW_w8EbmYzbCnkUCjcLGcRMEcthB3Hq0XM7aolyPs5m6MWvIFAuyfAIApQMnh1AKJwfoeO_dIVbretKApbYG7InfIx4fOsi_L3VMAIejk5k-bFDXJJ6cOf8ARABmYh0NEjzDL_x-OhRToZdroLo3w/s8256/2%20instalacion_3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5504" data-original-width="8256" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicO1ZQuz_s5_rHe8Bw_wm-YZm72bRtfIOYD3CZeAW_w8EbmYzbCnkUCjcLGcRMEcthB3Hq0XM7aolyPs5m6MWvIFAuyfAIApQMnh1AKJwfoeO_dIVbretKApbYG7InfIx4fOsi_L3VMAIejk5k-bFDXJJ6cOf8ARABmYh0NEjzDL_x-OhRToZdroLo3w/w640-h426/2%20instalacion_3.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Vista de la instalación. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid. Foto: Roberto Ruiz</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">"Stephanie
Comilang relaciona en su trabajo la migración de las mariposas monarca y el
movimiento de las personas. Mientras que ninguno de nosotros pone en cuestión que
el movimiento de los animales y las especies tienen una legitimación, pues sin
ese movimiento no habría supervivencia, el movimiento humano es objeto de
prohibición continua (...) Generaciones distintas de seres humanos "en
busca de la vida" comparten una experiencia similar a la de las mariposas,
la de un viaje que les permita una vida digna" explica Chus Martínez,
comisaria de la exposición.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbFXkItRHUPIv5-o0v5_jUaS9hbvDUQ1E1-2rdjJT6vdFajLBNUrZIrWDKI5zUIpo-gdBkcuV-wkrgWIUUpqzpagtDXyeCptvazNIcQ-0-0BRMt72PaydArwleE4o_6ddFQuUyIRUeObLLHSCWuMAiDVReflZlSMFWRNROktPoo5yX-RjC0UiikISWSQ/s8256/3%20instalacion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5504" data-original-width="8256" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbFXkItRHUPIv5-o0v5_jUaS9hbvDUQ1E1-2rdjJT6vdFajLBNUrZIrWDKI5zUIpo-gdBkcuV-wkrgWIUUpqzpagtDXyeCptvazNIcQ-0-0BRMt72PaydArwleE4o_6ddFQuUyIRUeObLLHSCWuMAiDVReflZlSMFWRNROktPoo5yX-RjC0UiikISWSQ/w640-h426/3%20instalacion.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Vista de la instalación. Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid. Foto: Roberto Ruiz</span></div><p></p></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Camilang
narra y enlaza todas estas historias entretejiendo las voces de diferentes
personajes, como la historiadora Guadalupe Pinzón Ríos, la especialista en
mariposas Aster T Badon. Los marineros filipinos Michael John Díaz y Joan
Songcuya, también pintor, o un niño mexicano llamado Simón.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_puioQlg_5pt2DsV5vAuBm6xbG0Jkoq8dxkKgbsXgEfedtThaGR2mX8lNo-XS68sOD6QTdp82ioWHJZJ_AfI75GPxFPaQs8slo6G_o4z1NaQbz0sWETVGAPem6ii3T4J9VmKEWPeN5U-ZoFpLb4DLAjO5owWerOaLUtMYXKwYH5SepZGdqml1yjfdLQ/s2932/4%20Comilang_barco.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1646" data-original-width="2932" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_puioQlg_5pt2DsV5vAuBm6xbG0Jkoq8dxkKgbsXgEfedtThaGR2mX8lNo-XS68sOD6QTdp82ioWHJZJ_AfI75GPxFPaQs8slo6G_o4z1NaQbz0sWETVGAPem6ii3T4J9VmKEWPeN5U-ZoFpLb4DLAjO5owWerOaLUtMYXKwYH5SepZGdqml1yjfdLQ/w640-h360/4%20Comilang_barco.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">En busca de la vida. Díptico, 2024-2025. Captura de vídeo. Producido por TBA21 y Sharjah Art Foundation. © Stephanie Comilang</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Junto
a la película, la exposición presenta una serie de piezas textiles realizadas
en fibra de piña que inundan la sala con formas del mundo natural, de nuevo las
mariposas monarca, pero también la flor de la patata, el café, la vainilla y
otras especies llevadas por los españoles a Filipinas. Los bordados recuerdan a
los de los mantones de Manila, aludiendo al pasado colonial español, y el
material empleado por la artista, la fibra de piña es precisamente un tejido
tradicional filipino que se empezó a producir en el archipiélago tras la
introducción de esta fruta por los españoles.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh54vO0Gs9adPcGK7LWkKyQmAZHEA5w3e_5cidqxoQzWJuwC-mVyFWUawX6bGbJiC9na3ZOcJYv-8aeat5yY9heWtpBw70PIwC5nSexRe8lwclJ75XoVSgPS6extcLWrHwCF9AqrJzlnAnkA4tdP-qK-Hz88RCuzT0p2mOqNylMQJQCOJcNVcSLmy9fkQ/s2936/5%20Comilang_mariposa.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1650" data-original-width="2936" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh54vO0Gs9adPcGK7LWkKyQmAZHEA5w3e_5cidqxoQzWJuwC-mVyFWUawX6bGbJiC9na3ZOcJYv-8aeat5yY9heWtpBw70PIwC5nSexRe8lwclJ75XoVSgPS6extcLWrHwCF9AqrJzlnAnkA4tdP-qK-Hz88RCuzT0p2mOqNylMQJQCOJcNVcSLmy9fkQ/w640-h360/5%20Comilang_mariposa.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">En busca de la vida. Díptico, 2024-2025. Captura de vídeo. Producido por TBA21 y Sharjah Art Foundation. © Stephanie Comilang</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Un
documental donde la investigación, la creación y la ficción conectan la
historia colonial de España en Filipinas, las rutas comerciales actuales y las
crisis migratorias con las largas migraciones de las mariposas monarca.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Prensa
Museo Thyssen Bornemisza: Documentación y fotografías. Del 5 de marzo h</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 18.6667px;">asta el 26 de mayo de 2024.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">© Mariví Otero 2024</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">Manuel Otero Rodríguez.</span></p><span style="font-size: x-small;"></span></div><p></p></div><p></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-64979345370996374342024-03-21T16:59:00.000+01:002024-03-21T16:59:05.137+01:00NARI WARD. Ground Break<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEh35VsqoPffWwBOT4ZLfhjJaZDlEkiHUohVKtN28HmSZ5sISO5mUAMEjo4Z603AM5BgGatUXkbA7I8aa9sQVd97eFKua-RNyX33nj3pKPPecHtmfyX7UEAZANJ7Ltz9AKAeOYZ2TcbxvkIbxFNtKHoiJsIXD9XRRoUyvQ6vJJSCJkkGRwD5xW82lSmA/s3212/1%20Nari%20Ward_45.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2541" data-original-width="3212" height="506" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjEh35VsqoPffWwBOT4ZLfhjJaZDlEkiHUohVKtN28HmSZ5sISO5mUAMEjo4Z603AM5BgGatUXkbA7I8aa9sQVd97eFKua-RNyX33nj3pKPPecHtmfyX7UEAZANJ7Ltz9AKAeOYZ2TcbxvkIbxFNtKHoiJsIXD9XRRoUyvQ6vJJSCJkkGRwD5xW82lSmA/w640-h506/1%20Nari%20Ward_45.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Nari Ward. Hunger Cradle, 1996 (detail). Yarn, rope, and found materials. Site specific installation. Dimensions variable. Installation view, “Global Vision: New Art. From The ’90s (Part II)”, Deste. Foundation, Athens, 1998. Private Collection. Courtesy the artist. Photo: Fanis Vlastaras and Rebecca. Constantopoulou</span></div><p style="text-align: center;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif;">Pirelli HangarBicocca presenta
"Ground Break", una exposición dedicada a uno de los artistas
contemporáneos más destacados de Estados Unidos, NARI WARD (St. Andrew,
Jamaica, 1963, vive y trabaja en Nueva York). Comisariada por Roberta Tenconi con
Lucia Aspesi.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf0t1XPu47JHLWsHwRFCNUvl8OBCVnGkwwkQ32rL8ihugySXgrd166dpiD7s_mZ5WsDilyfhtwvwiF2fBaIP6k4V3D57rBEUpiFtPYcV8btkaSkmb7fxpb8VfqUOsNkTT6jQX3ZJ0gqlwbygiqQpiDQc9aa9es-c2y6JL_qAomBucFc3xEzo0mpbEfJg/s2362/2%20NW-LM12872%20Happy%20Smilers%20(ICA%20Boston%20Inst)%2002%20hr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1575" data-original-width="2362" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf0t1XPu47JHLWsHwRFCNUvl8OBCVnGkwwkQ32rL8ihugySXgrd166dpiD7s_mZ5WsDilyfhtwvwiF2fBaIP6k4V3D57rBEUpiFtPYcV8btkaSkmb7fxpb8VfqUOsNkTT6jQX3ZJ0gqlwbygiqQpiDQc9aa9es-c2y6JL_qAomBucFc3xEzo0mpbEfJg/w640-h426/2%20NW-LM12872%20Happy%20Smilers%20(ICA%20Boston%20Inst)%2002%20hr.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Nari Ward. Happy Smilers: Duty Free Shopping, 1996. Awning, soda bottles, fire hose, fire escape, salt, household elements, audio recording, speakers, and aloe plant. Variable dimensions. Installation view, “Sun Splashed”, Pérez. Art Museum, Miami, 2015. Courtesy the artist and Lehmann Maupin,. New York, Hong Kong, Seoul, and. London, and GALLERIA CONTINUA</span></div><p></p><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif;">Desde la década de 1990, Ward ha
producido instalaciones que comprenden objetos cotidianos y materiales
altamente simbólicos reutilizados para hacer referencias en capas a cuestiones
sociales y traumas históricos: pasados, recientes y contemporáneos. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-SeaFne_PX0j6DrZ3UjdK_bGLloABs7w7CeLtJhIQiZLveyZb57AOrMRoxGkWdOXA1ZmRTG6iWxRe7vaYOkTcw5S3MEg_nq442mYGzui-jLd4rxjiSoR_BhF1SlFldkwtYttyXK9Mc44rK5auSdY7gu-8BtesN2xXAH4cgBPKJkmFgivRuBCd4iLfzg/s3200/3%20NW-LM13324%20Crusader%20(New%20Museum%202019%20inst)%20hr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3200" data-original-width="2398" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-SeaFne_PX0j6DrZ3UjdK_bGLloABs7w7CeLtJhIQiZLveyZb57AOrMRoxGkWdOXA1ZmRTG6iWxRe7vaYOkTcw5S3MEg_nq442mYGzui-jLd4rxjiSoR_BhF1SlFldkwtYttyXK9Mc44rK5auSdY7gu-8BtesN2xXAH4cgBPKJkmFgivRuBCd4iLfzg/w480-h640/3%20NW-LM13324%20Crusader%20(New%20Museum%202019%20inst)%20hr.jpg" width="480" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Nari Ward. Savior, 1996. Shopping cart, plastic garbage bags,. cloth, bottles, metal fence, earth, wheel, mirror, chair, and clocks. 325.1 x 91.4 x 58.4 cm. Institute of Contemporary Art, Boston. Collection; Purchased through the generosity of an anonymous donor. Installation view, “Nari Ward: RePresence,” Nerman Museum of Contemporary Art, Johnson County Community College, Overland Park, Kansas, 2010. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong, Seoul, and London. Photo by EG Schempf</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif;">El artista presenta en "Ground
Break", una coreografía monumental de obras de los últimos 30 años junto
con nuevas producciones, creando un diálogo muy atractivo entre escultura,
video e instalación. La exposición, que se acompaña de un programa de
actuaciones en directo en colaboración con otros artistas y músicos, invita a
la reflexión sobre algunos de los temas centrales de nuestro tiempo, como la
responsabilidad social, la desigualdad, la exclusión y la migración, y ofrece
posibles visiones de transformación, y cambio.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_c6IUUKJlB98qrpkJHaduyraCXIoy-UQrJ9GSgPrIopE5mQn3v5_G7Ej_Z2pHpdaJmOLauGh-5RHHyces0WZxk4ykzvXXf4kwT5HoqjLfPTT6Rk0TSaL6TenkhbCOXOW1v31udGW6a1xsGRgtAZ0eLxSlGzUZjPwt8Yn5xZNmgHVBmAzh3sqCmsEwRQ/s1500/4%20NW-LM25376%20Carpet%20Angel%2001.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="1500" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_c6IUUKJlB98qrpkJHaduyraCXIoy-UQrJ9GSgPrIopE5mQn3v5_G7Ej_Z2pHpdaJmOLauGh-5RHHyces0WZxk4ykzvXXf4kwT5HoqjLfPTT6Rk0TSaL6TenkhbCOXOW1v31udGW6a1xsGRgtAZ0eLxSlGzUZjPwt8Yn5xZNmgHVBmAzh3sqCmsEwRQ/w640-h426/4%20NW-LM25376%20Carpet%20Angel%2001.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Nari Ward. Carpet Angel, 1992. The Museum of Contemporary Art, Los Angeles. Gift of Jennifer McSweeney, in memory of Joan "Penny" McCall. Photo Matthew Herrmann</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif;">La retrospectiva ofrece una exploración
en profundidad de la carrera del artista, presentando más de treinta obras en
los espacios Navate y Cubo de Pirelli HangarBicocca, desde obras históricas y
seminales que nunca han sido reinstaladas, hasta nuevas producciones concebidas
especialmente para la exposición. La muestra se desarrolla en torno a las
instalaciones a gran escala que Ward creó entre 1996 y 2000 como decorados para
la "Trilogía de geografías" serie de actuaciones del destacado coreógrafo
contemporáneo, Ralph Lemon. Este
proyecto colaborativo, desarrollado durante diez años, invita a reflexionar
sobre las nociones de conflicto y mezcla cultural. comenzando con los efectos
traumáticos y duraderos del racismo y el colonialismo. Por primera vez
"Cortina de botella de geografía" (1997/2024), "Pelets de
Geofrafía" (1997/2024), "Geografía Somieres" (1997/2024), y
"Cortina de temperatura geográfica" (1997/2024) se presentan en un
entorno expositivo, estableciendo una nueva coreografía conceptual con las otras
obras, el espacio y los propios cuerpos de nosotros los visitantes.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimIEvoon0m4A73ARWgwfv7LwS8JYQWed0-MxmU0XrpR5zyccel8j1DPxMpVz9pm1q3eVyMePut6blLi-YNr6eCAFEQSBbkZlADrpWujyoUFUm0a14H8lisCfMWmWpUiqXJe5bJHXnkMgwEGAU_qwmqSUhB4rztT2tndJG_OW3ekJgrcmfiX67xj5Up2g/s2362/5%20NW%20Portrait%202023%20by%20Axel%20Dupeux%2001%20hr.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1890" data-original-width="2362" height="512" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimIEvoon0m4A73ARWgwfv7LwS8JYQWed0-MxmU0XrpR5zyccel8j1DPxMpVz9pm1q3eVyMePut6blLi-YNr6eCAFEQSBbkZlADrpWujyoUFUm0a14H8lisCfMWmWpUiqXJe5bJHXnkMgwEGAU_qwmqSUhB4rztT2tndJG_OW3ekJgrcmfiX67xj5Up2g/w640-h512/5%20NW%20Portrait%202023%20by%20Axel%20Dupeux%2001%20hr.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Nari Ward. Portrait. Courtesy the artist and Lehmann Maupin, New York, Hong Kong, Seoul, and London. Photo Axel Dupeux</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; text-align: justify;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; text-align: justify;">Inauguración 27 de marzo, hasta el 28 de
julio 2024.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">Documentación recibida de la oficina de
prensa de Pirelli HangarBicocca.</span></p><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">© Mariví Otero 2024</span></div><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;"><span style="text-align: start;">Manuel Otero Rodríguez.</span></div></div><p></p><p></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-15648414874318140032024-03-07T11:22:00.001+01:002024-03-16T01:18:15.936+01:00Gómez Perales y el Centro de Cálculo. Construcciones moduladas (1967-1972)<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvYDm9bzJRSuE21__NJNz7O1xBvOikWyDGdSPO0PbBGo95S7cR4G7upIwTXfa2NtAgQuO_hbk1TYX8GpeYRcoHsXTorLOE3D8L9oCns52Yye0hUWycAAdN_K0H_KvLO-9AzIv91XWnY8SL97VnJfJb7uchyz803plszDZ_KU-joA1yVHwWfpwUqVZv3g/s2856/1%20Construccion%20modulada%20N%C2%BA%206907,%201969.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2175" data-original-width="2856" height="488" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjvYDm9bzJRSuE21__NJNz7O1xBvOikWyDGdSPO0PbBGo95S7cR4G7upIwTXfa2NtAgQuO_hbk1TYX8GpeYRcoHsXTorLOE3D8L9oCns52Yye0hUWycAAdN_K0H_KvLO-9AzIv91XWnY8SL97VnJfJb7uchyz803plszDZ_KU-joA1yVHwWfpwUqVZv3g/w640-h488/1%20Construccion%20modulada%20N%C2%BA%206907,%201969.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Construccion modulada Nº 6907, 1969</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Tras
el emotivo encuentro en la Galería José de la Mano con Josefina, viuda de José
Luis Gómez Perales (Madrid, 1923- 2008, Buenafuente del Sistal, Guadalajara), coincidiendo
con el centenario de su nacimiento, que a su vez coincide con el de Antoni
Tàpies (Barcelona, 1923-2012) y de José María Moreno Galván (La Puebla de
Cazalla, Sevilla, 1923-1981, Madrid) (crítico de arte) todos de 1923,
imprescindibles y grandes creadores en el mundo del arte, confieso que les debo
mucho de mi formación, en alguna ocasión me colé por el Centro de Cálculo,
estudiaba en la Universidad y trabajaba en la Galería Grosvenor (1971) con
Moreno Galván.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhV8HMKpoX5xFlKTabAuQtnei5-5cVEPAFDjM4aKm0AVEjuJ4i-ig2eUUNc7pExFBCNy0SvV-ysHGHypqCduQSQ3Tuw5QCL9QxiiGamK0itjiOAg2GhWUB5UMn3cPLwzFFX-RNryzYoqdu7Et_RBs8IrmZUeuGslKGcEHwrpjTOxH5-l6t8tisudFk-BQ/s2560/2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1152" data-original-width="2560" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhV8HMKpoX5xFlKTabAuQtnei5-5cVEPAFDjM4aKm0AVEjuJ4i-ig2eUUNc7pExFBCNy0SvV-ysHGHypqCduQSQ3Tuw5QCL9QxiiGamK0itjiOAg2GhWUB5UMn3cPLwzFFX-RNryzYoqdu7Et_RBs8IrmZUeuGslKGcEHwrpjTOxH5-l6t8tisudFk-BQ/w640-h288/2.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Tomás García Asensio, Marie Claire Decay (viuda de Salvador Victoria), Josefina (viuda de José Luis Gómez Perales), Mariví Otero y Pedro García Ramos.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Caminamos
por la exposición, está realizada bajo un estudio exhaustivo sobre<i> </i>el <i>Centro
de Cálculo. Construcciones moduladas (1967-1972), sobre el artista José Luis
Perales,</i> por la comisaria: Nuria Fuentes González que se centra en sus
obras más representativas y sobre las que más estudios realizó: sus <b>construcciones
moduladas. </b><i>A ellas dedicó décadas de investigaciones y ensayos,
incluyendo las experiencias llevadas a cabo en el Seminario de Generación
Automática de Formas Plásticas (SGAFP) del Centro de Cálculo de la Universidad
de Madrid (CCUM) donde participó activamente desde 1969 hasta 1972.<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJs49emfQMnizm2yfSPi3T70-rdkYrGIX8P0a9enQgvx2hOBN1y-ePf5YSxDk96j3Obb4s-5fyZn_TpV0Aw0xeNbgAwSXlsx9J1RmxCibMot4lqf-mXc6oOh99468hM2WBYTAXdeqsAo5zsy9WJIdO75u1IuScaY0o7r2Qk9ddlP6EAyCmu4SANRZpRw/s1875/3%20Estudios%20para%20construcciones%20moduladas,%201967.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1354" data-original-width="1875" height="462" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJs49emfQMnizm2yfSPi3T70-rdkYrGIX8P0a9enQgvx2hOBN1y-ePf5YSxDk96j3Obb4s-5fyZn_TpV0Aw0xeNbgAwSXlsx9J1RmxCibMot4lqf-mXc6oOh99468hM2WBYTAXdeqsAo5zsy9WJIdO75u1IuScaY0o7r2Qk9ddlP6EAyCmu4SANRZpRw/w640-h462/3%20Estudios%20para%20construcciones%20moduladas,%201967.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Estudios para construcciones moduladas, 1967</span></div><p></p></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Aprovechó
la participación en los diferentes cursos del seminario y el contacto con el
resto de artistas y compañeros (José Luis Alexanco, Florentino Briones, Gerardo
Delgado, Tomás García Asensio, Ernesto García Camarero, Ignacio Gómez de Liaño,
José María Navascués, J.M. de la Prada, Manuel Quejido, Enrique Salamanca,
Guillermo Serle, Ana Buenaventura y Javier Seguí, Eusebio Sempere, Soledad
Sevilla y José María Yturralde, entre otros) para sistematizar y analizar desde
el punto de vista de las computadoras y los programas informáticos la manera de
realizar sus construcciones moduladas partiendo de la sucesión de Fibonacci.<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-style: italic; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtl0N3NbR1bn1XgRUjSmu06TVQBnVrx-t-cqGqP15kMyS-G3QoVC_XTto8kdssqABcwoowp2xarXplrvRKOAml4H8cMgxI9oSWx3CzHEhf27BhE-lnVpQ9cmxUvzPUwtvXB8Y5GXVuQ3g5_SXI_1I-yOI4_irshzgOfblpdw04LJhA0Ml1MnxsFGMnfg/s3628/4%20Sucesion%20de%20Fibonacci,%201970.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2414" data-original-width="3628" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhtl0N3NbR1bn1XgRUjSmu06TVQBnVrx-t-cqGqP15kMyS-G3QoVC_XTto8kdssqABcwoowp2xarXplrvRKOAml4H8cMgxI9oSWx3CzHEhf27BhE-lnVpQ9cmxUvzPUwtvXB8Y5GXVuQ3g5_SXI_1I-yOI4_irshzgOfblpdw04LJhA0Ml1MnxsFGMnfg/w640-h426/4%20Sucesion%20de%20Fibonacci,%201970.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Sucesion de Fibonacci, 1970</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">A
principio de los años 60 comenzó a plantear con multitud de dibujos y bocetos
bases de sus primeras construcciones moduladas que desarrollará posteriormente
a lo largo de casi dos décadas. Estas primeras experimentaciones fueron
mostradas en la exposición en la Galería Eurocasa en Madrid en 1970. Junto con las
construcciones en planos superpuestos (que después las sustituyeron), conforman
su obra artística más destacada e interesante.</span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Tal y
como las definía el propio artista, “Las construcciones moduladas son la
yuxtaposición de elementos modulados ensamblados”. Están constituidos por
diferentes elementos modulares o “módulos” construidos por separado que se unen
entre si componiendo una obra unitaria. Los cantos de los módulos van
ligeramente biselados en los bordes, por lo que, entre elemento y elemento,
queda un surco con V que establece de manera sutil una línea recta sin
materialidad física que es límite entre diferentes campos de color.<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-style: italic; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0232N_fz0wdGlevS77LQb_QL8AEKH040B0V8-9_5gGQX6dTZVtagKEcyX_S0c8-EfXw_gYEApYq4XMLt1CE-W5K7L4nD8c9EBp2da5Qze60Hf77l5I1COBRkuJ9c73iXD9uMyJf_bSSGXfhDY5P29PzwsmR3dBThPPaYGR_1RxS2x9ciKCqmozuPN_Q/s1875/5%20Estudios%20para%20construcciones%20moduladas,%201968.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1354" data-original-width="1875" height="462" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0232N_fz0wdGlevS77LQb_QL8AEKH040B0V8-9_5gGQX6dTZVtagKEcyX_S0c8-EfXw_gYEApYq4XMLt1CE-W5K7L4nD8c9EBp2da5Qze60Hf77l5I1COBRkuJ9c73iXD9uMyJf_bSSGXfhDY5P29PzwsmR3dBThPPaYGR_1RxS2x9ciKCqmozuPN_Q/w640-h462/5%20Estudios%20para%20construcciones%20moduladas,%201968.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Estudios para construcciones moduladas, 1968</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Tras
las construcciones moduladas, experimentó con las construcciones en dos planos
que, posteriormente, dan paso a otras con tres o más planos y que van tomando
cada vez una mayor tridimensionalidad, llevándole en sus últimos años a
experimentar con estructuras exentas a modo de esculturas con planos
superpuestos. <o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-style: italic; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhL6R6F7-qS-ORzC6fo8rlI8YgPoCIsd5-GvX3jtXB4-c9UGrxSczyv2p0lJ9aDOSWhTM1G-KzOBUD5jV3OKTFoffRL-jANTiUrgmSu2zEf7pnQxTldp_9GoaXa8fwg44ZD_0HOgQncCV_lH96jqGUqvxqaeMAZEIatD25RbQO1ihyphenhyphenzFRcKFs4-eP0h2Q/s2200/6%20Construccion%20modulada,%201973%20(1).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1539" data-original-width="2200" height="448" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhL6R6F7-qS-ORzC6fo8rlI8YgPoCIsd5-GvX3jtXB4-c9UGrxSczyv2p0lJ9aDOSWhTM1G-KzOBUD5jV3OKTFoffRL-jANTiUrgmSu2zEf7pnQxTldp_9GoaXa8fwg44ZD_0HOgQncCV_lH96jqGUqvxqaeMAZEIatD25RbQO1ihyphenhyphenzFRcKFs4-eP0h2Q/w640-h448/6%20Construccion%20modulada,%201973%20(1).jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Construccion modulada, 1973</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-size: 14pt; font-style: italic; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Recomendamos
leer PDF en la Web de la Galería José de la Mano, de la comisaria: <i>José Luis
Gómez Perales y sus construcciones moduladas. La experimentación en el Centro
de Cálculo de la Universidad de Madrid.<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGZokw1x9SdnnYJ806rHBSCcStwWzxIqmTzR9Q3GvVnUz-g3hi7RZB6HKwvpNAGSeyqNo3Xsf3udP9lUxmeU_0w6UUcC8MxGdnwVisRwfRAqj64h2Xe3C_2RT__LwtRCgassVZ8cVbskHDz5o85q0FBqWCtB6QW0UIKSY0CVeTARU_iJ6sjC8xWmynSg/s1875/7%20Construccion%20modulada,%201969%20(1).jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1875" data-original-width="1655" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGZokw1x9SdnnYJ806rHBSCcStwWzxIqmTzR9Q3GvVnUz-g3hi7RZB6HKwvpNAGSeyqNo3Xsf3udP9lUxmeU_0w6UUcC8MxGdnwVisRwfRAqj64h2Xe3C_2RT__LwtRCgassVZ8cVbskHDz5o85q0FBqWCtB6QW0UIKSY0CVeTARU_iJ6sjC8xWmynSg/w564-h640/7%20Construccion%20modulada,%201969%20(1).jpg" width="564" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Construccion modulada, 1969</span></div><p></p></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><sup><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">1</span></sup><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Gómez
Perales prosiguió sus trabajos en torno a la sección áurea y la sucesión de
Fibonacci. <i>[I. Gómez de Liaño]</i><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: 14pt; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhr7bGIGNfRooJS5Cmk7_HtVx5Y_HJgpPDADqQvR41lyF-4CsmBqDGK8zVQLPLWanCtUf8Knc6lrt1TEmlxkom06GGmw9XBeZ8xVliinXHGUV6BlA54CqQsh32q2h6mKNz1aTGa7kDX8lJkVpQH41r7p6l3GuDFaVLVSUB-x-o-85pQkq0B4kVpKroa_Q/s2048/8%20DSC01157.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1536" data-original-width="2048" height="480" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhr7bGIGNfRooJS5Cmk7_HtVx5Y_HJgpPDADqQvR41lyF-4CsmBqDGK8zVQLPLWanCtUf8Knc6lrt1TEmlxkom06GGmw9XBeZ8xVliinXHGUV6BlA54CqQsh32q2h6mKNz1aTGa7kDX8lJkVpQH41r7p6l3GuDFaVLVSUB-x-o-85pQkq0B4kVpKroa_Q/w640-h480/8%20DSC01157.JPG" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Exposición: MODELOS, ESTRUCTURAS Y FORMAS. ESPAÑA 1957-79. Centro de Andaluz de Arte Contemporáneo. Sevilla, 2005. Foto Mariví Otero</span></div><p></p><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">© Mariví Otero 2024</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">Manuel Otero Rodríguez.</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif">Fuente: Gómez Perales y el Centro de
Cálculo. Construcciones moduladas (1967-1972). Galería José de la Mano. Hasta
el 12 de abril 2024. Documentación y fotografías prensa de la Galería: Alberto
Manrique.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><sup><span face=""Arial",sans-serif">1</span></sup><span face=""Arial",sans-serif">Gómez de Liaño. I.: Modelos, estructuras, formas. España
1957-79. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla) 22 septiembre- 27
noviembre 2005. ISBN 84-9547-64-4 / 2005.</span></p></span></div></div></div></div></div><p></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-91222526594153387292024-03-07T10:51:00.003+01:002024-03-07T10:52:59.193+01:00LA CÁMARA DOMÉSTICA AFICIÓN FOTOGRÁFICA EN CATALUÑA (CA.1880-1936).<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgn0E2T8n-mXoCKRL1Rkz_0DbqweHdxz5xIhmM8svlqT0wIXQWdh4r_lAskX4d2SIZ9XS5dPSgB2sqqURKAl-H1252J4GHLoHPu2HymzOsj74-29ijUY4wCKrhm1fiNXvrsSGvBShPq7j4pfkfb_l-AK6ibsXTkDNomf7J4UvPygtKA9cZWUQJ5V44RJg/s2244/1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2244" data-original-width="1497" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgn0E2T8n-mXoCKRL1Rkz_0DbqweHdxz5xIhmM8svlqT0wIXQWdh4r_lAskX4d2SIZ9XS5dPSgB2sqqURKAl-H1252J4GHLoHPu2HymzOsj74-29ijUY4wCKrhm1fiNXvrsSGvBShPq7j4pfkfb_l-AK6ibsXTkDNomf7J4UvPygtKA9cZWUQJ5V44RJg/w426-h640/1.jpg" width="426" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Autoría desconocida . Autorretrato de una joven con cámara y trípode frente a un espejo, ca. 1929-1935 . Plata en gelatina. Copia de época. Col·lecció Jordi Baron Rubí </span></div><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;"><br /></span></div><div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Hace
unos días he recibido de KBr Fundación MAPFRE Barcelona información y
documentación de la exposición sobre fotografía, que caminaremos por ella
virtualmente.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">
</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">LA
CÁMARA DOMÉSTICA AFICIÓN FOTOGRÁFICA EN CATALUÑA (CA.1880-1936). </span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVSqfpMrMFAXUVmiIlOUiPi3T_EvKd3MgWpkpykP88t0f9NuEF9KNuXexJnNNOfSkKcAUU8Mp_1zwpkzgr-rkjslH-YMdNwTmx6ML4DQ5446Lsq0SyWJTqziqS8bXfHbyHpXCaRBFR18NQflvvbUqvRTpPYno8NRDc1rYGolXV8wSxETAaAakv9ST9YQ/s2126/07.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1907" data-original-width="2126" height="574" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiVSqfpMrMFAXUVmiIlOUiPi3T_EvKd3MgWpkpykP88t0f9NuEF9KNuXexJnNNOfSkKcAUU8Mp_1zwpkzgr-rkjslH-YMdNwTmx6ML4DQ5446Lsq0SyWJTqziqS8bXfHbyHpXCaRBFR18NQflvvbUqvRTpPYno8NRDc1rYGolXV8wSxETAaAakv9ST9YQ/w640-h574/07.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Francesc Blasi i Vallespinosa . Calle de Brooklyin iluminada de noche, 1926 . Plata en gelatina a partir de negativo de película . Arxiu Fotogràfic del Centre Excursionista de Catalunya (AFCEC), Fons. Francesc Blasi i Vallespinosa, Barcelona </span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">En
Cataluña, la nueva afición por la fotografía arraigó con fuerza a partir de la
década de 1880 y despertó un extraordinario fervor social hasta el estallido de
la Guerra Civil, en el verano de 1936. Comercios, prensa y entidades
culturales, así como personas de diferentes clases sociales, géneros y edades,
se volcaron en su práctica ya fuesen simples aficionados, o amateurs, como se
conocía en la época a los aficionados más ambiciosos en su práctica de la
fotografía. La cámara se introdujo en el espacio doméstico de miles de personas
y, en adelante, contribuyó a moldear formas de aprehender la realidad y a
expresar aspiraciones sociales y culturales de su tiempo. Las imágenes
realizadas con la cámara doméstica, lejos de ser una forma cultural popular
poco sofisticada y carente de interés, condensaron innumerables signos
sociales, objetivos prácticos y referentes estéticos.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh28iFBbfa7UVApPICJ5uXeX-L2enfgVXj7Xjg3yVQ5uK1kq3YYSD1oyLnOZdpJ3O3xLnqJGBced9j2MBf2wanBno7UjaetzbyjV7HRdgmlv19cXIbr8RB7WUC2ap7KDZnJeHplRPrbcH6BjXeEw05CJhjAYIXqX0B2MZhnQvJpKD4_Nu1Zx6w_jrvM5Q/s2362/12.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1747" data-original-width="2362" height="474" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh28iFBbfa7UVApPICJ5uXeX-L2enfgVXj7Xjg3yVQ5uK1kq3YYSD1oyLnOZdpJ3O3xLnqJGBced9j2MBf2wanBno7UjaetzbyjV7HRdgmlv19cXIbr8RB7WUC2ap7KDZnJeHplRPrbcH6BjXeEw05CJhjAYIXqX0B2MZhnQvJpKD4_Nu1Zx6w_jrvM5Q/w640-h474/12.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Josep Maria Reitg [?]. Retrato de Cosme Reitg, Josep Maria Reitg y un amigo, ca. 1905-1910 . Plata en gelatina a partir de negativo de vidrio. Ajuntament de Girona, Centre de Recerca i Difusió de la Imatge (CRDI), Fons Josep Maria Reitg Martí, Girona</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Comisaria:
Núria F. Rius. La exposición es un recorrido temático por la historia de la
fotografía amateur en Cataluña entre 1880 y 1936. Las cerca de trescientas
piezas que la componen (fotografías, objetos y documentos de época) han podido
reunirse gracias a la colaboración de diecisiete instituciones públicas (entre
archivos, museos, bibliotecas y centros de investigación) y nueve colecciones
privadas.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9xlcPUs0A918pdo2BKKRRsts96RXez1lJX5nPlUImM7XvZdqVp4_peYa_k7JPKlstklKzQvsjmPjUy9JQvByD5QI3tRmTv3sqmiA_bEU0mQlToR_lFFpAHDyEP6baGgrkoWnBFGTCSHWlRutGNBPZqw4rfSVtNaStjOOHbPJpB5JqvbFfSW11_dq0tA/s2135/3.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2008" data-original-width="2135" height="602" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9xlcPUs0A918pdo2BKKRRsts96RXez1lJX5nPlUImM7XvZdqVp4_peYa_k7JPKlstklKzQvsjmPjUy9JQvByD5QI3tRmTv3sqmiA_bEU0mQlToR_lFFpAHDyEP6baGgrkoWnBFGTCSHWlRutGNBPZqw4rfSVtNaStjOOHbPJpB5JqvbFfSW11_dq0tA/w640-h602/3.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Carles Fargas i Bonell . Fuentes de la Exposición Internacional en Montjuïc, Barcelona, 1929 . Plata en gelatina a partir de positivo estereoscópico de vidrio iluminado. Arxiu Fotogràfic del Centre Excursionista de Catalunya (AFCEC), Fons Carles Fargas i Bonell, Barcelona</span></div><p></p><div class="separator" style="clear: both;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Le
recorrido se hace a través de ocho secciones: Una cámara transversal. Visiones
locales. Naturaleza y nación. La cámara trotamundos. Fotografía en casa. Los
momentos "felices". La fotografía como juego y teatro. La cámara
(in)discreta.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Hasta
el 12 de mayo 2024 se puede visitar.<o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQSAIS-6Yol9Rv_dMNT7luPzNJvd8CODqxmVp7rA80g7a2TsqHsWR3MAPBb5oThHa__0GDv6InSdNIRCrjhBh1EuIwDRnFCOPS5Q1XfUjUVmNm09OxbzomjmaVgvTE1oU_BLswol2LoQ-NMrg1nEE5-w9xQP_Nce5xQUlDEmy98I7e8mvPbZgTUrqePw/s2362/13.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1800" data-original-width="2362" height="488" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgQSAIS-6Yol9Rv_dMNT7luPzNJvd8CODqxmVp7rA80g7a2TsqHsWR3MAPBb5oThHa__0GDv6InSdNIRCrjhBh1EuIwDRnFCOPS5Q1XfUjUVmNm09OxbzomjmaVgvTE1oU_BLswol2LoQ-NMrg1nEE5-w9xQP_Nce5xQUlDEmy98I7e8mvPbZgTUrqePw/w640-h488/13.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Antoni Rosal Grelon . Grupo de hombres alrededor de un pequeño estanque, décadas de 1910-1920 </span></div><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Plata en gelatina a partir de negativo de vidrio . Arxiu Nacional de Catalunya (ANC), Fons Antoni Rosal Grelon, Sant Cugat del Vallès </span></div><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/zwmCQI7vwp0" width="320" youtube-src-id="zwmCQI7vwp0"></iframe></div></div></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">© Mariví Otero 2024</span></div><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">Manuel Otero Rodríguez.</span></div></div></div></div></div></div></div><p></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-37891009280605013172024-03-07T10:30:00.001+01:002024-03-07T10:30:02.257+01:00Noemí Iglesias Barrios: Love Me Fast <p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgF3ryIay13AWN28sI29BWmNHHZQsHWK63SFN9zSUtA5ehax0lLqifRADtRRKOqx5UVHTCP_UZjmrdJ-__7sbk2lW50xnB0yQQNd40WiJARWKznbZEOQmAW-aiKbLCeh3OU6SCOK-WMnMplHrKgUpAqH9h6a8qCTcTbQ0ybMQYFLTR2vYTwTo7S_NuGBg/s5197/1%20everlasting.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2853" data-original-width="5197" height="352" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgF3ryIay13AWN28sI29BWmNHHZQsHWK63SFN9zSUtA5ehax0lLqifRADtRRKOqx5UVHTCP_UZjmrdJ-__7sbk2lW50xnB0yQQNd40WiJARWKznbZEOQmAW-aiKbLCeh3OU6SCOK-WMnMplHrKgUpAqH9h6a8qCTcTbQ0ybMQYFLTR2vYTwTo7S_NuGBg/w640-h352/1%20everlasting.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Noemi Iglesias Barrios. Everlasting, 2019. Porcelana y pigmentos rojo, verde y violeta, 24 x 17 x 11 cm cada pieza. Oxidación a 1.280° C . Serie de 10. Colección de la artista y colección privada</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En el
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, he paseado entre las obras de la exposición
de Noemi Iglesias Barrios (Langreo, 1987) "Love Me Fast", séptima
entrega del programa Kora, comisariada por Rocío de la Villa, que presenta cada
año una muestra concebida desde la perspectiva de género. En esta ocasión el
proyecto gira en torno a la obra de Noemi Iglesias Barrios, con una veintena de
piezas que dialogan con algunos cuadros de las colecciones del museo y están
realizadas en medios tan diversos como bronce, cristal, vídeo, fotografía y
principalmente porcelana, La exposición cuenta con la colaboración de Las Rozas
Village.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEintTim7DH2EN4BsSTu-IAJi_u1iNHnxQQT0i928Tfdg3D1s3gVxh54h8Cq_LpZskm2eoUaG2VPaFba1CuQh4RLiGB4F8ZoOtMqkF52IoKvbnwrxv5GhWVhGrmC2bfWjT-vuqYuULQwJ-KwtZzhXc8Md8HMN0UcQfqetonFPOyT6RAGj_f3uRyrwFhZhg/s3000/2%20NoemiIglesiasBarrios_LoveMeFast_01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2278" data-original-width="3000" height="486" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEintTim7DH2EN4BsSTu-IAJi_u1iNHnxQQT0i928Tfdg3D1s3gVxh54h8Cq_LpZskm2eoUaG2VPaFba1CuQh4RLiGB4F8ZoOtMqkF52IoKvbnwrxv5GhWVhGrmC2bfWjT-vuqYuULQwJ-KwtZzhXc8Md8HMN0UcQfqetonFPOyT6RAGj_f3uRyrwFhZhg/w640-h486/2%20NoemiIglesiasBarrios_LoveMeFast_01.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Noemí Iglesias Barrios.</span> </div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnDzld8PNzeLCKnBp6xgT_oMMybSc6GJBYonk0gP1gwJ6MsTFWgF8-NvhJG1SkIkUhAHaA-m-Y8eVgFZG1JNRHvU4VoB8bkTT16Fh-tVQRYd9YYFE_jA90fIOOup6iemFGTJ_pklQZaKVgkbplw8b2OhcrSyf1KnZb0KBPTBS5Lfu6RVTamMZhN1NnoA/s3000/4%20NoemiIglesiasBarrios_LoveMeFast_03.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1842" data-original-width="3000" height="392" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnDzld8PNzeLCKnBp6xgT_oMMybSc6GJBYonk0gP1gwJ6MsTFWgF8-NvhJG1SkIkUhAHaA-m-Y8eVgFZG1JNRHvU4VoB8bkTT16Fh-tVQRYd9YYFE_jA90fIOOup6iemFGTJ_pklQZaKVgkbplw8b2OhcrSyf1KnZb0KBPTBS5Lfu6RVTamMZhN1NnoA/w640-h392/4%20NoemiIglesiasBarrios_LoveMeFast_03.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Fotografía de sala. Exposición: Love Me Fast.</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En
"Love Me Fast" la artista asturiana nos habla del amor romántico en
la época de las redes, un amor idealizado en un plano de felicidad consumista, contrastando
con las relaciones tóxicas que a menudo se producen. El resultado es una serie
de piezas de gran belleza que, al mismo tiempo, cuestionan lo considerado arte
y artesanía en la historia del arte, y actualmente en el arte contemporáneo en
pleno siglo XXI.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQrcqAalx6lluOO3iYxACrzzOm-M7zicQ-F2ewTrXvR_tszj5sL5gS4GdovqCr6KwZlwPPNXYzDJW_-Mjzkw_izfJFGbet0Z7apQDfzYgFhDKed8I6mi-kvGKgqC1SnD1FRguRIGbcaW-aGcrmgVucV83K-a3FOS7sq_PZiGiF-vo_-i8Tjk92LnIp_g/s1120/quarantine.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="747" data-original-width="1120" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQrcqAalx6lluOO3iYxACrzzOm-M7zicQ-F2ewTrXvR_tszj5sL5gS4GdovqCr6KwZlwPPNXYzDJW_-Mjzkw_izfJFGbet0Z7apQDfzYgFhDKed8I6mi-kvGKgqC1SnD1FRguRIGbcaW-aGcrmgVucV83K-a3FOS7sq_PZiGiF-vo_-i8Tjk92LnIp_g/w640-h426/quarantine.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Noemi Iglesias Barrios. Quarantine, 2019. Porcelana y soportes metálicos, 230 x 150 x 160 cm. Serie de 40. Cocción de humo en caja refractaria a 1.260° C. Cortesía de la artista y Museo de Bellas Artes de Asturias.</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Noemi
Iglesias es una artista que trabaja con medios escultóricos y formatos
performativos de larga duración. En su trabajo reproduce la técnica tradicional
de las flores de porcelanas para esbozar la mercantilización actual del
enamoramiento y cómo los patrones emocionales son asumidos socialmente como
iconos comerciales en la producción de una utopía romántica, done las
experiencias sentimentales se presentan a través de productos específicos
transformando patrones emocionales en estrategias consumistas.<o:p></o:p></span></p></div><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Una
exposición para disfrutar de la búsqueda de las obras.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Documentación
y fotografías: departamento de prensa del Museo Thyssen-Bornemisza.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTg-3Jtyfwo0jhKIShBFEhpfhr7iXcW7ClupMFQWl7nvyy_UxbIdMjx9maa4nNeBGYWuGV9yJIb7b8QVtVILz8o6uiJdI8PgduCokdBeazgnRabC6qVUt8mDzhGAosxFtcIbCt3e-nlNpOvtId0y9KCTWWfnEntXFD1pd_zc8IyylvR1LDyQBhS1lyzg/s5616/he_loves_me_he_loves_me_not.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3744" data-original-width="5616" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTg-3Jtyfwo0jhKIShBFEhpfhr7iXcW7ClupMFQWl7nvyy_UxbIdMjx9maa4nNeBGYWuGV9yJIb7b8QVtVILz8o6uiJdI8PgduCokdBeazgnRabC6qVUt8mDzhGAosxFtcIbCt3e-nlNpOvtId0y9KCTWWfnEntXFD1pd_zc8IyylvR1LDyQBhS1lyzg/w640-h426/he_loves_me_he_loves_me_not.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Noemi Iglesias Barrios. He Loves Me, He Loves Me Not, 2018. Vídeo HD, 21 min. Colección de la artista y Colección Arte Al Límite</span></div><p></p><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">© Mariví Otero 2024</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">Manuel Otero Rodríguez.</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/mEQcuJ1esbs" width="320" youtube-src-id="mEQcuJ1esbs"></iframe></div></div></div></div></div>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-11913518222956084552024-02-21T19:11:00.000+01:002024-02-21T19:11:44.617+01:00J.M. PEREÑÍGUEZ. ESA SOLA SEÑAL<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcEU4VILsMGXgz4EjfnlytvrFRVxvkPbcM_jQhdM3XFH9ufWk07rKmQrJ43PvsLUDHPEarUmCx3epRW5-ey0Rgp-MkJRy8mGdNeQfZEarbnpZ71c81HBPLGwuVuM3qvcwoIBzUf-D8fih25EHQCgR7Kk4d5OfkKJcxV_Z99m7w4tCnbfh35p0Na6Xb_g/s4878/1%20Vista%20Esa%20sola%20se%C3%B1al%20P%C3%91%20(5).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3648" data-original-width="4878" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcEU4VILsMGXgz4EjfnlytvrFRVxvkPbcM_jQhdM3XFH9ufWk07rKmQrJ43PvsLUDHPEarUmCx3epRW5-ey0Rgp-MkJRy8mGdNeQfZEarbnpZ71c81HBPLGwuVuM3qvcwoIBzUf-D8fih25EHQCgR7Kk4d5OfkKJcxV_Z99m7w4tCnbfh35p0Na6Xb_g/w640-h478/1%20Vista%20Esa%20sola%20se%C3%B1al%20P%C3%91%20(5).jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Exposición: J.M. PEREÑÍGUEZ. ESA SOLA SEÑAL. Galería Rafael Ortiz.</span></div><p></p><p style="text-align: center;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">En la
Galería Rafael Ortiz (Sevilla) se ha inaugurado hace unos días la exposición
del artista José Miguel Pereñíguez (Sevilla 77): "Esa sola señal".<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Pereñíguez
escribe: "Tal vez fuese Navalis (escritor, filósofo alemán) quien
escribiera el más hermoso y conciso tratado de dibujo<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>cunado comparaba los caminos y los destinos
de los hombre con "aquella escritura difícil y caprichosa que se encuentra
en todas partes:<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>sobra las alas,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>sobre la cáscara de los huevos, en las nubes
en la nieve,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en los cristales, en la
configuración de las rocas, sobre el agua congelada, dentro y fuera de las
montañas, de las plantas, de los animales,<span style="mso-spacerun: yes;">
</span>de los hombres,<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>en los
resplandores<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de los cielos, sobre
los<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>discos de vidrio y resina, cuando se
frotan y se palpan; en las limaduras que se adhieren<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>al imán y en las extrañas conjeturas<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>del azar..."<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0lx6_L-HvjjpUM9dgCyhrmFRQqJD6_Hm7hfSM4aIcqyIMRNPhbOdDMs5MBAZXzYC7Kis319X_jrXwG2Wlfp0UvioK-mQUCHk4o91Y4E3NvIxT5HObOC25GUTpR3_nTHts3pMeeN39gHRlUzt0gWrr2RX159NFCGtnx9XKBj8dtxB7Ff-r6BL7ROjDSA/s5256/2%20Vista%20Esa%20sola%20se%C3%B1al%20P%C3%91%20(2).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3648" data-original-width="5256" height="444" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0lx6_L-HvjjpUM9dgCyhrmFRQqJD6_Hm7hfSM4aIcqyIMRNPhbOdDMs5MBAZXzYC7Kis319X_jrXwG2Wlfp0UvioK-mQUCHk4o91Y4E3NvIxT5HObOC25GUTpR3_nTHts3pMeeN39gHRlUzt0gWrr2RX159NFCGtnx9XKBj8dtxB7Ff-r6BL7ROjDSA/w640-h444/2%20Vista%20Esa%20sola%20se%C3%B1al%20P%C3%91%20(2).jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Exposición: J.M. PEREÑÍGUEZ. ESA SOLA SEÑAL. Galería Rafael Ortiz.</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">Trazando
o estampando, los signos de esta escritura determinan un orden en lo humano
(los caminos Novalis), empezando por hacernos quienes somos (Las líneas de la fisonomía,
de la expresión), revelándonos de seguido dónde estamos. El dibujo hace con esa
escritura lo posible y lo imposible: dejarnos ser y no ser nosotros, indicarnos
la vía hacia<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>donde querríamos<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>estar y no estar. Exposición para visitar
hasta el 27 de marzo. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEit7ygH1HJw1kOnk0YTBGZsVVz3Gcj2jm1ZlpRu6F6hug2qrroMJ6EO3Vk3-icdZb7c9GThfBXAidj-raF91jsV7o65_2zLKszALTYlSiI-0mOnP-KTxod3t47G22Us-w0cv6F1cDI2eVxn2isI8J6FCs4nSAcM5w7esaL9Qdurd_-b59H9TRSctwhyyw/s5618/3%20Vista%20Esa%20sola%20se%C3%B1al%20P%C3%91%20(8).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3513" data-original-width="5618" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEit7ygH1HJw1kOnk0YTBGZsVVz3Gcj2jm1ZlpRu6F6hug2qrroMJ6EO3Vk3-icdZb7c9GThfBXAidj-raF91jsV7o65_2zLKszALTYlSiI-0mOnP-KTxod3t47G22Us-w0cv6F1cDI2eVxn2isI8J6FCs4nSAcM5w7esaL9Qdurd_-b59H9TRSctwhyyw/w640-h400/3%20Vista%20Esa%20sola%20se%C3%B1al%20P%C3%91%20(8).jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Exposición: J.M. PEREÑÍGUEZ. ESA SOLA SEÑAL. Galería Rafael Ortiz.</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 12.0pt; line-height: 150%;">©
Mariví Otero 2024</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">Fuente: Documentación y fotografías: Galería Rafael Ortiz. Sevilla.</span></p><span style="color: #0000ee;"><u></u></span><p></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-84136503583883352652024-02-21T18:27:00.000+01:002024-02-21T18:27:13.459+01:00CHRISTER STRÖMHOLM. Cierra los ojos y ve.<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKasoAiV-JPYBZUt5qE5yK4INBY4gg6MAn1w0vFfn8eO5G6K3udfaEXQlGziUV3lbzOJVm48TJy_HBdmLJwy2ZiFdkFo9Po9lPmPkUoKG81PFEVnmm18OyB6WctrDEZONSOCyheul6N-tySnXZdqohWfQBsvJcIffkFVhsh9mTezR-HQu-sEFxr8_M0g/s2362/1%202..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2362" data-original-width="1890" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiKasoAiV-JPYBZUt5qE5yK4INBY4gg6MAn1w0vFfn8eO5G6K3udfaEXQlGziUV3lbzOJVm48TJy_HBdmLJwy2ZiFdkFo9Po9lPmPkUoKG81PFEVnmm18OyB6WctrDEZONSOCyheul6N-tySnXZdqohWfQBsvJcIffkFVhsh9mTezR-HQu-sEFxr8_M0g/w512-h640/1%202..jpg" width="512" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Christer Strömholm. Autorretrato, Camarga, 1951. © Christer Strömholm Estate</span></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En la
Fundación Mapfre Madrid, visitamos la exposición retrospectiva del fotógrafo
sueco Christer Strömholm (Estocolmo 1916 - 2002).<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Tras
un suceso familiar como fue la pérdida de su padre, este suceso, unido a su
participación en la guerra civil española y en la Segunda Guerra mundial, dejó
una fuerte huella en su vida y su obra que estará imbuida de humanismo y
compromiso social, lo que combina con un cierto carácter documental. Como él
mismo al referirse a la guerra en su libro <i>Poste restante: “Después de un
periodo infernal, tiendes a aislarte mucho, a no soltar prenda Ni siquiera
delante de tu círculo más cercano, de la gente con la que te relacionas
íntimamente, son muchas las conferencias que salen de tus labios. Te conviertes
en un charlatán, alguien que cuenta anécdotas entretenidas, que anima las
veladas, pero nunca revelas realmente nada”.</i><o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"> Desde muy joven, Strömholm había viajado por
todo el mundo. Tras la guerra, en 1947, volvió a París, donde se dio cuenta de
que la imagen fotográfica le permitía expresarse de una forma acorde a sus
deseos, momento a partir del cual ya no dejaría de hacer imágenes; según sus
propias palabras:<i> “Yo no hago fotografías, hago imágenes. Eso es lo que he
hecho. Eso es lo que he hecho toda la vida”. <o:p></o:p></i></span></p></div><br /><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAczuw9W67KciaZ0F7o9FfbeqUBu9kxZvSkrdmIWfJ70q5fmoAByhC5bjFlC-lmwErzEy0LN659ACYzPiiPO7jeaKjdTGzs8yLkmi_qQTT1eoeM-20uTSI4UfnlZ7CO2g3q8YQhtFyZyAujSdE-zU81Sfa15-JSWM4qHaJDdMwpkuIwmwfm-UtNomGog/s3032/2%201..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2640" data-original-width="3032" height="558" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAczuw9W67KciaZ0F7o9FfbeqUBu9kxZvSkrdmIWfJ70q5fmoAByhC5bjFlC-lmwErzEy0LN659ACYzPiiPO7jeaKjdTGzs8yLkmi_qQTT1eoeM-20uTSI4UfnlZ7CO2g3q8YQhtFyZyAujSdE-zU81Sfa15-JSWM4qHaJDdMwpkuIwmwfm-UtNomGog/w640-h558/2%201..jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Christer Strömholm. Tánger, 1952. Impresión posterior. N. inv. 0395-6. © Christer Strömholm Estate</span></div><div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Caminamos
por la muestra dividida en cinco secciones:<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">FOTOFORM<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">A
partir de 1950, y tras conocer a Otto Steiner, fundador del colectivo
fotográfico </span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Fotoform, <i>Strömholm comenzó a participar en
las exposiciones colectivas del grupo tanto en Europa como en Estados Unidos.
Los miembros de Fotoform se centraban en la experimentación formal y en las
posibilidades expresivas del lenguaje fotográfico: crearon un método que
bautizaron como fotografía subjetiva.</i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Su
paso por el grupo le ayudó a establecer cuáles eran sus objetivos en el arte
fotográfico, sin embargo, tras unos años, el artista abandonó el colectivo.<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOAeUfaVoO8iRC_CbCsdAEjJ5JMZATqXjNc_s5ljluBt5lleEe15VRZ5GOE_NlKzDvA4pnZIv6HCNL5V9bXt4YWPNqld_ELEcXRN6X3hhzHeblVv8uYs6MwPougCnkqDayQoljropAczRVVMILnJg4L2y3v_1f3hmTeTo21oYDQm3hLTM-KEGZnylAUA/s4606/3%207..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3591" data-original-width="4606" height="498" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOAeUfaVoO8iRC_CbCsdAEjJ5JMZATqXjNc_s5ljluBt5lleEe15VRZ5GOE_NlKzDvA4pnZIv6HCNL5V9bXt4YWPNqld_ELEcXRN6X3hhzHeblVv8uYs6MwPougCnkqDayQoljropAczRVVMILnJg4L2y3v_1f3hmTeTo21oYDQm3hLTM-KEGZnylAUA/w640-h498/3%207..jpg" width="640" /></a></i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Christer Strömholm. El pequeño Christer, Pigalle, . París, 1955 . Impresión posterior. N. inv. 0066-68. © Christer Strömholm Estate</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">POSTE
RESTANTE<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
vida errante de Strömholm y sus viajes por España, Japón, Francia, Alemania,
Estados Unidos y la India desde finales de la década de 1940 hasta 1967
quedaron reflejadas en el libro </span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Poste restante (Lista de
correos)<i>, editado en 1957. Las imágenes en torno a la muerte, sobre las que
el artista había trabajado desde 1950, ocuparon un lugar central en la
publicación y se convirtieron en un modo para procesar sus recuerdos de
infancia, en concreto la separación de sus progenitores, el suicidio de su
padre y las experiencias bélicas.</i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Poste
restante<i> es considera hoy en día una de las publicaciones clave sobre la
fotografía de posguerra y se erige como una reflexión acerca de la condición
humana.<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: 14pt; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkkuvF25K16QpeqTT67_o2dagkavXRAOfTZUkXxZckDIKvXU69CISerbXqhV92xe_I_M9jZKBeR9ZLQOvRNfdsVkwk8JOZCrBUz8gBuZShkF3jTLOM5GKhGRN0M0FYkL5wN4DRwD6sQovFZW7EXy6066041NWvMbWCpt3pp4FbTrF2SVBp_f5h63GAaw/s3512/4.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3512" data-original-width="2350" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkkuvF25K16QpeqTT67_o2dagkavXRAOfTZUkXxZckDIKvXU69CISerbXqhV92xe_I_M9jZKBeR9ZLQOvRNfdsVkwk8JOZCrBUz8gBuZShkF3jTLOM5GKhGRN0M0FYkL5wN4DRwD6sQovFZW7EXy6066041NWvMbWCpt3pp4FbTrF2SVBp_f5h63GAaw/w428-h640/4.jpg" width="428" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: xx-small;">Christer Strömholm. Tokio, 1961 . Copia de época. N. inv. 0357-8. © Christer Strömholm Estate</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">LA
PLACE BLANCHE<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">A
finales de los años cincuenta, Strömholm entablo amistad en París con las
transexuales de los alrededores de la Place Blanche, cerca de Pigalle</span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">. <i>La
mayor parte de ellas trabajaban en cabarés y se veían obligadas a prostituirse
dada la imposibilidad de encontrar alternativas laborales, entre otras cosas,
porque su nombre masculino en el carné de identidad no coincidía con su físico.<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">“Las
amigas de la place Blanche”<i>, que dieron título al libro que publicaría en
1983, reivindicando el derecho a ser ellas mismas; sus retratos hablan de la
libertad y del poder de determinar la propia identidad.<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: 14pt; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEWcw2uEOV_KlhqjRRxG4C53GYYpKksatYjP7ThC7J2aKrECCaY8-A_1QfJ1DWUUT5Y9XogY4ZRNI6FXoDZUxOFfio0soCcJ4mxu5NignaXWhDd_Zu3NJv04-i2zMQoJwdlKUyjQCFcpq4bDLleAqeqTnTP4kFAdKNqO81qOLLfCDzfYFJPZfFI_dlcg/s3395/5.1%2010..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3395" data-original-width="2733" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiEWcw2uEOV_KlhqjRRxG4C53GYYpKksatYjP7ThC7J2aKrECCaY8-A_1QfJ1DWUUT5Y9XogY4ZRNI6FXoDZUxOFfio0soCcJ4mxu5NignaXWhDd_Zu3NJv04-i2zMQoJwdlKUyjQCFcpq4bDLleAqeqTnTP4kFAdKNqO81qOLLfCDzfYFJPZfFI_dlcg/w516-h640/5.1%2010..jpg" width="516" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: xx-small;">Christer Strömholm. Gina y Nana, Place Blanche, París, 1963. Impresión posterior. N. inv. 0120-23. © Christer Strömholm Estate</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgetL4MqGtL8G2IfnkynviaauBhy6e1yx6argqf_zcr1zhQGIV6tLmw9NdGPCJTbaIeK78RqOhiBWMewF4R1VeH-69N6M9s8aEdSdFfvxrNW-8-xg-aA6VObY9QlJ03MAMRN9zbqPLUIFBQIXFQUyrCE9OQn1njTS9Wqo3AJAE47Z6hvwD4oukX8Lrkpw/s3425/5.2%209..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3425" data-original-width="2370" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgetL4MqGtL8G2IfnkynviaauBhy6e1yx6argqf_zcr1zhQGIV6tLmw9NdGPCJTbaIeK78RqOhiBWMewF4R1VeH-69N6M9s8aEdSdFfvxrNW-8-xg-aA6VObY9QlJ03MAMRN9zbqPLUIFBQIXFQUyrCE9OQn1njTS9Wqo3AJAE47Z6hvwD4oukX8Lrkpw/w442-h640/5.2%209..jpg" width="442" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Christer Strömholm. La Méthode, París, 1960. Impresión posterior. N. inv. 0076-12. © Christer Strömholm Estate</span></div><div><br /></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeZtr6GkfknHflkqE8E-E8dTvleYX3rFiRHmH3FNbuCkbS0vD2xbimr_vNxD-yoPf2_hDRZMTicJoEgYMiO6_fS75uQRCZ6PORl8s9IlZd0inPDX4tddUj2e4ddzyGSHe9Pqa1wPjZPQ3p1qEdVgZlBlisEoEzRWtaS600HcTAKtGw0CUZYsNuCeLveg/s4134/5.3%2012..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4134" data-original-width="2958" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeZtr6GkfknHflkqE8E-E8dTvleYX3rFiRHmH3FNbuCkbS0vD2xbimr_vNxD-yoPf2_hDRZMTicJoEgYMiO6_fS75uQRCZ6PORl8s9IlZd0inPDX4tddUj2e4ddzyGSHe9Pqa1wPjZPQ3p1qEdVgZlBlisEoEzRWtaS600HcTAKtGw0CUZYsNuCeLveg/w458-h640/5.3%2012..jpg" width="458" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Christer Strömholm. Jacky y Adèle Chanel, París, 1960. Impresión posterior. N. inv. 0081-8. © Christer Strömholm Estate</span></div><div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">EL
PARÍS DE LOS ARTISTAS<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En
1937 Strömholm visitó por primera vez París, donde pudo asistir a la Exposición
Universal, que albergaba el pabellón republicano español en el que se exhibía
el Guernica de Pablo Picasso. París se convirtió en uno de sus destinos
preferidos. Regresó en 1947 y se codeó con algunos de los más destacados
artistas de la época. Su principal fuente de inspiración fue Brassaï, con quien
compartía el interés por los fragmentos de textos, los escritos en las fachadas
a modo de grafiti, pero también en las señales los carteles y las vallas
publicitarias.</span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En
1949, el fotógrafo comenzó una serie de retratos de artistas para periódicos
brasileños y suecos. Descubrió que tenía talento para adentrarse en la
personalidad de los retratados: Le Corbusier, André Breton, Antoni Tàpies,
Antonio Saura, Alberto Giacometti, por citar algunos.<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZg1gcg8EMUR4LQ46CksNM66OnC76JUd9C8xVzFUEaoPWu-SkiqtO95T8vLJ3tr2tWfay10r47xx1VL0jzROgJ8iuBFXZsNsHmBhkrUwz75ewSAgrF4FEOmGLkOanUqOYpvlixBeiDAT4nAbDhj_76GC0cdCiuI6jL7boxbRDbk3x1DNKko5KlnFJwYw/s3898/6.1%203..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3898" data-original-width="2923" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZg1gcg8EMUR4LQ46CksNM66OnC76JUd9C8xVzFUEaoPWu-SkiqtO95T8vLJ3tr2tWfay10r47xx1VL0jzROgJ8iuBFXZsNsHmBhkrUwz75ewSAgrF4FEOmGLkOanUqOYpvlixBeiDAT4nAbDhj_76GC0cdCiuI6jL7boxbRDbk3x1DNKko5KlnFJwYw/w480-h640/6.1%203..jpg" width="480" /></a></i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><span style="font-size: x-small;">Christer Strömholm. Marcel Duchamp, Cadaqués, 1963. Impresión posterior. N. inv. 0006-21. © Christer Strömholm Estate</span></i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><span style="font-size: x-small;"><br /></span></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf_lIpeiigRJWzqTHdfVcRiO9bUx-ht6tXH7ioZXx9hXR79Ex-T1tjqlW5-i1sFil7kuNUQ2Lbe0gZGnW25efMdp6dlHj-HdUbKLcZuCziN3tWr1eZBypyfre4UmM0ih0JPB9L8Jn7gL0_dQtWcrZmJ6TsbeSegOBra0qVgllJfvJFD0Gw_t1sIZt4xw/s4134/6.2%205..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4134" data-original-width="2944" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf_lIpeiigRJWzqTHdfVcRiO9bUx-ht6tXH7ioZXx9hXR79Ex-T1tjqlW5-i1sFil7kuNUQ2Lbe0gZGnW25efMdp6dlHj-HdUbKLcZuCziN3tWr1eZBypyfre4UmM0ih0JPB9L8Jn7gL0_dQtWcrZmJ6TsbeSegOBra0qVgllJfvJFD0Gw_t1sIZt4xw/w456-h640/6.2%205..jpg" width="456" /></a></i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><span style="font-size: x-small;">Christer Strömholm. Alberto Giacometti, París, 1960. Impresión posterior. N. inv. 0007-31. © Christer Strömholm Estate</span></i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><span style="font-size: x-small;"><br /></span></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOWRxMsGbW2UrmeV9rd0tLt3xzIYpWQwhWWIlj3nXtw53mSHL_kymbtNtxISYpHiLNQbfJorWcDdsNSPiIWtz_0gYSIj637SK6CaVIypq1AoljF-Ttvmz1zT12ATQQmnS-BSZfhZWC3VpFxqA9SvWXdOpR2cxjGQGq7aKF8pANI1ETyEBqce9XFV_pEQ/s5267/6.3%204..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3444" data-original-width="5267" height="418" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOWRxMsGbW2UrmeV9rd0tLt3xzIYpWQwhWWIlj3nXtw53mSHL_kymbtNtxISYpHiLNQbfJorWcDdsNSPiIWtz_0gYSIj637SK6CaVIypq1AoljF-Ttvmz1zT12ATQQmnS-BSZfhZWC3VpFxqA9SvWXdOpR2cxjGQGq7aKF8pANI1ETyEBqce9XFV_pEQ/w640-h418/6.3%204..jpg" width="640" /></a></i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Christer Strömholm. Leo Zimmerman, París, 1949. Impresión posterior. N. inv. 0086-8. © Christer Strömholm Estate</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">ESPAÑA<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Strömholm
llegó a España en 1938, en plena guerra civil cuando contaba veinte años, lo
que supuso el despertar de su conciencia política, pues actuó ocasionalmente
como correo de los republicanos. A finales de los años cincuenta regresó de
nuevo a España, esta vez como guía turístico de viajes que partían en autobús
desde Suecia. Visitó entonces lugares como Barcelona, Madrid, Palma de Mallorca
y Valencia. Este trabajo le proporcionó la ocasión de fotografiar ambientes
urbanos, prostitutas, guardias civiles, marines norteamericanos y niños.<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Muchos
años después, en 2013, se publicó el libro </span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Resa i svartvitt<i>
(Viaje en blanco y negro), en el que relató cómo experimentaron la realidad
social del país bajo el régimen franquista.</i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Las
imágenes del viaje ofrecen una imagen de pobreza, capturan la atmósfera de
zonas donde el progreso parece detenido. Algunos de los retratos más
legendarios de niños proceden de estos recorridos por el país.<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEj1JrUj9buD1e9NL6oMCJ79-QWwzaKHbXjTZvl3aCfqnp6p4eBEHjW2GovrLFmFo1hyhg1MxO1HMbrKsabdc1ndmAJOldY6bUUbkEMmR7jyENtnGet2KImVbJnZTJNAMUXUPRZJkoEU8Ldqnf536cTldzSUuB1CNq5BqrAT9cadnaCL_IJUwptfbTWw/s3898/7.1%2016..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3898" data-original-width="2692" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEj1JrUj9buD1e9NL6oMCJ79-QWwzaKHbXjTZvl3aCfqnp6p4eBEHjW2GovrLFmFo1hyhg1MxO1HMbrKsabdc1ndmAJOldY6bUUbkEMmR7jyENtnGet2KImVbJnZTJNAMUXUPRZJkoEU8Ldqnf536cTldzSUuB1CNq5BqrAT9cadnaCL_IJUwptfbTWw/w442-h640/7.1%2016..jpg" width="442" /></a></i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><span style="font-size: x-small;">Christer Strömholm. Barrio Chino, 1959. Copia de época. N. inv. 0670-6 / ESP 048. © Christer Strömholm Estate</span></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwijo4vba4pOosu9HjzRGcvgyDJiPM4k6TjuBdvc4MkxWAe6SQQQ6A57GN4dVXaTkOJ56KNyILgTIlfGvVnW2aLCReDoz7NMn8u92PGyfSq_Mo1BS6_HRcmtCE8AQWR_A5HoKAAItBd2yAdl6i1-zXrZixD9JucoOK-9S2aYrarNa8hUj6SY_VcwmjEg/s4134/7.2%2017..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4134" data-original-width="3008" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiwijo4vba4pOosu9HjzRGcvgyDJiPM4k6TjuBdvc4MkxWAe6SQQQ6A57GN4dVXaTkOJ56KNyILgTIlfGvVnW2aLCReDoz7NMn8u92PGyfSq_Mo1BS6_HRcmtCE8AQWR_A5HoKAAItBd2yAdl6i1-zXrZixD9JucoOK-9S2aYrarNa8hUj6SY_VcwmjEg/w466-h640/7.2%2017..jpg" width="466" /></a></i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><span style="font-size: x-small;">Christer Strömholm. Barrio Chino, Barcelona, 1959. Copia de época. N. inv. 0014-16. © Christer Strömholm Estate</span></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-size: x-small;"><i></i></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgk3_xOTvDh1J6Pgm30ErLExFouyeMEYREkyeFLftPjIwADtTsrrWnDsP-8Zx2LwxDImBkbyIJuFZjvEpgq7f-wBLhPYfQmlxN6aw8xK3LDeg8WKxlX_eV3zJ2uLHcv-321ALm1L3Gb1Ke49c84EVOnD13CK9GD93C3itHiri6-4GO4TaTfYIzy3w_zHA/s3558/7.3%2019..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3036" data-original-width="3558" height="546" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgk3_xOTvDh1J6Pgm30ErLExFouyeMEYREkyeFLftPjIwADtTsrrWnDsP-8Zx2LwxDImBkbyIJuFZjvEpgq7f-wBLhPYfQmlxN6aw8xK3LDeg8WKxlX_eV3zJ2uLHcv-321ALm1L3Gb1Ke49c84EVOnD13CK9GD93C3itHiri6-4GO4TaTfYIzy3w_zHA/w640-h546/7.3%2019..jpg" width="640" /></a></i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;"><i>Christer Strömholm. </i>Palma de Mallorca, 1959. Impresión posterior. N. inv. 0079-10. © Christer Strömholm Estate</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;">Gran exposición de uno de los artistas más
emblemáticos de la fotografía europea de posguerra, cuyo mayor reconocimiento
le llegó de forma algo tardía, cuando le fue otorgado en 1997 el Premio
Hasselblad.</span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
muestra cuenta con más de ciento cincuenta imágenes y distinta documentación de
archivo, entre la que se encuentra la película Blunda och se (Cierra los ojos y
ve), realizada por Joakim Strömholm en 1996. Importante ver este documental que
está en la última sala, para conocer al artista fotógrafo sueco y libertario
Christer Strömholm.<br /><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLazzYcm6MILYtHhUaflfV36IzuKGoLtUXXBMh3efRn2hxOId9q2kEyAU5PoCUXlD5z5aDfkxe-OFFdtsqNrG4YyHvD9l3tUv4VbpfbJsRRbTrKEWOgY4ZYhyphenhyphenZy3WGFlDcVjDu_lMwswf3NsKJ4TwJ24vLSBIDstxv39SqyCvmv84DA3i0rGaYpCna6Q/s1772/8%2020..jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1772" data-original-width="1581" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLazzYcm6MILYtHhUaflfV36IzuKGoLtUXXBMh3efRn2hxOId9q2kEyAU5PoCUXlD5z5aDfkxe-OFFdtsqNrG4YyHvD9l3tUv4VbpfbJsRRbTrKEWOgY4ZYhyphenhyphenZy3WGFlDcVjDu_lMwswf3NsKJ4TwJ24vLSBIDstxv39SqyCvmv84DA3i0rGaYpCna6Q/w572-h640/8%2020..jpg" width="572" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Christer Strömholm, 1992. © Christer Strömholm Estate</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div><br /></div><div><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">© Mariví Otero 2024</span></div><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; font-size: 14.85px;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">Manuel Otero Rodríguez.</span></div><div class="separator" style="clear: both; font-size: 14.85px;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-family: Arial, sans-serif;">Fuente:
Christer Strömholm. Fundación Mapfre Madrid. Comisaria: Estele af Malmborg.
Documentación y fotografía de la Fundación Mapfre: Alejandra Fernández
Martínez. Del 2 de febrero al 5 de mayo 2024.</span></div><p class="MsoNormal" style="font-size: 14.85px; line-height: 150%;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"><o:p></o:p></span></p></div></div></div></div></div></div><p></p></div></div><p></p></div></div></div><p></p><i></i><p></p></div></div>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-81975591262263116212024-02-09T17:59:00.003+01:002024-02-11T20:27:58.365+01:00TÀPIES. Centenario<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEge3X4lGAy093lYFBudfozrbtUazPeAKUZagcXZCYq6r1nSTS6yEoyDjgzqdmwgMPzYiuwTutnVS4LZHxazDHqHIO3eYYDZvDvSIc7gLVvFduzglYJ6NJKcceMDei1oDplNFv7xyYSqJQkvyfbeMQa7n8nZrFvCVVwlQ9i1Vb1BWQrVeSl_q1_0SyZMJw/s900/Tapies_Caixa_amb_cistella_big.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="612" data-original-width="900" height="435" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEge3X4lGAy093lYFBudfozrbtUazPeAKUZagcXZCYq6r1nSTS6yEoyDjgzqdmwgMPzYiuwTutnVS4LZHxazDHqHIO3eYYDZvDvSIc7gLVvFduzglYJ6NJKcceMDei1oDplNFv7xyYSqJQkvyfbeMQa7n8nZrFvCVVwlQ9i1Vb1BWQrVeSl_q1_0SyZMJw/w640-h435/Tapies_Caixa_amb_cistella_big.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="Prrafobsico"><span style="font-size: x-small;"><span face="Candara, sans-serif" lang="EN-US" style="line-height: 120%;">Caja
con cesta 1999. Bronce pintado </span><span face="Candara, sans-serif">83 x 131 x 42 cm. </span><span face="Candara, sans-serif">Ejemplar único fundido en la
Fundición Barberí, Ruidellots.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Visitamos
la Galería Leandro Navarro, al encuentro de la exposición homenaje a <b>Antoni
Tàpies</b> <b>(Barcelona, 1923-2012),</b> en el marco del centenario de su
nacimiento, uno de los artistas más relevantes del siglo XX. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Nos
paseamos por una selección de 17 obras que abarcan el período de 1955 al 2000,
pintura, escultura y un gran tapiz. <b>Antoni Tàpies,</b> la pureza de su forma
de componer desde una libertad medida, ante su obra, pienso ¡Tàpies es
velazqueño! Sigo la visita acompañada de Iñigo Navarro, gran conocedor de la
obra del maestro como lo es su padre Leandro Navarro (hoy jubilado). Le comento
que coinciden el Centenario de Antonio Tàpies, con el del crítico de arte José
María Moreno Galván (La Puebla de Cazalla, Sevilla 1923-1981, Madrid), ambos
eran grandes amigos. En el Museo de Arte Contemporáneo José María Moreno Galván
en La Puebla de Cazalla (Sevilla), se está celebrando su centenario, con una
gran muestra “Desde los afectos” con obras de la colección de su hija Carola
Moreno Torres y donde se pueden ver obras de Tàpies.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Moreno
Galván (<sup>1</sup>) escribe: <i>“El arte de alusiones primigenias de Antoni
Tàpies incorpora a la modernidad por la operación del extrañamiento. Lo que nos
fascina de las expresiones primitivas es que ellas son el testimonio de la
dualidad entre el hombre y el mundo. Lo que nos fascina en el arte de Tàpies,
también. Sólo que en el arte de Tàpies, la palabra </i>dualidad<i> podría ser
sustituida correctamente por la palabra </i>alineación.<i> Para esa operación
ha necesitado desasimilarse de lo cotidiano, ver a lo cotidiano con los ojos de
la extrañeza. Así, unas sillas, una mujer reclinada o un sombrero invertido
adquieren un carácter fantasmal, como de mitos. Son efectivamente, porque el
mito no es otra cosa que la iluminación de la realidad: no la realidad figurada
sino de la realidad significada; en este caso, no de unas sillas, una mujer
reclinada o un sobrero invertido, sino de su extraña reencarnación: de la
alineación.<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">¿Rechaza
Tàpies a los valores de la civilización actual? Claro está que los rechaza,
pero en tanto que </span></i><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">valores<i> alienantes. En el mundo de hoy, él
es uno de los pocos artistas que está predicando la necesidad de la conversión
en “</i>cosa”<i> de todos los elementos mistificados de la civilización del
consumo, o bien, la necesidad de rescatar de su condición de </i>“cosa”<i> a
ese hombre que no es sujeto sino objeto de la historia.<o:p></o:p></i></span></p><p class="Prrafobsico">
</p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">La
obra de Tàpies es como una respuesta a la pregunta que necesariamente se
plantea el hombre de hoy a la vista de la aparente contradicción sensitiva de
nuestro tiempo, que consiste, de una parte, en sentirse identificado con todas
las características visibles de la modernidad más rigurosa y, de otra, en
sentirse sensitivamente ligado a todas las expresiones más bárbaras y genuinas
de la primitividad más extremada. Es que el argumento esencial de la pintura de
Tàpies podría ser enunciado de la siguiente manera: nuestro tiempo es la
prehistoria de un nuevo mundo”. </span></i><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;"><o:p></o:p></span></p></div><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ7G_KBNPgKt-sk20ZfStWrhHWoGkg0ZWNs9xB_A8s0nTAXTluVweqUH9xkn35LYGagSMKZECOZre_O2U-qAxQJSE5pqZx22qEedwMUbPQ9c5mQNTYqlhfRzLh8nuhkJdYx-VbYQQkjR9Hh1LWp8zOkLU_Y8CHTwwqGZhLMTTTdqim65ZacSBd1BXQwA/s1207/Tapies_Color_arpillera_i_filferros_big.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1207" data-original-width="911" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhQ7G_KBNPgKt-sk20ZfStWrhHWoGkg0ZWNs9xB_A8s0nTAXTluVweqUH9xkn35LYGagSMKZECOZre_O2U-qAxQJSE5pqZx22qEedwMUbPQ9c5mQNTYqlhfRzLh8nuhkJdYx-VbYQQkjR9Hh1LWp8zOkLU_Y8CHTwwqGZhLMTTTdqim65ZacSBd1BXQwA/w303-h400/Tapies_Color_arpillera_i_filferros_big.jpg" width="303" /></a></div><div class="separator" style="clear: both;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Color arpillera y alambres. 1972. Realizada en colaboración con Josep Royo. Tapiz con alambre. Tapiz: 210 x 170 cm. Panel trasero: 260 x 204 x 21 cm</span></div><div class="separator" style="clear: both;"></div></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">El
catálogo de la exposición incluye textos de Toni Tàpies, hijo del artista, de
Núria Homs -conservadora de la Fundación Tàpies- y entrevista realiza por
Manuel J. Borja-Villel, <i>A modo de introducción: Una conversación con</i>
Antonio Tàpies en 1995 en la que descubrir más sobre su proceso y filosofía de
trabajo.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Toni
Tàpies escribe (<sup>2</sup>) <i>“En la exposición de la Galería Leandro
Navarro podemos sin duda contemplar muchos de estos registros </i>tapianos. <i>Entre
las diferentes obras que se exponen, me parece de singular importancia, y esto
es un criterio muy personal, la pintura titulada </i>A la pintura. <i>Tàpies fu
siempre un gran defensor de la pintura, aunque algunos piensan erróneamente que
su obra la destruye. En este cuadro, la referencia a la pintura queda patente,
no solo en el título sino bien claramente en la propia obra”.</i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="line-height: 150%;"><i></i></span></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: 14pt; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJdQTDQL6MZLmm8UUm5nuG4SYvSoUSpmS7CldoQKp4dullJE0WAGjuNw8geaT-DCg-2R_nfz-g_3egjThyJP0Ac_htbF02mXOfuvhWG04ZTbzgJOzGlWVx3nIzqQCMCh54qSmaIGyLWgOiqEBaQi_AZcKRyflhwDl7N0gSoXzrPy5egCpZUjOueDmccg/s1000/Tapies_A_la_pintura_big.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="568" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJdQTDQL6MZLmm8UUm5nuG4SYvSoUSpmS7CldoQKp4dullJE0WAGjuNw8geaT-DCg-2R_nfz-g_3egjThyJP0Ac_htbF02mXOfuvhWG04ZTbzgJOzGlWVx3nIzqQCMCh54qSmaIGyLWgOiqEBaQi_AZcKRyflhwDl7N0gSoXzrPy5egCpZUjOueDmccg/w364-h640/Tapies_A_la_pintura_big.jpg" width="364" /></a></i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><span style="font-size: x-small;"><span face="Candara, sans-serif" lang="EN-US" style="line-height: 120%;">A la pintura </span><span face="Candara, sans-serif">1989. </span><span face="Candara, sans-serif" lang="EN-US" style="line-height: 120%;">Óleo y lápiz sobre madera </span><span face="Candara, sans-serif">175 x 100 cm</span></span></i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Núria<i>
</i>Homs escribe (<sup>3</sup>) “<i>Hay una doble vertiente en toda la obra de
Tàpies. Por un lado, una actitud de rebeldía que empuja y anima a la lucha: al
dar valor a lo más simple -la paja, el polvo, la caja de madera, las partes del
cuerpo menos atractivas-, Tàpies denuncia el funcionalismo excesivo y la
primacía de la producción excesiva y la acumulación de bienes, típicos del
capitalismo, que se manifiesta en su interés en esas sustancias, objetos o
hábitos rechazados por la sociedad”.<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtwu6dbzIGnqjIvkeapvfN732p1h8ile5Vyb0ghbi1wCRCEJcY8SPUZ8HXMrWIVqFny91QEH1SyTlbVBqxBg0MrfaT8IQ0dNgnsAqQwAhIegUr5d86gQ2hZ7DAFxAn40V1n15vmLxaPRCysFZBw2LkxIBiQcSnsNd6-v73PYhPaz5HpROZf-MxZ8_9IA/s1000/Tapies_Ovals_i_objectes_big.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="746" data-original-width="1000" height="478" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtwu6dbzIGnqjIvkeapvfN732p1h8ile5Vyb0ghbi1wCRCEJcY8SPUZ8HXMrWIVqFny91QEH1SyTlbVBqxBg0MrfaT8IQ0dNgnsAqQwAhIegUr5d86gQ2hZ7DAFxAn40V1n15vmLxaPRCysFZBw2LkxIBiQcSnsNd6-v73PYhPaz5HpROZf-MxZ8_9IA/w640-h478/Tapies_Ovals_i_objectes_big.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;"><span face="Candara, sans-serif" lang="EN-US" style="line-height: 120%;">Óvalo
y objetos </span><span face="Candara, sans-serif" lang="EN-US" style="line-height: 120%;">2000. Técnica mixta sobre madera </span><span face="Candara, sans-serif">97 x 130 cm</span></span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Espléndida
exposición, el recorrido por <i>Tàpies. Centenario </i>subraya la capacidad del
artista para la pervivencia de sus propias fórmulas.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/78agu6HpK4U" width="320" youtube-src-id="78agu6HpK4U"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: justify;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">© Mariví Otero 2024</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="background-color: white; clear: both; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px;"><span color="rgba(0, 0, 0, 0.9)" face="-apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif" style="text-align: start;">Manuel Otero Rodríguez.</span></div></div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif"><span style="font-size: x-small;">Fuente: <sup>(1) </sup>Moreno
Galván. J.M. La última vanguardia. 1969 By MAGIUS, S.A. Deposito Legal
B40.148-1968. pp.56-60.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif"><span style="font-size: x-small;">(<sup>2</sup>) Toni
Tàpies, A la Pintura. Tapies. Centenario. Madrid: Galería Leandro Navarro,
2024. p. 8<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif"><span style="font-size: x-small;">(<sup>3</sup>) Núria
Homs, Tàpies, espigador y prestidigitador. Tàpies. Centenario. Madrid: Galería
Leandro Navarro. 2024. pp. 14-15.<o:p></o:p></span></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: normal; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif"><span style="font-size: x-small;">Documentación y
fotografías, prensa Galería: Esther Rodríguez Cámara y Lourdes Varela.</span></span></p><p></p></div></div>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-27241521863042136022024-02-09T17:25:00.000+01:002024-02-09T17:25:00.420+01:00EQUIPO CRÓNICA<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhr7gQR8uPl6L7D55phTiz6rRIFNcQu2tbNsSGuahfK3nGNu4Gfp6ijJ1zhl55mC59uGXMbe24B6hvApc-zKO92nZzN8EP5yzoCxMzvAvFehbDfiyyc2CePILBkGjNKkHW7vwiHQqWqaYu_gvwyrFdQChfX3gC7JJkZdKpbDGZelU0UgLguL_nxnh-4ug/s478/Foto%201.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="346" data-original-width="478" height="290" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhr7gQR8uPl6L7D55phTiz6rRIFNcQu2tbNsSGuahfK3nGNu4Gfp6ijJ1zhl55mC59uGXMbe24B6hvApc-zKO92nZzN8EP5yzoCxMzvAvFehbDfiyyc2CePILBkGjNKkHW7vwiHQqWqaYu_gvwyrFdQChfX3gC7JJkZdKpbDGZelU0UgLguL_nxnh-4ug/w400-h290/Foto%201.JPG" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">SIN TÍTULO, 1966. Acrílico sobre tablero de fibras montado sobre bastidor. 55 x 74 cm</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">Hace unos dias visité la
exposición: Equipo Crónica del pop a la transición 1964/1981" en la
Galería Guillermo de Osma (Madrid). Haciendo el recorrido también estaba el
artista Alfredo Alcain, a ambos nos dio mucha alegría encontrarnos, como
siempre en nuestros recorridos expositivos.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">Caminamos por la muestra,
disfrutando de las obras para nosotros conocidas, de los dos grandes artistas
que formaron el Equipo Crónica: 1964 a 1981 Rafael Solves, Manuel Valdés y Juan
Antonio Toledo (este último abandono pronto). <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">La exposición cuenta con una
selección de 19 obras, pintura y pintura sobre cartón piedra.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgynEyzPQpu2YZoyntcRbVQ0o4aA_RiaCVVn2bZ-NaOv2C2X88VrQqSHoPALcI6spPFNp6I9MzAC8cGVFIBEyDcfU2kYBXbFKuroIMI013jDw_tScWy2UlwuWVIr48Ib1T6JtmoQxNZaf4YG7hyP1y3Z2zCRJCYP_WKdK3z4xih12pIQb4k2yLboXe9yA/s480/foto%207.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="362" data-original-width="480" height="301" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgynEyzPQpu2YZoyntcRbVQ0o4aA_RiaCVVn2bZ-NaOv2C2X88VrQqSHoPALcI6spPFNp6I9MzAC8cGVFIBEyDcfU2kYBXbFKuroIMI013jDw_tScWy2UlwuWVIr48Ib1T6JtmoQxNZaf4YG7hyP1y3Z2zCRJCYP_WKdK3z4xih12pIQb4k2yLboXe9yA/w400-h301/foto%207.JPG" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">PINTORES EN EL ANDAMIO O LÉGER Y LOS PINTORES, 1974. Técnica mixta sobre táblex, 78 x 104 cm</span></div></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">El catálogo de la exposición
abre con un ensayo de Sergio Rubira: "Historia de la pintura, pintura de
historia". Textos de Valeriano Bozal, Tomás Llorens y Guillermo de Osma
que dedica a su tío Guillermo Wakonigg, El arte y Equipo Crónica.
Colaboraciones del Equipo Crónica con WIlli Wakonigg para Gastón y Daniela.
Obras incluidas en la exposición.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi30nL4X67lEuo9MYKmLwmfI8nRy3lZDTz1Ix7PL2xF9Gmsm1TQTJ58qcFS5XF_MKT1V7TZ09w4SO0i1CIk-HnDBbxHCuW76-WVHmE2TWo9sp1Ag3RNUB91NZW0XFdtsC53FNCALWUtmJmzdgO0ENevgOCGvYtarCtoUJXCr32WM686wPJytgJv2qUqCQ/s399/foto%208.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="399" data-original-width="397" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi30nL4X67lEuo9MYKmLwmfI8nRy3lZDTz1Ix7PL2xF9Gmsm1TQTJ58qcFS5XF_MKT1V7TZ09w4SO0i1CIk-HnDBbxHCuW76-WVHmE2TWo9sp1Ag3RNUB91NZW0XFdtsC53FNCALWUtmJmzdgO0ENevgOCGvYtarCtoUJXCr32WM686wPJytgJv2qUqCQ/w398-h400/foto%208.JPG" width="398" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">EL ACRÓBATA (Boceto para pañuelo estampado), 1972. Gouache sobre papel, 53 x 53 cm</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">Siempre he sentido preferencia
por una de las obras que se encuentra en la exposición la nº 19
"Espectador de Espectadores. 1972, pintura sobre cartón piedra ¡Nos
encontramos en mis comienzos!<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfmLLIR3hJBTjKrOrWvBeHxWISnw0X_7YNTlHQ9FtyBQK48iT7nA4JbbQ777raybSkhyK9xJlDCxOmY0ElvgTUhCJEJs29G34EwwOynv9yCk0neGHrdlyo5eH760O0pmMMs2Wkx-ufScRCLhYkxbLxJunfypMg2GBG2RzUOdInIjLMjwWnmdZ5VklPWA/s582/foto%206.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="582" data-original-width="454" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjfmLLIR3hJBTjKrOrWvBeHxWISnw0X_7YNTlHQ9FtyBQK48iT7nA4JbbQ777raybSkhyK9xJlDCxOmY0ElvgTUhCJEJs29G34EwwOynv9yCk0neGHrdlyo5eH760O0pmMMs2Wkx-ufScRCLhYkxbLxJunfypMg2GBG2RzUOdInIjLMjwWnmdZ5VklPWA/w313-h400/foto%206.JPG" width="313" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">La exposición se puede visitar
hasta el 27 de febrero 2024, muy aconsejable un paseo por ella.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQWGF-A-NouQAUbbH5FR5bnQQU-ZZh8FXaNqYWRiKJPiBTlnO9bDNIc9ZIVfwqOimaHWlLfnyHoIfvjM23A-Pdca6XEZzzEwvJKMyQZU-IU-MOVfudq1oe99uU8wWMWOv3eWFTVSxeU8KpGcZDv9uHWXxFgnsE8lx9pCuZsTsIPoVqmhYAhJ_ar7oWeA/s387/foto%205.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="387" data-original-width="305" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQWGF-A-NouQAUbbH5FR5bnQQU-ZZh8FXaNqYWRiKJPiBTlnO9bDNIc9ZIVfwqOimaHWlLfnyHoIfvjM23A-Pdca6XEZzzEwvJKMyQZU-IU-MOVfudq1oe99uU8wWMWOv3eWFTVSxeU8KpGcZDv9uHWXxFgnsE8lx9pCuZsTsIPoVqmhYAhJ_ar7oWeA/w315-h400/foto%205.JPG" width="315" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Rafel Solves y Manolo Valdés. Fotografía de Paco Alberola</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 107%;">Documentación Catálogo: Galería Guillermo de Osma, Madrid.</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">© Mariví Otero 2024<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">Manuel Otero Rodríguez</span></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-46464072104270514122024-02-09T17:04:00.000+01:002024-02-09T17:04:12.957+01:00JUAN GOPAR<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgymJvBFR3FxMljH6OjVtWQreOqIY1nGitGhVm8KtfQzQ52Eu9heKCL-NoBRxy0CkXHjVh1opminNt6I3__Q9QpNw8tUHj4_iE5QJEyPouKsvuoOB4gOrqs3cjClQTbQ9UsInmOjQ-I7ImJyR5Bc5YIVMDHQUSGmT-Bs-n8LkQE0FYiGYNSmdGL3Y8V3g/s2560/IMG_0785-scaled.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1955" data-original-width="2560" height="488" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgymJvBFR3FxMljH6OjVtWQreOqIY1nGitGhVm8KtfQzQ52Eu9heKCL-NoBRxy0CkXHjVh1opminNt6I3__Q9QpNw8tUHj4_iE5QJEyPouKsvuoOB4gOrqs3cjClQTbQ9UsInmOjQ-I7ImJyR5Bc5YIVMDHQUSGmT-Bs-n8LkQE0FYiGYNSmdGL3Y8V3g/w640-h488/IMG_0785-scaled.jpeg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Fotografía de Sala. Obra de Juan Gopar.</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">La galería Álvaro Alcázar
(Madrid) nos invita a caminar por la exposición del artista de Lanzarote, Juan
Gopar (1958): La isla taller. Hace treinta años de su última muestra en Madrid,
en la galería Gamarra y Garrigues. En la muestra podemos ver una colección de
pinturas, esculturas y obras sobre papel realizadas en la isla de Lanzarote
entre 1994 y 2021.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">La isla taller se construye
como un ecosistema poético en el que lo real y la imaginación creativa
entrelazan sus raíces en una simbiosis fascinante. Como ocurre con los
líquenes, esos organismos que surgen de la colaboración entre hongos y algas
unicelulares, y que desde unidades mínimas cubren territorios amplísimos, la
obra de Gopar reúne lo micro y lo macro, desde la orilla insular a las enormes
estancias del cosmos. Se trata de la grandeza de lo breve, que de forma
brillante expresó "Espacio" de Juan Ramón Jiménez.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBZNkvm-uibC5hdSHtohxbHaKckbjRlovJEChQxdAzZJzAJNhM_4ZvxBsgBjKII9HArYYTbbvL2VSbEwfXtthV99nIgr2DnXFtDbSQh6mHTwZLEftf5QZj9JfiAsISHlknEfX5MQXW3Zgk3jPTfZusqkLpYXoN7U2fjmEbQRg3Cc1izIH0neYTc7PpMw/s2560/IMG_6114-scaled.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2560" data-original-width="1920" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiBZNkvm-uibC5hdSHtohxbHaKckbjRlovJEChQxdAzZJzAJNhM_4ZvxBsgBjKII9HArYYTbbvL2VSbEwfXtthV99nIgr2DnXFtDbSQh6mHTwZLEftf5QZj9JfiAsISHlknEfX5MQXW3Zgk3jPTfZusqkLpYXoN7U2fjmEbQRg3Cc1izIH0neYTc7PpMw/w480-h640/IMG_6114-scaled.jpg" width="480" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Obra de Juan Gopar.</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">"Los dioses no tuvieron
más sustancia de la que tengo yo", dice el poema de Juan Ramón Jiménez.
Pero aquí en La isla taller, el "yo" no es otro que la propia
pintura. En las cabañas tituladas Metáforas -En Gopar estas "arquitecturas"
deben ser comprendidas como "pintura liberada"- esa idea aparece de
un modo rotundo: la forma se encarna en su propio significante. Dice Manuel
Padorno: "Hermoso taller el mío: las islas".<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">Con Gopar caminamos por las
islas, también.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguUowdUHkIOnc9KIIT4YfEw5PPLd_lxQBoSS81YGkRVbluyJtaB2qbG020AIQJ2e61uDSubNNFkTF_xKRoGeCO62i1AdIvYW3KzHOyrqnT0Se18UVDARDFLnJCqRlH_PHGB0Aq5X460bMDv_o6xXVH_BZRvhU1YDm_08gHoBfNhD80xryAbsglm9YSjA/s391/captura.JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="391" data-original-width="290" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEguUowdUHkIOnc9KIIT4YfEw5PPLd_lxQBoSS81YGkRVbluyJtaB2qbG020AIQJ2e61uDSubNNFkTF_xKRoGeCO62i1AdIvYW3KzHOyrqnT0Se18UVDARDFLnJCqRlH_PHGB0Aq5X460bMDv_o6xXVH_BZRvhU1YDm_08gHoBfNhD80xryAbsglm9YSjA/w296-h400/captura.JPG" width="296" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Fotografía de sala. Obra de Juan Gopar.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 107%;">Exposición que se puede
visitar hasta el 16 de marzo 2024.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 107%;">Documentación de la galería.<span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 107%;">©<span style="font-size: 18.6667px;"> </span>Mariví Otero </span><span style="font-family: Arial, sans-serif;">2024</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 107%;">Manuel Otero Rodríguez.</span></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-24905964977740322732024-02-09T16:51:00.002+01:002024-02-09T17:04:57.837+01:00RAIMUND GIRKE<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBHNh_yrSA9q1tNlzAuo4mw55Np8dQSVrDxEc0m-IXVwnCWMKPr-6UjcVmoIzgXDDkSZNT1usCp5Qozgh9oSg2GUhvEOCrBA9KRsEt4QPfCxJZg-MsRCZnwWgYzG6Ml-iVBumMVauQ75FXpXJo7Exm2VkRPjDIJ-zTGMWdxero-cbR8fhFM_WklfsinQ/s768/Foto%20espacio%201.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="407" data-original-width="768" height="340" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBHNh_yrSA9q1tNlzAuo4mw55Np8dQSVrDxEc0m-IXVwnCWMKPr-6UjcVmoIzgXDDkSZNT1usCp5Qozgh9oSg2GUhvEOCrBA9KRsEt4QPfCxJZg-MsRCZnwWgYzG6Ml-iVBumMVauQ75FXpXJo7Exm2VkRPjDIJ-zTGMWdxero-cbR8fhFM_WklfsinQ/w640-h340/Foto%20espacio%201.JPG" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Fotografía de sala. Obras de Raimund Girke.</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 107%;">En el Oratorio de Sant Feliu,
Palma de Mallorca, se encuentra la galería KEWENIG la visitamos virtualmente,
vamos al encuentro de la exposición: Acentos. Pinturas del artista Raimund
Girke (Heinzendorf/ Baja Silesia, 1930- Colonia, 2002). El gesto abstracto, el
blanco en el centro y la expansión de la imagen en el espacio de color caracterizan
las pinturas de Girke. Después de dos extensas exposiciones individuales en
Berlín, KEWENIG ha presentado por primera vez su obra en Palma de Mallorca en
colaboración con el patrimonio del artista.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 107%;">Se pueden ver obras de los
años 90, pinturas sobre lienzo y papel. El color blanco es el tema principal de
estas obras. Pinceladas gestuales, pero ordenadas, ásperas y libres, trazan la
dirección a través del lienzo. Es el blanco el que pasa a primer plano y sigue
siendo dominante en interacción con los tonos azules y marrones.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlsjHgmmCSxK0X7wP_CTesKenuzgJXuFUkTzZ4os2BDIKBCYUejBvlpcT9FqBlgheHt5PhKw6wr3fAiIbV3QVHWLs4oLdgI0BAY8WS3qz99Z3iuv3x2FjdyUL8KYUiDNoIYtzUlrzlx0vaBpmj1fbPms-n40CIwfXGJHrCD-vJK36kvbxswOIQOfFoQQ/s395/Foto%20obra%202.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="395" data-original-width="350" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlsjHgmmCSxK0X7wP_CTesKenuzgJXuFUkTzZ4os2BDIKBCYUejBvlpcT9FqBlgheHt5PhKw6wr3fAiIbV3QVHWLs4oLdgI0BAY8WS3qz99Z3iuv3x2FjdyUL8KYUiDNoIYtzUlrzlx0vaBpmj1fbPms-n40CIwfXGJHrCD-vJK36kvbxswOIQOfFoQQ/w568-h640/Foto%20obra%202.JPG" width="568" /></a></div><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Raimund Girke. Durchdringung Weiss und Blau, 1990. Óleo sobre lienzo. 160x140cm</span></div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 107%;">A través de la pintura de
Girke, el blanco se nos aparece como el color que contiene todos los demás
colores y al mismo tiempo no lo contiene, como color que es capaz de elevar su
propia energía y resplandor a un sujeto material e inmaterial en contraposición
a la convivencia con otros colores. El juego de Girke con negro, gris, azul y
marrón de diferente intensidad y presencia en el lienzo también revela su
intención artística de resaltar analíticamente los elementos ritmicos y
procesuales de su pintura.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4kFYjxtVa308VwoaRx7fiUZUCa_sAIF6ZW0I8lAkWw8AtYwKYoy_mTbUgY7C9VYeSbTRR_qXyAK3DjX-yERGIDnEku55drrcRRz6uHfL9C5LrTYGUi3ww_QX7OQT5yv4yYYW-zqeU5fx2u5GKypvBsAqln01k8OQ9T8dB0l0n7rF1xzXhyphenhyphenmq9qd6U8g/s408/Foto%20espacio%202.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="408" data-original-width="305" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj4kFYjxtVa308VwoaRx7fiUZUCa_sAIF6ZW0I8lAkWw8AtYwKYoy_mTbUgY7C9VYeSbTRR_qXyAK3DjX-yERGIDnEku55drrcRRz6uHfL9C5LrTYGUi3ww_QX7OQT5yv4yYYW-zqeU5fx2u5GKypvBsAqln01k8OQ9T8dB0l0n7rF1xzXhyphenhyphenmq9qd6U8g/w299-h400/Foto%20espacio%202.JPG" width="299" /></a></div><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Raimund Girke, Leyt rítmica, 1996. Óleo sobre lienzo. 200x160cm</span></div>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 107%;">Se puede visitar hasta el 15
de marzo de 2024.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="line-height: 107%;">Documentación recibida de
KEWENIG<span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 107%;">© Mariví Otero </span><span style="font-size: 18.6667px;">2024</span></p><p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 107%;">Manuel Otero Rodríguez</span></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-89658931559395527772024-02-09T16:36:00.001+01:002024-02-09T17:05:19.659+01:00REVERSOS<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2Ki_Xg7qeJ-bGoQPmJg2mWe4lMDaO3o6GhxKT43Pd9fvbVyTJyr6lq2u9SFGogSpjY-ciyXZT7dI__pJbvuGKtKEsp0n_MaWSo453f4pwbutXj2mtMa6cCheAv1lpcH2lB-6Z1EQMlfget0n28LZ7ujZFFnyZ0EPq_m5AwFyBeJtkdUFswad-jvRa6g/s730/9d6d3630-b8fb-989a-a037-ba0ca44dea85.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="487" data-original-width="730" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj2Ki_Xg7qeJ-bGoQPmJg2mWe4lMDaO3o6GhxKT43Pd9fvbVyTJyr6lq2u9SFGogSpjY-ciyXZT7dI__pJbvuGKtKEsp0n_MaWSo453f4pwbutXj2mtMa6cCheAv1lpcH2lB-6Z1EQMlfget0n28LZ7ujZFFnyZ0EPq_m5AwFyBeJtkdUFswad-jvRa6g/w640-h426/9d6d3630-b8fb-989a-a037-ba0ca44dea85.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;"> Imagen de las salas de la exposición REVERSOS. Foto © Museo Nacional del Prado. </span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">La
tarde de ayer en el Museo Nacional del Prado, caminamos por la exposición
"Reversos". Muestra que nos invita a contemplar los cuadros como obra
total, más allá de la pintura.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>Partiendo
de la contemplación de Las Meninas, en la que el reverso del enorme lienzo en
la que trabajaba Velázquez ocupa una elevada porción de supreficie, el artista
contemporáneo Miguel Ángel Blanco, como comisario de esta exposición, plantea
un singular acercamiento a la pintura dando la vuelta a las obras para
propiciar en el espectador una relación nueva y más completa con los artistas
que han creado las 98 obras seleccionadas.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxlz0SDkUbq77fZoU3Z43CX06ZhGwjETahycXeYN27qM2Ecp3dLBk5DXa81udBflpb7xyC3kKHzIiToQljCS3gwBuOlRy3s7cufjbSJUcL4yeM49uuZw6IserUxa-2OBPj5INFMZV7EBAcekOyLRSySJvd6lafbAenUAsVvi6i4hWlzv6ypdo3A_0OoA/s730/65995d95-d22d-9020-c969-9d11d2486df9.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="487" data-original-width="730" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgxlz0SDkUbq77fZoU3Z43CX06ZhGwjETahycXeYN27qM2Ecp3dLBk5DXa81udBflpb7xyC3kKHzIiToQljCS3gwBuOlRy3s7cufjbSJUcL4yeM49uuZw6IserUxa-2OBPj5INFMZV7EBAcekOyLRSySJvd6lafbAenUAsVvi6i4hWlzv6ypdo3A_0OoA/w640-h426/65995d95-d22d-9020-c969-9d11d2486df9.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Imagen de las salas de la exposición REVERSOS. Foto © Museo Nacional del Prado. </span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Hasta
hoy se han realizado numerosos estudios sobre obras individuales cuyas traseras
resultan de interés por una razón, y algunos museos han explorado de manera
parcial esta dimensión a través<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>de
pequeñas exposiciones en las que han dado la vuelta a algunas de las obras que
poseen.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>El Museo del Prado se adentra en
ella con la ambición requerida, no solo haciendo una revisión integra del
reverso de sus colecciones sino también localizando en algunos de los más
importantes museos del mundo ejemplos de cómo se puede enriquecer la
apreciación de las obras de arte cuando su contemplación no se limita al
frente.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje3uIdTBczx6ShTLkfqVbuiC64Z_BIeb2qZEtqNEMZcphC8v4kgh9Giq0G88f4Jki84gh4PzBJmWfRilWbobajSLDCQG2q_FQ5TmDO8gDwkfN0BiV1ihOCP6TPh9P6fe3UFPXSI9T5PwORs8PAyKAVFwoFXHvdwandtxS9JKMEjea8rEu0TcJkbpjjjg/s730/360c4e7f-cd08-28a1-0b94-dba06a850e4e.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="602" data-original-width="730" height="528" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje3uIdTBczx6ShTLkfqVbuiC64Z_BIeb2qZEtqNEMZcphC8v4kgh9Giq0G88f4Jki84gh4PzBJmWfRilWbobajSLDCQG2q_FQ5TmDO8gDwkfN0BiV1ihOCP6TPh9P6fe3UFPXSI9T5PwORs8PAyKAVFwoFXHvdwandtxS9JKMEjea8rEu0TcJkbpjjjg/w640-h528/360c4e7f-cd08-28a1-0b94-dba06a850e4e.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: small;">Joven copiando un cuadro Wallerant Vaillant Óleo sobre tabla, 31,6 x 39,5 cm h. 1670 Londres, Guildhall Art Gallery, City of London</span></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Seguimos
caminando por las salas A y B del edificio de Jerónimos por -primera vez
pintadas de negro- un recorrido abierto que da la máxima libertad a la
relación<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>especial con las obras, sin
jerarquías ni ordenación cronológica, dando entrada a artistas contemporáneos
como Vik Muñiz, Sophie Calle o el propio Miguel Ángel Blanco con los
libros-caja de la Biblioteca del Bosque.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">La
muestra esta estructurada en capítulos que tratan diferentes aspectos
relacionados con las traseras, acogen autores que por vez primera se exponen en
el Prado como Van Gogh (1852-1890), Rene Magritte (1898-1967), Lucio Fontana
(1899-1968), Pablo Palazuelo (1915-2007), Antoni Tàpies (1923-2012),
Michelangelo Pistoletto (1933), José María Sicilia (1954), Ernst Ludwig
Kirchner (1880-1983) entre otros. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Al
voltear las obras, pervirtiendo así su frontalidad convencional, y al
obligarnos a rodearlas asumiendo como espectadores un rol más activo.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/ZDhHYNDYccY" width="320" youtube-src-id="ZDhHYNDYccY"></iframe></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="line-height: 150%;">Exposición
creativa, se puede ver hasta el 3 de marzo 2024.<br />Fuente: Nota de prensa y fotografías: Departamento del Museo del Prado.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">©Mariví Otero </span><span style="font-size: 18.6667px;">2024</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="font-size: 14pt;">Manuel Otero Rodríguez.</span></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-60847908685474620962024-01-12T17:29:00.001+01:002024-01-12T17:29:33.305+01:00CARAVAGGIO. "David vence a Goliat". Museo Nacional del Prado.<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjfLm9cwujcuoNgUv3jlaFXN1qKIxQm0IbDhhGr063xGieDmylX7CtP8jWqz71oR_-52GbX4UL85E6TfmcqK2vu0YnekjPS7gcYcBLo-dK-HrRI8Sj8tO7cAHDOzVfCgknFPwZ7cSdsh_xhlZQWHIRz7kWZ_C0HDkodlXGuA48xyL4M14O93VRehscMA/s730/637507fb-ebcf-c305-3850-94c2835d5d65.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="385" data-original-width="730" height="338" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjfLm9cwujcuoNgUv3jlaFXN1qKIxQm0IbDhhGr063xGieDmylX7CtP8jWqz71oR_-52GbX4UL85E6TfmcqK2vu0YnekjPS7gcYcBLo-dK-HrRI8Sj8tO7cAHDOzVfCgknFPwZ7cSdsh_xhlZQWHIRz7kWZ_C0HDkodlXGuA48xyL4M14O93VRehscMA/w640-h338/637507fb-ebcf-c305-3850-94c2835d5d65.png" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Imagen del proceso de restauración de David vencedor de Goliat de Caravaggio</span></div><p></p><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;">En el Museo Nacional del Prado, camino hacía la sala 7A del edificio Villanueva, al encuentro de la obra "David vencedor de Goliat" de CARAVAGGIO (hacia 1600) (es una de las cuatro únicas pinturas del autor que se conservan en España) después de haber sido sometida a una profunda restauración en el marco del programa patrocinado por la fundación Iberdrola España.</div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;">Esta intervención, realizada por Almudena Sánchez, restauradora del Museo Nacional del Prado, ha permitido <span style="font-family: inherit;"><a style="color: #385898; cursor: pointer; font-family: inherit;" tabindex="-1"></a></span>recuperar los valores originales de la obra y ha revelado elementos de la composición ocultos bajo la opacidad del barniz como la luz clara que rodea la cabeza del joven David o el cuerpo del escorzo de Goliat.</div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;"><br /></div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;">Gracias al estudio radiográfico se ha podido advertir la existencia de dos años muy concretos que debieron producirse de forma accidental. El de mayor importancia se encuentra en la manga de la camisa de David y otro en su rodilla continuando por el hombro de Goliat. Ambas presentaban restauraciones muy antiguas que invadian la pintura original, recuperada en la actual restauración con la eliminación de los repintes. Las faltas de color de estas dos zonas se integraron en la superficie pictórica mediante el proceso de reintegración cromática.</div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;"><br /></div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;">En palabras de Almudena Sánchez "Esta restauración nos muestra un nuevo Caravaggio, aportándonos una imagen de la pintura hasta ahora desconocida, la auténtica imagen de esta gran obra muestra que después de tanto tiempo en la sombra, recupera la luz con la que fue cocebida".</div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;"><br /></div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;">Un nuevo montaje de las salas 7 y 7A, donde el jefe del departamento de Pintura Italiana y Francesa hasta 1800, David García Cueto, ha ideado una visión panorámica del fenómeno del caracaggismo (como espectadora diré espléndido).</div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje3Ct2EYo9iOJ8W33ARSQkJOA0557wvvfXVAu60V7tHZB5R2_1gyZ5OEE5Ujov4XCgXgjo8jyXbq5nDZmSXYfMg13LN8d6WiU8SY8K7x3q2wmTy5sAHMtGrEZqfbrp4uPnxTEdi7h6RAmywSOeBnN2WKR4CVSZejh6hZqISSWKrrljpCyNb9Vz4_XMwg/s878/111e5995-d1cf-3460-17bd-c6d2e446882d.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="878" data-original-width="730" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEje3Ct2EYo9iOJ8W33ARSQkJOA0557wvvfXVAu60V7tHZB5R2_1gyZ5OEE5Ujov4XCgXgjo8jyXbq5nDZmSXYfMg13LN8d6WiU8SY8K7x3q2wmTy5sAHMtGrEZqfbrp4uPnxTEdi7h6RAmywSOeBnN2WKR4CVSZejh6hZqISSWKrrljpCyNb9Vz4_XMwg/w333-h400/111e5995-d1cf-3460-17bd-c6d2e446882d.jpg" width="333" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">David vencedor de Goliat (antes de la restauración) Caravaggio Óleo sobre lienzo, 110,4 x 91,3 cm Hacia 1600 Madrid, Museo Nacional del Prado</span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6bOT_yKyJi_S6L4tSmLtssfC5Kreft3im-QBGgpn47dXi9HiEOyqy3cxeCvFcKTygxIdZ8E2PSFzrwdVbJIfbMmR7HuSq9rdl1AAIjvG7Map2_CxTk9JzurDV-i500qFOmZe6h3yUPbOzc-7NUsohhnx8NSXGBjhRgQ8F49SDyGomFejnDiCASE0D1Q/s888/3ad93131-1fc1-2726-9b87-d2996bc44b3a.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="888" data-original-width="730" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6bOT_yKyJi_S6L4tSmLtssfC5Kreft3im-QBGgpn47dXi9HiEOyqy3cxeCvFcKTygxIdZ8E2PSFzrwdVbJIfbMmR7HuSq9rdl1AAIjvG7Map2_CxTk9JzurDV-i500qFOmZe6h3yUPbOzc-7NUsohhnx8NSXGBjhRgQ8F49SDyGomFejnDiCASE0D1Q/w329-h400/3ad93131-1fc1-2726-9b87-d2996bc44b3a.jpg" width="329" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">David vencedor de Goliat (después de la restauración) Caravaggio Óleo sobre lienzo, 110,4 x 91,3 cm Hacia 1600 Madrid, Museo Nacional del Prado</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgW_a9fBOtlbvfvadZk0Sd1k_Mc_4Koj2jYynA6KfOXPAfLoIKzfk_XSa6pGMyjz0Fp4E8Y8tMpNitHcsrIUd7nB-ij5nIY0GP9hXw6mtY1WqBzTEjHfdO1OFDJE6UANoVxyQiJSL3AnwFifDFhAwFsMAy7aD67eSCKRu5v2pLsEH6DT-h5pkEJLSTUxg/s774/42b40a88-fb93-174a-36da-17afdbcc0464.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="774" data-original-width="730" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgW_a9fBOtlbvfvadZk0Sd1k_Mc_4Koj2jYynA6KfOXPAfLoIKzfk_XSa6pGMyjz0Fp4E8Y8tMpNitHcsrIUd7nB-ij5nIY0GP9hXw6mtY1WqBzTEjHfdO1OFDJE6UANoVxyQiJSL3AnwFifDFhAwFsMAy7aD67eSCKRu5v2pLsEH6DT-h5pkEJLSTUxg/w378-h400/42b40a88-fb93-174a-36da-17afdbcc0464.jpg" width="378" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Detalle del pie del David vencedor de Goliat de Caravaggio.</span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYTvXHZxvGoNzU-r4oikR42BMsTOOzaJlbLkWeQXfmtN3dD3A7J9SODEXajFOttdntJcIrLSSFjlDjyyr7sDdIaw_QWrUg93CoRHwnThyphenhyphenAUkUX0mKSU1b5VbReV6rRDQnyGyP_fqdweFJt0Vrs659dkq2-0yjMRAM9t-lpp0hWVHR_5dqadZxostMlYQ/s846/67f378e6-7008-90ac-f9a2-ff2da5077547.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="846" data-original-width="730" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYTvXHZxvGoNzU-r4oikR42BMsTOOzaJlbLkWeQXfmtN3dD3A7J9SODEXajFOttdntJcIrLSSFjlDjyyr7sDdIaw_QWrUg93CoRHwnThyphenhyphenAUkUX0mKSU1b5VbReV6rRDQnyGyP_fqdweFJt0Vrs659dkq2-0yjMRAM9t-lpp0hWVHR_5dqadZxostMlYQ/w345-h400/67f378e6-7008-90ac-f9a2-ff2da5077547.jpg" width="345" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Reflectografía con el detalle del pie del David vencedor de Goliat de Caravaggio</span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6lFZLO561wfpw9n1WFNOHecarP471p_TwG0Jo0hHgq4QKc9Wmm15HvqvYAS64MAgiaqjfgtROVjVd4LleRIMWFLZYvmWXupM9R20Rv-dPHVhgF8nyt8WBTt40eIf4eTfg2lZLmpu3R1KdLdIpVMSlxYJ7IUk0QvNpMJH35-9Eh6Umf_zc1qISt97M4Q/s784/2516a233-7afa-659d-a272-4105bb792ef5.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="784" data-original-width="730" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6lFZLO561wfpw9n1WFNOHecarP471p_TwG0Jo0hHgq4QKc9Wmm15HvqvYAS64MAgiaqjfgtROVjVd4LleRIMWFLZYvmWXupM9R20Rv-dPHVhgF8nyt8WBTt40eIf4eTfg2lZLmpu3R1KdLdIpVMSlxYJ7IUk0QvNpMJH35-9Eh6Umf_zc1qISt97M4Q/w373-h400/2516a233-7afa-659d-a272-4105bb792ef5.jpg" width="373" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Radiografía del pie del David vencedor de Goliat de Caravaggio.</span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtF0uyTXVTA4zzttMdslWyHkFaMmzr1GOQS1JqinmhKA3W1VMs-U9InbmJtOBCG-pFytAeGXh8K1SSLRw_eaKwiuE4uOJl8IFzMekw0yryZpGkpVB95K1Gljpvj8YlkG8defSNwhl1IZVAstBcSO6r5Yj_d75NCHddbd6N8-23kEAT0Ijz2aZziUti0A/s730/8d9e0d87-12d5-e647-789f-930859cd7bb3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="487" data-original-width="730" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjtF0uyTXVTA4zzttMdslWyHkFaMmzr1GOQS1JqinmhKA3W1VMs-U9InbmJtOBCG-pFytAeGXh8K1SSLRw_eaKwiuE4uOJl8IFzMekw0yryZpGkpVB95K1Gljpvj8YlkG8defSNwhl1IZVAstBcSO6r5Yj_d75NCHddbd6N8-23kEAT0Ijz2aZziUti0A/w640-h426/8d9e0d87-12d5-e647-789f-930859cd7bb3.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Imagen de David vencedor de Goliat de Caravaggio en la sala 7A del edificio Villanueva del Museo Nacional del Prado. Foto © Museo Nacional del Prado. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;"><br /></span></div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;">© Mariví Otero 2024</div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;">Manuel Otero Rodríguez</div></div>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-84794378860679302752024-01-12T17:04:00.002+01:002024-01-12T17:04:23.518+01:00ULLA VON BRANDENBURG. Espacios de una secuencia.<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBbU1D1RSFRbuzj9JpNATNnzfuFsHDjGL81nef7upT_IWRMpcv6RZW5Wvf3o0xdHCeHoAsyWzLHlpjuRZhBHdKJzYKQ7NyrKrv_kSm4rj67b0HJSWGK0xHsXku7GfvKBk_NnVp7jSTEjZ7VmZxAlY14ALY91FFDIpVoxgIRkde72Vs1R3Ywo7ptP07zw/s6644/13-vista_de_la_exposicion.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4897" data-original-width="6644" height="472" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBbU1D1RSFRbuzj9JpNATNnzfuFsHDjGL81nef7upT_IWRMpcv6RZW5Wvf3o0xdHCeHoAsyWzLHlpjuRZhBHdKJzYKQ7NyrKrv_kSm4rj67b0HJSWGK0xHsXku7GfvKBk_NnVp7jSTEjZ7VmZxAlY14ALY91FFDIpVoxgIRkde72Vs1R3Ywo7ptP07zw/w640-h472/13-vista_de_la_exposicion.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="background-color: white; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: start;">Ayer en el Parque del Retiro, fria mañana pero de espléndido sol y maravillosa luz, después de la clase de taichi, camine al Palacio de Velázquez (Museo Nacional Reina Sofía), al encuentro de la exposición "Espacios de una secuencia" exposición creada específicamente para el Palacio de Velázquez, es una propuesta de la artista Ulla von Brandenburg (Karisruhe, Alemania, 1971) en la que el espacio se transforma y se concibe como un escenario teatral en el que el espectador es el protagonista. A través de un recorrido por formas construidas con telones, en el que también hay obras audiovisuales y diversos objetos, la artista nos sumerge en una escenografía de la que nos hace participes.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br style="background-color: white; box-sizing: inherit; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; line-height: inherit !important; text-align: start;" /><span style="background-color: white; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: start;">Comisaria, Soledad Liaño Gibert. Sin una propuesta dirigida de recorrido, el visitante discurrirá en la exposición por una serie de instalaciones textiles con formas geométricas e intensos colores, a modo de telones teatrales, que pueden ser atravesados. Al mismo tiempo, estas estructuras crearán, entre sí, una continuidad especial en la que se difuma el límite entre el dentro y el afuera.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br style="background-color: white; box-sizing: inherit; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; line-height: inherit !important; text-align: start;" /><span style="background-color: white; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: start;">En el paso del visitante a través de las formas geométricas textiles en la exposición se muestran tres películas de la artista: Maskiert und vor allem- verschwiegen (Enmascarado y, sobre todo, silencioso, 2022) Shadowplay (Teatro de sombras, 2012) y The Objects (Los Objetos, 2009). Todas ellas en blanco y negro con el objetivo de tomar distancia al no identificarse el tiempo y el lugar.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br style="background-color: white; box-sizing: inherit; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; line-height: inherit !important; text-align: start;" /><span style="background-color: white; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: start;">En "Espacios para una secuencia" Ulla von Brandenburg, como en el resto de su obra, nos ofrece una narración compleja de múltiples lecturas para un espectador que se ubica en el centro de la acción. A través del lenguaje teatral, la artista alemana nos remite a la vida misma, a nuestra existencia en la sociedad y al rol que jugamos en ella.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br style="background-color: white; box-sizing: inherit; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; line-height: inherit !important; text-align: start;" /><span style="background-color: white; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: start;">La exposición se puede visitar hasta el 10 de marzo 2024.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="background-color: white; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: start;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyufIc-RFoezz9ZLvps_Ih1MVE0qCmWbbj1qtjdUt_7LJR2AiizWMDplr2OUQtrEXQMuizRdiwkdhxFX5da5v27A4su_bAr1N7J72zfOVcYRoyqSKq9PC0dFI9KFunlSG6h2GZa3l0aA8j5zSX2XJ14oB5rnPEtPof-QlzCVdsbyOwRITm_IbpOWpYhg/s5906/01-vista_de_la_exposicion_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5906" data-original-width="4480" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyufIc-RFoezz9ZLvps_Ih1MVE0qCmWbbj1qtjdUt_7LJR2AiizWMDplr2OUQtrEXQMuizRdiwkdhxFX5da5v27A4su_bAr1N7J72zfOVcYRoyqSKq9PC0dFI9KFunlSG6h2GZa3l0aA8j5zSX2XJ14oB5rnPEtPof-QlzCVdsbyOwRITm_IbpOWpYhg/w304-h400/01-vista_de_la_exposicion_1.jpg" width="304" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDLfkF-3eH1KFtGavm6J4rYXC9z7XqrZWRrZmPzbj2Io2xGAD91AsTHy623I0-r1HCs_mYUbiniNAtYdyjQg1buzTlHUad2GQpcHV8c7_CClducxET3YFhajCN8GCsNAxnwoxfwkBhTo7KPr1HBHdH7Pji8LXgLh83HLXkmzDXgfIezyBUL_yXdTMx0g/s6720/06-vista_de_la_exposicion_2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4113" data-original-width="6720" height="392" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDLfkF-3eH1KFtGavm6J4rYXC9z7XqrZWRrZmPzbj2Io2xGAD91AsTHy623I0-r1HCs_mYUbiniNAtYdyjQg1buzTlHUad2GQpcHV8c7_CClducxET3YFhajCN8GCsNAxnwoxfwkBhTo7KPr1HBHdH7Pji8LXgLh83HLXkmzDXgfIezyBUL_yXdTMx0g/w640-h392/06-vista_de_la_exposicion_2.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiy4nsrlcJ3uWW8ENq20T5I5a6CZwst7-UEKpTkTaPX5jKTR7MhfYSa83dEsgK8bZ5NPj_edSiRXfOmhGNKWWzSecWF2gdnmzkYsnodVqPwTuZbdTeI7QXNWEoveM-CVa0keHu-2Fy7fZ4zgnsg2Vqj1qqCjSIVWTlD7knNE6ldaLNl_57ioxOZclvD4A/s7058/08-vista_de_la_exposicion_0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="7058" data-original-width="4480" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiy4nsrlcJ3uWW8ENq20T5I5a6CZwst7-UEKpTkTaPX5jKTR7MhfYSa83dEsgK8bZ5NPj_edSiRXfOmhGNKWWzSecWF2gdnmzkYsnodVqPwTuZbdTeI7QXNWEoveM-CVa0keHu-2Fy7fZ4zgnsg2Vqj1qqCjSIVWTlD7knNE6ldaLNl_57ioxOZclvD4A/w254-h400/08-vista_de_la_exposicion_0.jpg" width="254" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTtmftRJHBYdWNcj94cXfbdJuXuIRyAOM8QyTmehq53n5148gwQBFDIaAya-Jl0ge-2vtm_7c59vjvsL43rOlZS37DHXxf7wV-iaL1zABT2mVbp36bz8QbkMXW_Fvr-x7JPGyoUqfh5gDQDKlNF4B4ZQqrOJ3V_Kp2STsc2kW_D9CaxQaxp2jICESBIA/s6720/11-vista_de_la_exposicion_0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4881" data-original-width="6720" height="290" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjTtmftRJHBYdWNcj94cXfbdJuXuIRyAOM8QyTmehq53n5148gwQBFDIaAya-Jl0ge-2vtm_7c59vjvsL43rOlZS37DHXxf7wV-iaL1zABT2mVbp36bz8QbkMXW_Fvr-x7JPGyoUqfh5gDQDKlNF4B4ZQqrOJ3V_Kp2STsc2kW_D9CaxQaxp2jICESBIA/w400-h290/11-vista_de_la_exposicion_0.jpg" width="400" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBfY8Zt3Y1cZ2pbfmvyC6tD9DelFJxG1Q9rmoKoU1N-mFe5842thDIdOvc0qjFnhWYCrtkCTcFHaOqAAEfor1WiogrJ2acW8-bS9nNxf71pzuXIGDYM0PO6o4xCGSsSh0tA9O3ihgTLkAxHyhYTz15-Zxl_m6wgLPEuG3be6fSVoGIFXdizz7sKG4B0w/s6720/14-vista_de_la_exposicion_0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4892" data-original-width="6720" height="466" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBfY8Zt3Y1cZ2pbfmvyC6tD9DelFJxG1Q9rmoKoU1N-mFe5842thDIdOvc0qjFnhWYCrtkCTcFHaOqAAEfor1WiogrJ2acW8-bS9nNxf71pzuXIGDYM0PO6o4xCGSsSh0tA9O3ihgTLkAxHyhYTz15-Zxl_m6wgLPEuG3be6fSVoGIFXdizz7sKG4B0w/w640-h466/14-vista_de_la_exposicion_0.jpg" width="640" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrgWZk8HNJCZ6dRT7VC93XmCX2PHNIu88hc0NAUlReCmUn0g0bSxQhWhdKITpCWJBKYEDTk_dr_tp4xR7E_aN7F2Zxe2LHDnqFPPeTX9F_tG4QmzYGz47mfoN6rOCiK5pHbXg1tW7FTmuEs7bqfyTyJAYWv2LX5IOHxxjWNZqXqjEEv5Mn9ewSWn9O3w/s6224/18-vista_de_la_exposicion_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3981" data-original-width="6224" height="410" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjrgWZk8HNJCZ6dRT7VC93XmCX2PHNIu88hc0NAUlReCmUn0g0bSxQhWhdKITpCWJBKYEDTk_dr_tp4xR7E_aN7F2Zxe2LHDnqFPPeTX9F_tG4QmzYGz47mfoN6rOCiK5pHbXg1tW7FTmuEs7bqfyTyJAYWv2LX5IOHxxjWNZqXqjEEv5Mn9ewSWn9O3w/w640-h410/18-vista_de_la_exposicion_1.jpg" width="640" /></a></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br style="background-color: white; box-sizing: inherit; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; line-height: inherit !important; text-align: start;" /><span style="background-color: white; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: start;">© Mariví Otero 2024</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="background-color: white; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: start;">Manuel Otero Rodríguez.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="background-color: white; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: start;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span style="background-color: white; color: rgba(0, 0, 0, 0.9); font-family: -apple-system, system-ui, BlinkMacSystemFont, "Segoe UI", Roboto, "Helvetica Neue", "Fira Sans", Ubuntu, Oxygen, "Oxygen Sans", Cantarell, "Droid Sans", "Apple Color Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Emoji", "Segoe UI Symbol", "Lucida Grande", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: start;">Fuente: Documentación y fotografía: Departamento de prensa Museo Reina sofía.</span></div><p></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-47506579952162142892024-01-12T16:48:00.000+01:002024-01-12T17:29:54.875+01:00CHIARA CAMONI. Llame y reúnase. Hermanas. Polillas y tornados de llamas. Huesos de leonas, serpientes y piedras.<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2LWai8SszBQ6yH0pI_YqEaJ5LQSeWV6oZoNoyeZQLqm9BBUxf0zjxP640iqspprzh0qu7TGLMvq5i2itC6CYImbFeTyPN_S_nR7Xz2lMN8cqsD3ZVovur4mn_1XgbSYlJ5BDUApe-OPxT26ivVSThV7McLxduHDssq3aZU5ONKMxqKYA7dO5ewXXY4Q/s5500/02_a_tale_of_a_tub_21-22-2023_LNDWstudio_dsc_3809.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3667" data-original-width="5500" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg2LWai8SszBQ6yH0pI_YqEaJ5LQSeWV6oZoNoyeZQLqm9BBUxf0zjxP640iqspprzh0qu7TGLMvq5i2itC6CYImbFeTyPN_S_nR7Xz2lMN8cqsD3ZVovur4mn_1XgbSYlJ5BDUApe-OPxT26ivVSThV7McLxduHDssq3aZU5ONKMxqKYA7dO5ewXXY4Q/w640-h426/02_a_tale_of_a_tub_21-22-2023_LNDWstudio_dsc_3809.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Chiara Camoni. Exhibition view, “WHISPERS, WORLD ABOVE, WORLD BELOW”, A Tale of a Tub, Rotterdam, 2023 Courtesy the artist and SpazioA, Pistoia Photo LNDW studio</span></div><p></p><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-size: medium;">Pirelli HangarBiocca (Milán) presenta del 15 de febrero al 21 de julio de 2024, "Llama y reúne. Hermanas. Polillas y tornados de llamas. Huesos de leona, serpientes y piedras", exposición individual de Chiara Camoni (Plasencia, 1974; vive y trabaja en Seravezza, Italia): un paisaje imaginario en el que sumergirse y perderse. Comisariada por Lucia Aspesi y Fiammetta Griccioli, reúne el mayor conjunto de obras jamás presentadas en Italia por Chiara Camoni. Con una serie de <span style="font-family: inherit;"><a style="color: #385898; cursor: pointer; font-family: inherit;" tabindex="-1"></a></span>nuevas producciones, crea una arquitectura de colectividad y memoria, cuyas formas se inspiran en los jardines italianos del último Renacimiento y los antiguos anfiteatros. El diseño simétrico y radial de la planta crea pasillos y habitaciones, caminos y ambientes que dividen el espacio en varias áreas, en las que los visitantes puede detenerse a conversar. El centro vacío es el núcleo alredor del cual gira el proyecto expositivo: Las obras se disponen en las gradas de una arena, transformando la exposición en una tertulia o una performance. Al mismo tiempo, el entorno esta diseñado como un paisaje físico en el que los límites entre arquitectura, escultura y objetos se vuelven borrosos y ambiguos. Mientras que a través de las ventanas, abiertas para la ocasión a lo largo de las paredes y el techo del Cobertizo, la luz natural da paso al crepúsculo. Este patrón cíclico es una fuerza creativa y vital, con su secuencia rítmica de momentos de quietud y oscuridad y otros animados por reflejos y luz solar.</span></div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-size: medium;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-size: medium;">Chiara Camoni explica: "Como mujer artista, mi identidad se forma arqueológicamente, en un tiempo y espacio lejano, al que siempre vuelvo para encontar mi lugar en el presente. Así nacen las obras y, con vida autónoma, se mueven en el tiempo y el espacio que viene después, en el futuro. Este es el comienzo de la dualidad que los hace mutables, ambiguos y prooensos al cambio".</span></div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: justify; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-size: medium;"><br /></span></div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; text-align: start; white-space-collapse: preserve;"><span style="font-size: medium;">Las obras que se van a exponer en Pirelli HangarBicocca parecen pertenecer a un pasado imaginario que poco a poco se va desmoronando, como un sitio arqueológico donde historias y objetos se superponen en el tiempo.</span></div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; text-align: start; white-space-collapse: preserve;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6RKcbTSPsqBIrgB0kqNAz00khg2f4iQ9O8gCHCUFjWZkTP2wlfNgrnnZjGtpJzFrIOHGX29Qp-m4JYnDphuTyB5dWlbShwGn59Uu2bN1kZx8fmKy93hVHwphqrs77zjkIn8pj2ZbwC2qgzAgtrS5HUEYscfqE8JFPJH0dknEFednkaTHt3DNBi-_9Xg/s5587/2_IoDicoIo_IsayI_36.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3993" data-original-width="5587" height="458" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6RKcbTSPsqBIrgB0kqNAz00khg2f4iQ9O8gCHCUFjWZkTP2wlfNgrnnZjGtpJzFrIOHGX29Qp-m4JYnDphuTyB5dWlbShwGn59Uu2bN1kZx8fmKy93hVHwphqrs77zjkIn8pj2ZbwC2qgzAgtrS5HUEYscfqE8JFPJH0dknEFednkaTHt3DNBi-_9Xg/w640-h458/2_IoDicoIo_IsayI_36.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Chiara Camoni
Sister #04, 2021
Black terracotta, iron
85 x 150 x 80 cm
Installation view, “Io dico Io – I say I,” Galleria
Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea,
Roma, 2021
Courtesy the artist
Collezione 54, Milano
Photo Monkeys Video Lab</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7wfvVxBZm_i59S1MdlbIJLfFCRuAbGC_57Thgj8uaiBXeKXYESKgEDIUwOMxp-RDT0v-xxAVhNGKHumH_n7rlB_HmPRT2HcnRI98GdbAxZ0fVErjMhxpXWMycdz8rhfYHve46HrMgu5dgEAb9scJlIes0zNDMFypKDOlsb17Sf9JZEcKwpwzJ63ojhg/s5388/08_2021_03_11_Palazzo%20Bentivoglio_Chiara%20Camoni_43_var.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3592" data-original-width="5388" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7wfvVxBZm_i59S1MdlbIJLfFCRuAbGC_57Thgj8uaiBXeKXYESKgEDIUwOMxp-RDT0v-xxAVhNGKHumH_n7rlB_HmPRT2HcnRI98GdbAxZ0fVErjMhxpXWMycdz8rhfYHve46HrMgu5dgEAb9scJlIes0zNDMFypKDOlsb17Sf9JZEcKwpwzJ63ojhg/w640-h426/08_2021_03_11_Palazzo%20Bentivoglio_Chiara%20Camoni_43_var.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Chiara Camoni
Serpentessa ‒ part of Ipogea, 2021
Stone
Permanent site specific installation
Courtesy the artist and Palazzo Bentivoglio,
Bologna
Photo Camilla Maria Santini</span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFkcPaCSHi2hAnoKRLC-ss6ktrLL03r91Pngz57UXEdDnQMrb5LP55jHjTBbwPDcge2OqPQkp2ToNi86DI8lq6-e3eBvY1kSK3xbOHlGBi2lUBY0VKvyLNRNmFKOhbOAOlx-kKgtI3_tTf4sE7koREcDQQlXADzdb53FYfVMoXF9Lcz3ZmdzyDf5d7yQ/s1920/10-years-of-Love_Camoni-vasi-con-fiori.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1280" data-original-width="1920" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgFkcPaCSHi2hAnoKRLC-ss6ktrLL03r91Pngz57UXEdDnQMrb5LP55jHjTBbwPDcge2OqPQkp2ToNi86DI8lq6-e3eBvY1kSK3xbOHlGBi2lUBY0VKvyLNRNmFKOhbOAOlx-kKgtI3_tTf4sE7koREcDQQlXADzdb53FYfVMoXF9Lcz3ZmdzyDf5d7yQ/w640-h426/10-years-of-Love_Camoni-vasi-con-fiori.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Chiara Camoni
Barricata #1, 2016 (detail)
Polychromed terraccotta, water, flowers
Dimensions variable
Courtesy the artist and SpazioA Pistoia
Photo Camilla Maria Santini</span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDOSm_YuhGjFJpTqOBKjKE-FicYMU-vzdCNB9w9vPGcyafeI3ZmdYnXtyLLigWc3VnMjDPecQ6FETGO6mOqyoyT1lj2Km_yqmoqivizxfpV3QCD7tPGUxeMj8n04tzwB0I8KVpgD-2ZArB2D_v_mejTJW-xkoFWAKU0sxOhcAwqukBAsSIqMCISbiNpw/s5616/2023_01_09_Chiara%20Camoni_Sister%20Capanna_03%20-%20leading%20pic.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3744" data-original-width="5616" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDOSm_YuhGjFJpTqOBKjKE-FicYMU-vzdCNB9w9vPGcyafeI3ZmdYnXtyLLigWc3VnMjDPecQ6FETGO6mOqyoyT1lj2Km_yqmoqivizxfpV3QCD7tPGUxeMj8n04tzwB0I8KVpgD-2ZArB2D_v_mejTJW-xkoFWAKU0sxOhcAwqukBAsSIqMCISbiNpw/w640-h426/2023_01_09_Chiara%20Camoni_Sister%20Capanna_03%20-%20leading%20pic.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Chiara Camoni
Sister (Hut), 2022 (detail)
Iron, black terracotta, fresh and dry flowers
220 x 140 x 150 cm
Courtesy the artist
Nicoletta Fiorucci Collection
Photo Camilla Maria Santini </span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhopTQo_0IajuWYzzX9AtOo5FBfqsb338_3bCHEg2fejnghOmIF5PPB4la5Kc-UwW26I2WdKspeaPeZoYZwaA68krJGZ2Qr5Xrg_sgfS60aqo2e8pLl5-CDR-00Xu-HyqRpfjNExGBzytX1d7nPIEy7gUGhuqz-SgfyK5JBhHqzY9IyJxXoeyEk0Mp1PA/s2200/Chiara_Camoni_2023_ph_Lorenzo_Bottari.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1403" data-original-width="2200" height="408" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhopTQo_0IajuWYzzX9AtOo5FBfqsb338_3bCHEg2fejnghOmIF5PPB4la5Kc-UwW26I2WdKspeaPeZoYZwaA68krJGZ2Qr5Xrg_sgfS60aqo2e8pLl5-CDR-00Xu-HyqRpfjNExGBzytX1d7nPIEy7gUGhuqz-SgfyK5JBhHqzY9IyJxXoeyEk0Mp1PA/w640-h408/Chiara_Camoni_2023_ph_Lorenzo_Bottari.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Chiara Camoni. Portrait
Photo. Lorenzo Bottari </span></div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; text-align: start; white-space-collapse: preserve;"><br /></div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; text-align: start; white-space-collapse: preserve;">Fuente: Documentación y fotografías, Oficina de prensa Pirelli HangarBicocca. Jefe de comunicación y prensa, Angiola Maria Gili. <u>angiola.gili@hangarbiccoca.org</u></div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; text-align: start; white-space-collapse: preserve;"><br /></div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; text-align: start; white-space-collapse: preserve;">© Mariví Otero 2024</div><div dir="auto" style="background-color: white; color: #050505; font-family: "Segoe UI Historic", "Segoe UI", Helvetica, Arial, sans-serif; font-size: 15px; text-align: start; white-space-collapse: preserve;">Manuel Otero Rodríguez</div></div>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-16212801520167312062023-12-22T18:53:00.004+01:002023-12-22T18:53:54.108+01:00FELIZ 2024<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiu4Gg3kLuVytDpGHIu-60SywbgNyQwBFhN_ZGHrPaEvmuJSdS23v3LTV-d4nzhGBNeBuPupt9WhMIuXGTM_OAP3fVKJwiPcwEqcEo9RGT8jMrvX3W_kn-hvQOx3bpJMssI85K6iUj0Pf8DDi4NKxhiZ_FZ0kUp0fzVaDhHLPtggfD_wKZrg_4Myf9azA/s1024/WhatsApp%20Image%202023-12-12%20at%2021.10.06.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1024" data-original-width="676" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiu4Gg3kLuVytDpGHIu-60SywbgNyQwBFhN_ZGHrPaEvmuJSdS23v3LTV-d4nzhGBNeBuPupt9WhMIuXGTM_OAP3fVKJwiPcwEqcEo9RGT8jMrvX3W_kn-hvQOx3bpJMssI85K6iUj0Pf8DDi4NKxhiZ_FZ0kUp0fzVaDhHLPtggfD_wKZrg_4Myf9azA/w422-h640/WhatsApp%20Image%202023-12-12%20at%2021.10.06.jpeg" width="422" /></a></div></div><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: medium;">Tomás García Asensio</span></div><div class="separator" style="clear: both;">Sin título (1990)</div><div class="separator" style="clear: both;">40 x 40 / 40 x 40 cm.</div><div class="separator" style="clear: both;">Óleo sobre lienzo, montado en madera</div><div class="separator" style="clear: both;">Colección particular</div><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: medium;">Feliz Navidad </span></div><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: medium;">Y un 2024 lleno de cultura y paz</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: medium;">Mariví Otero y Manuel Otero Rodríguez</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: medium;">Observando el Arte</span></div></div><p></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-15522161672396595412023-12-22T17:59:00.004+01:002023-12-22T17:59:58.083+01:00PICASSO 1906. La gran transformación<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRXRZm2lo552LcBOQSq51owHOUp5nI0Q_IRFsoBLoC7M-Pe-BMxJkevzOaMhaApeJRJ4LUquK52uzUCKtgXosxog4-vaZ4aOdSpk9FjBE4E6bVPduWyS5TRG2CALYngsSEUwjduGEF2zIWKWM3wQabxE7fy52rgWyw6lFJf_iWrb80wyuUu0dWM5oRYg/s6602/1%20_x8a6795.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3858" data-original-width="6602" height="374" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiRXRZm2lo552LcBOQSq51owHOUp5nI0Q_IRFsoBLoC7M-Pe-BMxJkevzOaMhaApeJRJ4LUquK52uzUCKtgXosxog4-vaZ4aOdSpk9FjBE4E6bVPduWyS5TRG2CALYngsSEUwjduGEF2zIWKWM3wQabxE7fy52rgWyw6lFJf_iWrb80wyuUu0dWM5oRYg/w640-h374/1%20_x8a6795.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Hace
unos días hemos caminado los amigos del Museo Reina Sofía por esta espléndida
exposición acompañados del comisario de la muestra Eugenio Carmona, catedrático
de Historia del Arte en la Universidad de Málaga y experto en la obra del
maestro. Uno siempre piensa que conoces en parte al gran maestro Picasso (has
estudiado, has visualizado su obra), y escuchas a Eugenio Carmona y, claro el
gran experto te lleva por otros caminos, claramente de más lucidez.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjun4l99reSOlZwXHBXCnTEu4UhQlVWkDsbG2ZCzpVScTsJYwHH0N3Tdvis644Hbu-fm9UNEX0Ebcmmpt-gGfg3JIkuiXrDQOb28itTdI5ZQErmvBww6mIEOILoVIhjLVCx9PufksfYx4aRtXc3DaIjV3iG-wGKORGMx5ujztRbML5MzAo-QZ9AURVEA/s4000/2%2020231122_173444.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1800" data-original-width="4000" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjun4l99reSOlZwXHBXCnTEu4UhQlVWkDsbG2ZCzpVScTsJYwHH0N3Tdvis644Hbu-fm9UNEX0Ebcmmpt-gGfg3JIkuiXrDQOb28itTdI5ZQErmvBww6mIEOILoVIhjLVCx9PufksfYx4aRtXc3DaIjV3iG-wGKORGMx5ujztRbML5MzAo-QZ9AURVEA/w640-h288/2%2020231122_173444.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Fotografía de sala. Escuchando al profesor y comisario de la muestra, Eugenio Carmona.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Fotografía: Mariví Otero.</span></div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Continuamos
la visita a la exposición después de un segundo recorrido, recordando todos los
datos que nos aportó Eugenio Carmona.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Con
motivo de la conmemoración del 50º aniversario de la muerte de Picasso, el
Museo Reina Sofía ha organizado, con el apoyo excepcional del Musée Picasso
París, <b>Picasso 1906. La gran transformación,</b> que cierra el programa
oficial de exposiciones internacionales de esta celebración y que plantea
renovar importantes criterios sobre el papel clave que jugó el artista en la
creación del arte moderno.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0XHkqXnnCaSXf6NVw3fQkQpxIOjQliBnd6E2OH6MMS4oQqCGELInT5P_nhd315qqUq4V6jM_wUsGDsV6tUHbHY5FvHx2T7myzZP-uP6UeXTcdP55FRtJRZfxo4cCYTrs9lwA2QrEdjS1iiDSisZuYD79uYrHHqU7xbYJlsUmS8t_ipkgd94-Aw9OXwQ/s5904/3%20_x8a6811.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4208" data-original-width="5904" height="456" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0XHkqXnnCaSXf6NVw3fQkQpxIOjQliBnd6E2OH6MMS4oQqCGELInT5P_nhd315qqUq4V6jM_wUsGDsV6tUHbHY5FvHx2T7myzZP-uP6UeXTcdP55FRtJRZfxo4cCYTrs9lwA2QrEdjS1iiDSisZuYD79uYrHHqU7xbYJlsUmS8t_ipkgd94-Aw9OXwQ/w640-h456/3%20_x8a6811.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Es
habitual considerar que la contribución de Pablo Picasso (1881-1973) en ese
hito fue pintar Las señoritas de Avignon en 1907. Sin embargo, actualmente
puede pensarse que esta obra fue el punto de llegada, y el estallido final, de
todo un complejo proceso desarrollado a lo largo del año 1906 y finales de
febrero o principios de marzo de 1907. Un periodo durante el cual, la actividad
creativa del artista tuvo tres escenarios: </span></i><b><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">París,
Gósol-localidad del pirineo leridano- y, de nuevo París.<o:p></o:p></span></b></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">1906
no es un año más en la trayectoria del Artista. Es un momento artísticamente
significativo -no reconocido hasta hoy como tal- en el que las
experimentaciones del malagueño abren su obra hacia otros lenguajes. Como nos
comentó, el comisario Eugenio Carmona e indica en el catálogo que acompaña la
exposición, se trata de </span></i><b><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">“la primera aportación de Picasso a la
noción plena de arte moderno”</span></b></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Durante
esta etapa, por ejemplo, el artista transformó -aunque con antecedentes en
algunas obras hechas desde 1904- el concepto académico de “desnudo” y convirtió
el cuerpo en un lugar de experimentación lingüística y cultural en el que
introdujo la sensualidad, siendo especialmente relevante el papel que otorgó al
desnudo masculino. Ello abrió las puertas también a la presencia performativa
de género.</span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8z0qpNvl686qofp-qeMZC83fxKjbN-5yeazE0hPaTP-ViMpF5ZuO-BW5UqfxVMHF6dYZgrXrG9rpoQT8Zq6gHEYjCrFtbkr3nYKBpQLM98hxmS0RMIuEryO8rejUf0QcOxWBYXsQ1O8uAWsvVduiTTybN0s4aMtRSw1GLusZOIdSENA-UYnRuOSwrGA/s5610/4%20_x8a6790.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4289" data-original-width="5610" height="490" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8z0qpNvl686qofp-qeMZC83fxKjbN-5yeazE0hPaTP-ViMpF5ZuO-BW5UqfxVMHF6dYZgrXrG9rpoQT8Zq6gHEYjCrFtbkr3nYKBpQLM98hxmS0RMIuEryO8rejUf0QcOxWBYXsQ1O8uAWsvVduiTTybN0s4aMtRSw1GLusZOIdSENA-UYnRuOSwrGA/w640-h490/4%20_x8a6790.jpg" width="640" /></a></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Otro
rasgo distintivo de este Picasso es su sentido de la transculturalidad que
emana de su biografía y la formación de su personalidad. El joven Picasso de
entonces es un andaluz emigrado en Barcelona que viajaba a París desde 1900.
Cuando regresa a Barcelona en 1906 trae consigo todo un bagaje de
transformadoras relaciones y vivencias en el ámbito bohemio de la vanguardia en
la capital francesa, en el que ha tenido la oportunidad de relacionarse con
importantes creadores coetáneos y con marchantes y coleccionistas, siendo
transcendental el papel de Gertrude Stein. En el que influyó su interés por la
fotografía homoerótica o la etnológica y las producciones en revistas de masas,
así como por el pensamiento libertario o anarquista. Practica además una
relectura de la Historia del Arte a través de sus diálogos con El Greco. Corot
y Cézanne, y mediante la apropiación del arte antiguo con el uso de referentes
culturales primigenios, “primitivas” e incluso no europeos (arcaico griego,
egipcio, etrusco, ibero, románico catalán, mesopotámico, polinesio…), ya por
entonces conocía también y asimilaba el llamado “arte negre”, antes de su
famosa visita al museo del Trocadero en 1907.</span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"><o:p></o:p></span></p><b><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></b><p></p><div class="separator" style="clear: both;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">El
recorrido por la exposición nos lleva a transitar por 8 salas, las obras de
Picasso se muestran junto a piezas procedentes de diferentes periodos de la
cultura europea y africana similares a las que el artista pudo ver en su
momento para establecer correspondencias, citas, apropiaciones o diálogos tanto
formales como intelectuales. La presencia de estas obras nos permite vislumbrar
de forma muy didáctica la complejidad de los procesos culturales y creativos
experimentados por <b>Picasso en 1906.<o:p></o:p></b></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidUgZzInxaxAcwWpIIwd2E-VTf463eBhNCsDzDccGXiJM18OH-es7vBacnemZSMbSFMq7FMKP1S0jiB4dX3o6JpePL7Pupeb1gCPJDSEFONv629prwYUNmj4ZRDSKL6ifuvNNCJhRJUtgJXOtwppnGxChhdtPEgE8UWmWI4T3oH-pCQZEb7YOM7bw11A/s6448/5%20_x8a6870.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3576" data-original-width="6448" height="354" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidUgZzInxaxAcwWpIIwd2E-VTf463eBhNCsDzDccGXiJM18OH-es7vBacnemZSMbSFMq7FMKP1S0jiB4dX3o6JpePL7Pupeb1gCPJDSEFONv629prwYUNmj4ZRDSKL6ifuvNNCJhRJUtgJXOtwppnGxChhdtPEgE8UWmWI4T3oH-pCQZEb7YOM7bw11A/w640-h354/5%20_x8a6870.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Los
desnudos en Picasso:<o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">El
dibujo estuvo presente en la obra de Picasso desde el principio. De hecho, ya
había realizado 580 piezas con esta temática entre 1890 y 1906. Pero en 1906 se
produce un importante cambio. Compuso unos 450 desnudos femeninos y masculino y
si antes lo hacía en papel, cartón, acuarelas y guaches, en este año se
concentra en el papel y salta a las obras de gran formato en óleo.<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En
esta primera sala, hemos podido contemplar obras previas al periodo de
referencia y comprobar que las especulaciones formales con el cuerpo y las
escenas eróticas empezaron a aparecer hacia 1899. Ya entrado en siglo XX, la
obra de Picasso es más explícita en cuanto a la sexualidad de los cuerpos,
comenzando a pintar autorretratos suyos desnudo o escenas cotidianas de
intimidad femenina que adoptan el cuerpo de arlequines y saltimbanquis. Los 15
grabados Suite de los Saltimbanquis, realizados entre 1904 y principios de
1906, nos muestran la visión del cuerpo femenino en la intimidad. Parejas de
púberes o la relación entre jóvenes y caballos, motivos que serán recurrentes
en la iconografía picassiana a partir de ahora.<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7nM8OPubn4DimGkzcR3ljzDSQhI0w6sNC9naTJbullVp8mEGlCvsCETdGqwJFYmtJSJkppT1hyRUKiEtnuPU8PzfjBHqmwH1MC0-iPjTZZvkEUgLxQs2K7979Wy0wpDF3aApZmrehd5bAiYPXA_PI5hn6UJfPMMD8W0EhkIO3zJ7YPOoWvKu5LO9CDg/s5837/6%20picasso-desnudo_con_las_manos_cruzadas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5837" data-original-width="2601" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7nM8OPubn4DimGkzcR3ljzDSQhI0w6sNC9naTJbullVp8mEGlCvsCETdGqwJFYmtJSJkppT1hyRUKiEtnuPU8PzfjBHqmwH1MC0-iPjTZZvkEUgLxQs2K7979Wy0wpDF3aApZmrehd5bAiYPXA_PI5hn6UJfPMMD8W0EhkIO3zJ7YPOoWvKu5LO9CDg/w286-h640/6%20picasso-desnudo_con_las_manos_cruzadas.jpg" width="286" /></a></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En la
segunda sala, vemos desnudos de niños y adolescentes, en la naturaleza o en
escenas de interior, que nos van anunciando la transformación que se avecina.
Los dos hermanos o Los adolescentes, ambas de (1906). En estas obras, a la vez
que se perciben un diálogo con Cézanne y El Greco -artistas presentes en este
espacio con una litografía y un óleo- se atisba el interés de Picasso por lo
“primitivo” y “arcaico” así como por la fotografía homoerótica y etnográfica de
la época, que queda ilustrado con dos esculturas romanas de efebos y algunas
fotos etnográficas que se pueden ver en una vitrina.<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUewyoFCogbb23K4B-O1xg38Et9HjZkSYrUvoUYiAQ9bFfzjVvDK65nlqiEJgWthtLvM7VyK86V4EuDIdLUxR6z1OOslXFBlNyubM_HYlxksUB21RdPj5dMeSa4KaIoG9hSZ2PKxblB1CPW_dsG4czcnT8YITlmxr2pxZSKoL666qL_M4pnD8heHNXDA/s9224/7%20picasso-los_dos_hermanos_0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="9224" data-original-width="5657" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUewyoFCogbb23K4B-O1xg38Et9HjZkSYrUvoUYiAQ9bFfzjVvDK65nlqiEJgWthtLvM7VyK86V4EuDIdLUxR6z1OOslXFBlNyubM_HYlxksUB21RdPj5dMeSa4KaIoG9hSZ2PKxblB1CPW_dsG4czcnT8YITlmxr2pxZSKoL666qL_M4pnD8heHNXDA/w392-h640/7%20picasso-los_dos_hermanos_0.jpg" width="392" /></a></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En
otra obra, Mujer peinándose (1906), Picasso, además de anticipar el
expresionismo abstracto en la parte interior del cuadro, la figura mezcla la
referencia a la mitología y a Venus con el rostro máscara relacionado con lo
primitivo.</span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En
este mismo espacio encontramos otra pieza interesante El harén (1906),
realizada ya por Picasso en Gósol. Se trata de una obra que puede prestarse a
ciertos presupuestos críticos debido al título -atribuido al crítico de arte
Christian Zervos- o a que algunos entendidos han considerado que está inspirada
en El baño turco (1862) de Dominique Ingres y a que se ha dado la condición de
precedentes de Las señoritas de Avignon. Sin embargo, lo único que hace Picasso
es asimilar el dibujo en arabesco de Ingres y el lenguaje plástico empleado es
completamente distinto al de las Señoritas de Avignon, Se trata en todo caso de
un óleo cuyos motivos tienen pocos paralelismos en la pintura europea del
momento.<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgG9wCwLi8qPISrSj-ourWKfwGzr4pFfmXBANTIzpJvhrxEUYP-s7Ln9ti9RpGBrigofWoE9vPa2nbdidKmjFFebcQ61TPzVovwtEFeS5kvhj0xxhGojhEL-s0i9zAarrr1iIXvYEZW_EBGyv0GH8ngFplNDDilkEWX70hbop35bdQqJIzXarEUZW8Plg/s2726/8.1%20picasso-mujer_peinandose.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2726" data-original-width="1432" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgG9wCwLi8qPISrSj-ourWKfwGzr4pFfmXBANTIzpJvhrxEUYP-s7Ln9ti9RpGBrigofWoE9vPa2nbdidKmjFFebcQ61TPzVovwtEFeS5kvhj0xxhGojhEL-s0i9zAarrr1iIXvYEZW_EBGyv0GH8ngFplNDDilkEWX70hbop35bdQqJIzXarEUZW8Plg/w336-h640/8.1%20picasso-mujer_peinandose.jpg" width="336" /></a></i></div><i><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNHg1A0Y6JVYaPG9S7Da-mo0MOeEohGUKohhlgZt9lVLy04RP6-7y9XLA75FchqQ91ZVC6URPZFDCNS3m0wfy-b_gpCwDjSjlYcNrkFlMQvKH6e_gd8BzKJU5OidfhlUeRB8XKb8Ii3B8uVSY8a-5JCL8jZ82Enw8uKmGERaWqqOnQzFFHbwGEwvhqCQ/s5997/8.2%20_x8a6808.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3774" data-original-width="5997" height="402" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjNHg1A0Y6JVYaPG9S7Da-mo0MOeEohGUKohhlgZt9lVLy04RP6-7y9XLA75FchqQ91ZVC6URPZFDCNS3m0wfy-b_gpCwDjSjlYcNrkFlMQvKH6e_gd8BzKJU5OidfhlUeRB8XKb8Ii3B8uVSY8a-5JCL8jZ82Enw8uKmGERaWqqOnQzFFHbwGEwvhqCQ/w640-h402/8.2%20_x8a6808.jpg" width="640" /></a></div></i><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: left;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Lo
vernacular y el icono Fernande:<o:p></o:p></span></p><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></i><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En
esta sala el recorrido está dedicado enteramente a obras en Gósol -donde
residió Picasso entre finales de mayo y mediados de 1906- en las que el artista
añade el componente vernáculo del lugar con la inclusión de aldeanas y aldeanos
pirenaicos que irradian sosiego, como ocurre con la, La mujer de los panes.</span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Picasso
ensaya la representación del rostro como máscara, un indicador revelador del
interés del artista por lo “primitivo” y de la influencia que tendrán en la
obra de Picasso las sugerencias morfológicas del románico catalán.<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-style: italic; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj43BInkF0sDfzLVWGoZyDWFEZdjtVgnPyDDFilNLNiI10gezARyhrjn6zT-kThTPxpqW-l9dcJ1ZMzPX1053EbbLUh0E1ycqvXTiwCcJ_P8PqJJO6HpxRU8KX_zR2DIgLqwtEd5fPdclBtqPDkgEbVqP5PCmPyMKpIICRzQ5Nf3Uvm4Ld8TmaGh08K7g/s4000/9%2020231122_180527.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1800" data-original-width="4000" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj43BInkF0sDfzLVWGoZyDWFEZdjtVgnPyDDFilNLNiI10gezARyhrjn6zT-kThTPxpqW-l9dcJ1ZMzPX1053EbbLUh0E1ycqvXTiwCcJ_P8PqJJO6HpxRU8KX_zR2DIgLqwtEd5fPdclBtqPDkgEbVqP5PCmPyMKpIICRzQ5Nf3Uvm4Ld8TmaGh08K7g/w640-h288/9%2020231122_180527.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;"><b>Virgen de Gósol</b>, segunda mitad del s. XII</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Talla en madera policromada y restos de hoja metálica corlada.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Procede de la Iglesia de Santa María del Castillo de Gósol (Berguedà)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Museu Nacional d'Art de Catalunya, Barcelona</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Adquisción 1930. MNAC 015936-000</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Pasamos
a otra zona de la exposición está dedicada a un icono tipo de desnudo femenino
que Picasso desarrolló en 1906 y que la crítica ha identificado con “Fernande”,
su compañera desde agosto de 1904 hasta 1912. La relación entre ella y Picasso
fue compleja, ya que, a pesar de sus convicciones libertarias, el artista
siguió aferrado a esquemas heteropatriarcales.<o:p></o:p></span></i></p><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></i><p></p><div class="separator" style="clear: both;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Fernande
Olivier, cuyo verdadero nombre era Amelie Lang, impartía clases de francés a
los amigos americanos de la pareja, se llevaba muy bien con Max Jacob,
Apollinaire y Gertrude Stein.<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Picasso
relacionó a Fernande con la vernacularidad de Gósol, pintándola como campesina
en Fernande con pañuelo y también incorporó en su rostro la máscara, en las
esculturas inspiradas en ella experimentó con la desmaterialización de la forma
y con el empleo del volumen nítido simplificado, abriendo paso a las primeras
esculturas plenamente “primitivas”.<o:p></o:p></span></i></p></div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH2TYp9kzj80kqFEZfgUpwo_flgD44GXseKLxBxlorvpDHQnIKdQOCQiA4yfD8Nq7_34H9Y9JTBZh8TpA8LSgEswBr9eMobw1fJeUXYMHNbQvi7OfjIxwJwyJFGO4dqGELNMJvk0AdhSbRYI_Fx3vrvuhBgIDNrqmtjReIj7VpXLgHlj0AicUE-bfgfA/s3732/10%20picasso-mujer_con_panuelo.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3732" data-original-width="2261" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH2TYp9kzj80kqFEZfgUpwo_flgD44GXseKLxBxlorvpDHQnIKdQOCQiA4yfD8Nq7_34H9Y9JTBZh8TpA8LSgEswBr9eMobw1fJeUXYMHNbQvi7OfjIxwJwyJFGO4dqGELNMJvk0AdhSbRYI_Fx3vrvuhBgIDNrqmtjReIj7VpXLgHlj0AicUE-bfgfA/w388-h640/10%20picasso-mujer_con_panuelo.jpg" width="388" /></a></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Apropiación
de lo primitivo:<o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En el
siguiente espacio podemos apreciar cómo en el Picasso de 1906, la síntesis de
los “primitivo” llevó al artista a la plasmación de fisonomías inesperadas y
misteriosas. Lo vemos en Busto de mujer joven, cuya fisonomía resulta
enigmática y donde el artista recurre a la “apropiación” del arte egipcio y del
arte etrusco. A su vez, el busto muestra concomitancias con representaciones
masculinas del arte etrusco funerario.<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVH_QI7ihO2DLLzHgg0h7_UYLotNwRpVY8ck0y1dWLt9-BmUl92d8vn8JszDeSb37s9-PAiD23ayxIVFKUkODR4Vw6jGSyW8pAMhx0ral0QVRl1fsnc_SC3qd2btRzsjbpcXUmF3-h7CLywjwUTXRDpKuVeBzEeYBfYlYBkTCTnYp0Z85FeZ8qiovnxQ/s9137/11%20picasso-busto_de_mujer_joven_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="9137" data-original-width="5760" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVH_QI7ihO2DLLzHgg0h7_UYLotNwRpVY8ck0y1dWLt9-BmUl92d8vn8JszDeSb37s9-PAiD23ayxIVFKUkODR4Vw6jGSyW8pAMhx0ral0QVRl1fsnc_SC3qd2btRzsjbpcXUmF3-h7CLywjwUTXRDpKuVeBzEeYBfYlYBkTCTnYp0Z85FeZ8qiovnxQ/w404-h640/11%20picasso-busto_de_mujer_joven_1.jpg" width="404" /></a></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
gran transformación:<o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Nos
detenemos en una nueva sala donde encontramos Desnudo con manos juntas, una
obra comenzada por Picasso en Gósol y probablemente acabada en París que marca
el inicio más explícito de una nueva vía hacía el arte moderno. Se acentúa la
noción del cuerpo como forma, y se hace patente la lectura de Paul Cézanne como
un referente de la concatenación picassiana de morfologías geométricas que
estructuran la figura en un círculo, una elipse y un ovoide. El espacio vacío transmite
sensación de plenitud. Aquí está el verdadero punto de partida hacia el
cubismo.<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-style: italic; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5J9zoTksvdVNLO_r7ut9Lz1pDIfTGt9fjs650OOGR-VAfg-mr3lV_5SRN1L2mO5yDC5RDyVctJGw7rTOvlb_TKD_CRza6yQwZ86Ms6SyK88jrs_d4UroaDJ1c2elDjkFP1NFHDTJjLSZjIUq74e0niwVjC4KKik-HLkwgrD4LnMQFh9EDCiSiDK5KLw/s1929/12.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1929" data-original-width="1156" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5J9zoTksvdVNLO_r7ut9Lz1pDIfTGt9fjs650OOGR-VAfg-mr3lV_5SRN1L2mO5yDC5RDyVctJGw7rTOvlb_TKD_CRza6yQwZ86Ms6SyK88jrs_d4UroaDJ1c2elDjkFP1NFHDTJjLSZjIUq74e0niwVjC4KKik-HLkwgrD4LnMQFh9EDCiSiDK5KLw/w384-h640/12.jpg" width="384" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">PABLO PICASSO.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;"><i><b>Nude with Joined Hands</b>, (desnudo con manos juntas),</i> 1906</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">The Museum of Modern Art, New York</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">The William S. Paley Collection, 1990 </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; text-align: left;"><span style="font-size: x-small;">© 2023, The Museum of Modern Art/Scala, Florence</span></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">© Sucesión Pablo Picasso, VEGAP, Madrid, 2023</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En
esta misma sala hemos visto el Retrato de Gertrude Stein, un personaje de
notoria y mutua influencia en Picasso que nunca se desprendió de Desnudo con
manos juntas y que siempre tuvo la pintura a la vista en sus residencias. El
retrato en cuestión ha sido objeto de análisis y fuente de relatos míticos.
Picasso comenzó el retrato en la primavera de 1906 y lo dejó antes de partir a Gósol para rematarlo en
París. Cuando regresa a la capital francesa, una variación en el cuadro
marcaría un salto cualitativo en la historia del arte: la inscripción de un
rostro-máscara. El Retrato de Gertrude Stein aúna en una misma superficie
pictórica dos registros “estilísticos” distintos. Uno -con matices- esta
cercano al lenguaje de la convencional pintura “finde siglo”, mientras que el
otro es decididamente “primitivista”.<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgypsvTkV_XL9VeefTc_y7lPnPj8OJTCfyAyx1XhfoTnxSWwJDFSGfwtbUjytUkHR6rERuKjiHFdII1PpTe_zD-ZUN3j1dJL3TntJIABKqGFFqTtL-ArRlpQhHfgc9PuLmq1ZMsdXiI6QDv3EFi-W7bWXrYWk6Xo-cs2h6aenZEDbviO3XWRWOtJDH40w/s5878/13%20_x8a6829.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4125" data-original-width="5878" height="450" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgypsvTkV_XL9VeefTc_y7lPnPj8OJTCfyAyx1XhfoTnxSWwJDFSGfwtbUjytUkHR6rERuKjiHFdII1PpTe_zD-ZUN3j1dJL3TntJIABKqGFFqTtL-ArRlpQhHfgc9PuLmq1ZMsdXiI6QDv3EFi-W7bWXrYWk6Xo-cs2h6aenZEDbviO3XWRWOtJDH40w/w640-h450/13%20_x8a6829.jpg" width="640" /></a></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En la
última sala de la exposición se muestran otras obras, como Mujeres acicalándose
(1956), que reflejan que un elemento singular de la obra de Picasso es su
peculiar noción del tiempo y la memoria.</span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En
todo lo trabajado por el artista existe siempre una pervivencia, un resumen y
reinterpretación a posteriori de soluciones plásticas y visuales.<span style="mso-spacerun: yes;"> </span><o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></i></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><i><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQGm4FaUtp5T7QgY-Ffqke93HAgNm_TS-Bh1GZyke0CsRY5KxKIqApUNTjLVSuokg2i9QZK4wzYR2IC6dbPjFDZEGVFQRLat5Sp7KjbzRmg7oNpfGjgw6aQwXA1JP4yr9znodE2ENzL7YmZbHXJR464ERJAKvvWzqtzXZ59bFB7qjJJwCrHRu_97-vCw/s5639/14%20_x8a6857.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4961" data-original-width="5639" height="564" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQGm4FaUtp5T7QgY-Ffqke93HAgNm_TS-Bh1GZyke0CsRY5KxKIqApUNTjLVSuokg2i9QZK4wzYR2IC6dbPjFDZEGVFQRLat5Sp7KjbzRmg7oNpfGjgw6aQwXA1JP4yr9znodE2ENzL7YmZbHXJR464ERJAKvvWzqtzXZ59bFB7qjJJwCrHRu_97-vCw/w640-h564/14%20_x8a6857.jpg" width="640" /></a></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Espléndid<i>a</i>
exposición que reúne de forma excepcional más de 120 obras procedentes de
colecciones privadas e importantes instituciones como, entre otros, el MoMA, el
MET y el Guggenheim de Nueva York; los museos estadounidenses de Arte de
Baltimore, Cleveland, Philadelphia, Boston, Dallas o Chicago; del Museo
Picasso, el Louvre y el Pompidou de París; y ya en España del Arqueológico
Nacional, del Prado y de los museos Picasso de Barcelona y Málaga.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/WtUQR4NbTIE" width="320" youtube-src-id="WtUQR4NbTIE"></iframe></div><p></p><p></p><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">© Mariví Otero 2023</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">Manuel Otero Rodríguez</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;"></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;">Fuente:
Picasso 1906. La gran transformación. Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía. Del 15 de noviembre de 2023 al 4 de marzo de 2024. Departamento de
Prensa del Museo: Documentación y fotografías.</span></p></div></div></div></div></div>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-54402271754401724082023-12-01T18:03:00.000+01:002023-12-01T18:03:00.700+01:00MAESTRAS<p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwHePLVVTJC8bD6f8Y2d5yxaDqF936HtI_8B25A_hmuZFmgKicDCxFi3LjSdmBqdB20f0Cu78WSE8v3ksPW0DhfEXDNeBtReKjQrRtUZNcbOxoZqphZGrUdwxpNPKL_mX-pxTI6FEjcA9HONgRpM2ghe9XLcSr8clv-PSJoWni9FRk_4YJ8pEl9IbqIg/s3000/1%20Maestras_salas_Foto_Laura_Mart%C3%ADnez_Lombard%C3%ADa_01.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2001" data-original-width="3000" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwHePLVVTJC8bD6f8Y2d5yxaDqF936HtI_8B25A_hmuZFmgKicDCxFi3LjSdmBqdB20f0Cu78WSE8v3ksPW0DhfEXDNeBtReKjQrRtUZNcbOxoZqphZGrUdwxpNPKL_mX-pxTI6FEjcA9HONgRpM2ghe9XLcSr8clv-PSJoWni9FRk_4YJ8pEl9IbqIg/w640-h426/1%20Maestras_salas_Foto_Laura_Mart%C3%ADnez_Lombard%C3%ADa_01.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Exposición: Maestras. Fotografía de sala. Laura Martínez Lombardía.</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Nuestra
cita hoy es en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, visitamos la exposición
MAESTRAS, comisariada por Rocío de la Villa desde una perspectiva feminista, un
centenar de obras entre pinturas, esculturas, obras sobre papel y textiles,
ofrece un recorrido por las contribuciones artísticas de creadoras, desde
finales del siglo XVI a las primeras décadas del siglo XX. Es una exposición de
autoras mujeres que representan a mujeres y sus interese. Artistas que fueron
en su época académicas, reclamadas por mecenas y coleccionistas, partícipes en
asociaciones de artistas mujeres, receptoras de los más altos reconocimientos y
protagonistas de grandes exposiciones. Mujeres cultas, curiosas, viajeras,
cosmopolitas y comprometidas. En ocasiones, contaron también con el respaldo y
apoyo de sus maestros, compañeros, maridos, hermanos o marchantes.<o:p></o:p></span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkW1fVDX2DYdML74uF8UHWG30y_I2H-F31vJCvSZVBmTHzPOEDg4i0eQKTf7YnC7DBq0DkyQHYP5OKw3-2kOi6lFx8trVCug_iDgdzPviE5YPFrsXNOh24ZqdBEWJOpTcrawcaO_jyJFTwpUVdcsB7INbQpYdB7tgSmkjRxKmVDuzDqebnL5DbSPk04Q/s4096/2%20Morisot_Hermanas_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2592" data-original-width="4096" height="406" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgkW1fVDX2DYdML74uF8UHWG30y_I2H-F31vJCvSZVBmTHzPOEDg4i0eQKTf7YnC7DBq0DkyQHYP5OKw3-2kOi6lFx8trVCug_iDgdzPviE5YPFrsXNOh24ZqdBEWJOpTcrawcaO_jyJFTwpUVdcsB7INbQpYdB7tgSmkjRxKmVDuzDqebnL5DbSPk04Q/w640-h406/2%20Morisot_Hermanas_1.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Berthe Morisot. Las hermanas, 1869 (The Sisters). Óleo sobre lienzo, 52,1 × 81,3 cm. National Gallery of Art, Washington, donación de Mrs. Charles S. Carstairs</span></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">El
recorrido por la muestra lo hacemos a través de ocho escenas relevantes en el
camino de las mujeres hacia su emancipación.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Sororidad
I. La causa delle donne:<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Versión
italiana de la querelle des femmes, el título de este primer capítulo nos
remite al debate literario y académico que tuvo lugar en Europa, desde finales
del siglo XIV y hasta la Revolución francesa, en defensa de la capacidad
intelectual y el derecho de las mujeres al acceso al conocimiento y la política
frente a la misoginia. En la exposición, este debate se muestra a través de la
producción de algunas artistas del norte de Italia, desde el siglo XVI y buena
parte del XVII, inscritas en botteghe familiares y beneficiadas por un clima
sociopolítico y teorías del arte favorables para las mujeres en los Estados
Pontificios. Las obras reunidas en esta primera sección son representaciones
que narran la historia de figuras bíblicas femeninas y heroínas de la
Antigüedad; mujeres fuertes que triunfan por su virtud, que son símbolo de la
victoria femenina sobre la violencia de género y los agravios a las mujeres en
la época. <i>Judit con la cabeza de Holofernes (1600) de Lavinia Fontana; Judit
y su criado (1618-1619) y Susana y los viejos (1623), de Artemisia Gentileschi;
y Porcia hiriéndose en el muslo (1664), de Elisabetta Sirani, con algunas de
las obras destacadas.<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjgeW44993lHYQebFRUNkdn5gZrbmIjUqRXmo17k3YIaYB5WQKVh17wBhmmtlREqKmRurTKFx_Fa4TVc3fFOBd8UuaV-UieLcdUITsZO0qxSMa6BNbwR1tgcLsQ_CdXIGF6-f2j65_GpaynDi14_lEhCQqcvUrxd2AvvMTfYnQ19PGLS1J__VAkQ9kgQ/s7116/3%20Sirani_Porcia_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5109" data-original-width="7116" height="460" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjgeW44993lHYQebFRUNkdn5gZrbmIjUqRXmo17k3YIaYB5WQKVh17wBhmmtlREqKmRurTKFx_Fa4TVc3fFOBd8UuaV-UieLcdUITsZO0qxSMa6BNbwR1tgcLsQ_CdXIGF6-f2j65_GpaynDi14_lEhCQqcvUrxd2AvvMTfYnQ19PGLS1J__VAkQ9kgQ/w640-h460/3%20Sirani_Porcia_1.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Elisabetta Sirani. Porcia hiriéndose en el muslo, 1664 (Portia Wounding her Thigh). Óleo sobre lienzo, 101 × 138 cm. Collezioni d’Arte e di Storia della. Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna, Bolonia</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;"><br /></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div style="text-align: left;"><i style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Botánicas,
conocedoras de maravillas:</span></i></div></div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
revolución científica fue el inicio del ocaso de la tradición del conocimiento
botánico, biológico y médico de las mujeres, con la persecución de las brujas
como telón de fondo. En este capítulo se indaga en el papel de las artistas en
el resurgimiento y esplendor del género de la naturaleza muerta y una posible
genealogía femenina en torno al subgénero virtuosismo alcanzado por estas
artistas, del bodegón con insectos, fruto de una concepción ecológica no
mecanicista a cargo de artistas-científicas como la alemana María Sibylla
Merien. Se presenta con otras pintoras italianas y centroeuropeos del siglo
XVII, como Fede Galizia, Giovanna Garzoni o Clara Peeters, y francesa y
británicas como Louise Moillon o Mary Beale. Un conjunto de pinturas que no
solo muestran al virtuosismo alcanzado por etas artistas, sino también su
capacidad de observación y sus conocimientos científicos.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyD-yUnhUUli55LlbCdcEosfE6zQt37W6JfseperrxJy269TpTFlgw2fK8YrNO8RUCnIjcTx-n9vgkwI51GrObACdeDoCy9A2MZ_96MagobOD1T3upiPu5ZeK55pZqX5enYupLZUKnaqmVQWvFeuzyrAd07m3gqhsqBhnyzoaKYg5zn63d27gs8VOmIA/s4892/4%20Peeters_Bodeg%C3%B3n_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3472" data-original-width="4892" height="454" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiyD-yUnhUUli55LlbCdcEosfE6zQt37W6JfseperrxJy269TpTFlgw2fK8YrNO8RUCnIjcTx-n9vgkwI51GrObACdeDoCy9A2MZ_96MagobOD1T3upiPu5ZeK55pZqX5enYupLZUKnaqmVQWvFeuzyrAd07m3gqhsqBhnyzoaKYg5zn63d27gs8VOmIA/w640-h454/4%20Peeters_Bodeg%C3%B3n_1.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Clara Peeters. Bodegón con flores, copa de plata dorada, almendras, frutos secos, dulces, panecillos, vino y jarra de peltre, 1611 (Still Life with Flowers, a Silver-gilt Goblet, Almonds, Dried Fruit, Sweetmeats, Bread sticks, Wine and a Pewter Pitcher) Óleo sobre tabla, 52 × 73 cm. Museo Nacional del Prado, Madrid</span></div></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Ilustradas
y académicas:</span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En
este capítulo la Ilustración en Francia fue la época de las salonnières -anfitrionas
de reuniones culturales y artísticas, muchas de ellas convertidas en auténticas
mecenas y participantes activas del debate cultural- y su compañerismo con
intelectuales y artistas. Además, el mecenazgo de Maria Antonieta y la Mesdames
tuvo una gran influencia para el reconocimiento, incluso académico, del valor
de la producción artística femenina, que se cetra en el género del retrato,
tanto en pintura como escultura, en pintura de género y en escenas neoclásicas,
mostrando una pluralidad de roles femeninos de intenso acento teatral. Lo vemos
a través de la obra creadoras británicas, francesas y españolas de antes y
después de la revolución francesa (1770-1850), como Angelica Kauffmann, Adélaï
Labille- Guiard, Vigée-Le Brun o Victoria Martín Barhié, entre otras. Un protagonismo
que acabaría con la expulsión de las académicas a partir de la reforma de
Bonaparte en Francia (1804), por el que las mujeres son definitivamente
excluidas de muchos derechos, además del de la fallida Revolución. Un modelo
excluyente que llegaría a importarse también en España y resto de Europa.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQzBo2ElzdmZbFCkmpoJ831oVI4vn6oxvu1vBc4mLRoWHs57cdZMedcWzl3ffZz5lHk0y8IaILiAS0Mnz-LtkKksXkMx30fE4SDuxucOoA1kGRUwR0hXHv2_EPbcQs9LU1gtGDiZoVOFwAyl2G4w6Q5C1xMlicKmzAREFLA8Yo4rsm3WicT4AKkGGi4Q/s4655/5%20VigeeLeBrun_LadyHamilton_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4655" data-original-width="3672" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiQzBo2ElzdmZbFCkmpoJ831oVI4vn6oxvu1vBc4mLRoWHs57cdZMedcWzl3ffZz5lHk0y8IaILiAS0Mnz-LtkKksXkMx30fE4SDuxucOoA1kGRUwR0hXHv2_EPbcQs9LU1gtGDiZoVOFwAyl2G4w6Q5C1xMlicKmzAREFLA8Yo4rsm3WicT4AKkGGi4Q/w504-h640/5%20VigeeLeBrun_LadyHamilton_1.jpg" width="504" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Louise-Élisabeth Vigée-Le Brun Lady Hamilton como una bacante, hacia 1790-1792 (Lady Hamilton as a Bacchante) Óleo sobre lienzo, 132,5 × 105,5 cm National Museums Liverpool, Lady Lever Art Gallery</span></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Orientalismo/
Costumbrismo:<o:p></o:p></span></i></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Este
capítulo corresponde a la segunda mitad del siglo XIX, en pleno periodo
colonial, los estilos orientalistas y costumbrista alcanzaron una gran
popularidad y fueron muchos los artistas atraídos tanto por lo lejano y exótico
como por lo autóctono y lo rural. En este apartado se pone en valor la
contribución de artistas mujeres al orientalismo y al costumbrismo cómo, frente
al punto de vista masculino, patriarcal, e incluso del “voyeur” colonial, ellas
aportaron experiencias de proximidad con otras mujeres no occidentales. Dotando
de dignidad a los temas y sujetos representados. Lo vemos en la obra de
artistas francesas, estadounidenses y españolas de entre finales del siglo
XVIII y la primera década siglo XX.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Pero a
diferencia de los artistas, pintoras como Henriette Browne y Alejandrina Gessler
de Lacroix pueden entrar en los harenes, deshaciendo los tópicos eróticos
asentados en los salones parisinos. Y artistas españolas como Elena Brockmann
de Llanos y María Blanchard.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizmG2MgJYZA-gVAVmSKcSa0EOTf7Izhkh8Jf5XYR0fMP28nhi-dK9ty-sYIRIXV3Z67RS6UrpcRQ97NLEtOlx3sgvFQ6Ous5Crt6ERDfmeS79iaOwfDe3N1rRf66Q_PaDGAuKRCsJ2AnqSYfM7_q1iwnT6cH8zOZEKq1Pp8t8JvvIbEVG61yqbHfw9cg/s4608/6%20Blanchard_Hermanas.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4608" data-original-width="3212" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizmG2MgJYZA-gVAVmSKcSa0EOTf7Izhkh8Jf5XYR0fMP28nhi-dK9ty-sYIRIXV3Z67RS6UrpcRQ97NLEtOlx3sgvFQ6Ous5Crt6ERDfmeS79iaOwfDe3N1rRf66Q_PaDGAuKRCsJ2AnqSYfM7_q1iwnT6cH8zOZEKq1Pp8t8JvvIbEVG61yqbHfw9cg/w446-h640/6%20Blanchard_Hermanas.jpg" width="446" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">María Blanchard. Las dos hermanas, 1921. (The Two Sisters) Óleo sobre lienzo adherido a tabla, 116,5 × 82,5 cm. Colección de Arte ABANCA</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><i style="text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Trabajos,
cuidados:</span></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Excluidas
de las Academias oficiales, en París, mujeres procedentes de toda Europa y
América estudian en escuelas privadas segregadas y, con telón de fondo de las
reivindicaciones feministas, fundan las primeras asociaciones de artistas
mujeres y el Pabellón de la Mujer en la Exposición Colombiana Mundial de
Chicago, en 1893. En este apartado hemos encontrado ejemplos del realismo y del
idealismo romántico y político de las artistas con sus representaciones de
mujeres trabajadoras. Abarcando el periodo de 1860 a las primeras décadas del
siglo XX. Algunas de las artistas que ilustran este espacio: <i>Las lavanderas
(1882) de Marie-Louise Petiet; El cerezo (1891) de Berthe Morisot; Esposas
despidiendo a los soldados (1937-1938), de Kathe Kollwitz (escultura); Las amas
de casa (1905) de Lluïsa Vidal o La zapatería (h.1911).<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgau2mAnkKQ-lXAfIWvlMrrV-Fy_iuK86iBp6fggIWke5qCwAFUIeexG8sFW7TYAuN08LwDC738mUQiYbul7WTpXdH5LcU_Er1goK1pMNZGdKDPPk5nT-6eKgRvNfKWecqgiQYFHbWm5trAXqinIz-XRq2rXSLjSVw9lfSO2Ph-6paFRuL3ZYGRriAsOA/s4000/7.1%2020231123_164506.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4000" data-original-width="1800" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgau2mAnkKQ-lXAfIWvlMrrV-Fy_iuK86iBp6fggIWke5qCwAFUIeexG8sFW7TYAuN08LwDC738mUQiYbul7WTpXdH5LcU_Er1goK1pMNZGdKDPPk5nT-6eKgRvNfKWecqgiQYFHbWm5trAXqinIz-XRq2rXSLjSVw9lfSO2Ph-6paFRuL3ZYGRriAsOA/w288-h640/7.1%2020231123_164506.jpg" width="288" /></a></div><p></p><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Käthe Kollwitz. Esposas despidiendo a los soldados, 1937-1938 (Wifes waving Goodbye to Soldiers) Bronce, 32,1 × 27,4 × 15,8 cm. Colección privada, Colonia</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH_kQXBHHxoe4UgfmyfofNfUWbIwtYB02hPtqAMlo4fHVu37FWGohdQxw5-xWVPVwXprA4O95-qhyMpplldThs7YWQl1oPF8q6L1gTqxMSUYOmf74yn2RO5vp1Cbt3BN0gr61yxhCBjuwEt5bqEE_xfRhE9d25J1vorkRQ78JFaaUSV5zid6-0SWghAg/s4314/7.2%20Vidal_AmasCasa_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4314" data-original-width="3301" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgH_kQXBHHxoe4UgfmyfofNfUWbIwtYB02hPtqAMlo4fHVu37FWGohdQxw5-xWVPVwXprA4O95-qhyMpplldThs7YWQl1oPF8q6L1gTqxMSUYOmf74yn2RO5vp1Cbt3BN0gr61yxhCBjuwEt5bqEE_xfRhE9d25J1vorkRQ78JFaaUSV5zid6-0SWghAg/w490-h640/7.2%20Vidal_AmasCasa_1.jpg" width="490" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Lluïsa Vidal. Las amas de casa, 1905 (The Housewives) Óleo sobre lienzo, 180 × 139 cm Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona, donación de Francesca Vidal y otros hermanos de la artista, 1935 © Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona, 2023</span></div></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Nuevas
maternidades:</span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
maternidad es uno de los temas más antiguos de la historia del arte. En el
siglo XIX, surge el arquetipo de la mujer como “ángel del hogar” para frenar su
emancipación tema al que se oponen pintoras y escultoras de diferentes
generaciones, estados civiles y estilos artísticos, innovando e invirtiendo los
viejos modelos. Las obras, en este apartado, incluyen esculturas de Käthe
Kollwitz (espléndida escultura “Madre con dos niños”) y Emy Roeder. Pinturas,
de Mary Cassatt, Elizabeth Nourse, Paula Modersohn-Becker o Tamara Lampicka
crean nuevas iconografías que muestran con ternura la dependencia absoluta del
bebé.<o:p></o:p></span></p></div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGX27eyV5UwGl29kFiO7-EPuvlOh82xqeZLBwCd3Ei8wX5bu1SOcHJZEeKRuUfWJMoiWKtEqB-eYM7j73ofoDaVYucx0Upuh9FOFWdxY6kILvngqINTPN6MQBmaP1ecTz-m6ZZt4b9vfvgjBHpsa0rl9-JbETkCMoWcr2I7x8eJtfo8NnSPHgMis3qOg/s4000/8.1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4000" data-original-width="1800" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGX27eyV5UwGl29kFiO7-EPuvlOh82xqeZLBwCd3Ei8wX5bu1SOcHJZEeKRuUfWJMoiWKtEqB-eYM7j73ofoDaVYucx0Upuh9FOFWdxY6kILvngqINTPN6MQBmaP1ecTz-m6ZZt4b9vfvgjBHpsa0rl9-JbETkCMoWcr2I7x8eJtfo8NnSPHgMis3qOg/w288-h640/8.1.jpg" width="288" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Käthe Kollwitz. Madre con dos niños, 1932-1936 (Mother with Two Children) Vaciado H. Noack, Berlín, finales de la década de 1980 Bronce, 78 × 86 × 86 cm. Colección privada, Colonia</span></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLkviSyV0fhc6U8a85Exw_s6N7T3zQ2OQJ9ZJHIgFZhdP_Diskp8g0zUBu9pQVrStMnPw_WAQpeeamcuKc3M57JJnWIir5210AYXiyAbXra8lRHwkGP3jE4WFihmXH27JxW2dBu61b0M7rDBwy4Q2OA6fXZgi7P2oqtw4aqF3vWhlXwHIJZKGEl_4p-Q/s8560/8.2%20Modersohn-Becker_Maternidad.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="8560" data-original-width="6100" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLkviSyV0fhc6U8a85Exw_s6N7T3zQ2OQJ9ZJHIgFZhdP_Diskp8g0zUBu9pQVrStMnPw_WAQpeeamcuKc3M57JJnWIir5210AYXiyAbXra8lRHwkGP3jE4WFihmXH27JxW2dBu61b0M7rDBwy4Q2OA6fXZgi7P2oqtw4aqF3vWhlXwHIJZKGEl_4p-Q/w456-h640/8.2%20Modersohn-Becker_Maternidad.jpg" width="456" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Paula Modersohn-Becker Maternidad, media figura, 1906 (Motherhood, Half Figure) Óleo sobre cartón, 74,5 × 52 cm. Von der Heydt-Museum Wuppertal. Foto: Antje Zeis-Loi, Medienzentrum Wuppertal</span></div></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Sororidad
II. Complicidades<o:p></o:p></span></i></p><div class="separator" style="clear: both;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">¿Qué
piensan? ¿De qué hablan? ¿Qué comparten las jóvenes burguesas cuando están
juntas?<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Las
impresionistas Berthe Morisot, Marie Bracquemond, Louise Breslau y Cecilia
Beaux crean nuevas iconografías de la complicidad, la confianza y la amistad
entre mujeres, expresada en clave melancólica por la escultora simbolista Marie
Cazin. Un mundo privado al margen de la mirada masculina en el que germina el
anhelo de libertad.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsWjNSLIFP2cTjsE6bkQkoT3NOgZ5TCqH4RRz9o0Ljk2yzSuZc7sD2OG5eHTRZ37hXeDTTqxfU71iHTg3AxOzfY_NZ3RQ0B6c2GGvR97cTwb058BxAJMzAwOamwTj82CzoNADIo9mX52C6YbCScuM_ytC9Phafhs5Tw0o9bN-ayLx06yBlZP60J2sg7g/s4665/9%20CeciliaBeaux_Confidencias.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3798" data-original-width="4665" height="522" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjsWjNSLIFP2cTjsE6bkQkoT3NOgZ5TCqH4RRz9o0Ljk2yzSuZc7sD2OG5eHTRZ37hXeDTTqxfU71iHTg3AxOzfY_NZ3RQ0B6c2GGvR97cTwb058BxAJMzAwOamwTj82CzoNADIo9mX52C6YbCScuM_ytC9Phafhs5Tw0o9bN-ayLx06yBlZP60J2sg7g/w640-h522/9%20CeciliaBeaux_Confidencias.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Cecilia Beaux. Confidencias crepusculares, 1888 (Twilight Confidences). Óleo sobre lienzo, 59,7 × 71,1 cm. Georgia Museum of Art, University of Georgia, Athens, adquisición del museo con fondos proporcionados por el William Underwood Eiland Endowment for Acquisitions gracias a M. Smith Griffith y la W. Newton Morris Charitable Foundation</span></div></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; line-height: 150%;"><i>Emancipadas</i>:</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Llegamos
al final del recorrido de esta gran muestra. En el siglo XX, mientras se
consigue el sufragio femenino en la mayoría de los países occidentales, las
artistas más avanzadas del momento continúan abordando iconografías que subraya
la complicidad entre mujeres y sus aportaciones distintivas en los nuevos
lenguajes vanguardistas. Fueron muchas las que participaron activamente en los
movimientos artísticos de vanguardia, artistas reconocidas que triunfaron en
vida y que fueron modelo de fuerza, compromiso, vitalidad, creatividad e
independencia, pero que, tras su muerte o a raíz de acontecimientos históricos
como la Segunda Guerra Mundial o, en el caso de España, la dictadura
franquista, serían eliminadas de la historia. Camille Claudel, Jacqueline
Marvel, Helene Funke, Natalia Goncharova, Frida Kahlo, Ángeles Santos, Sonia
Delaunay Alice Bailly o Maruja Mallo con sus <i>Verbenas</i> que reflejan la
alegría de las ciudadanas tras la conquista del espacio público. Estas son
algunas de las grandes Maestras.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAg38sksLAsrUAWDxBBTAyLqyFtZJYQqeWfL1On7PZKFLOq9fz3TEp0oeE4-LevjnaR4j2ISQIenscateopejlAqrzL24TvK2s3U42n0iNcxfWRq0ZiMObV5PxEmCfCVJq8K3xA-Y2bCyUNalpzrZPvoFfBPsKvN8lqyT03SCQTM6eorpdgmQ3-WwpCA/s4724/10%20FridaKahlo_Ni%C3%B1a_1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4724" data-original-width="3824" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAg38sksLAsrUAWDxBBTAyLqyFtZJYQqeWfL1On7PZKFLOq9fz3TEp0oeE4-LevjnaR4j2ISQIenscateopejlAqrzL24TvK2s3U42n0iNcxfWRq0ZiMObV5PxEmCfCVJq8K3xA-Y2bCyUNalpzrZPvoFfBPsKvN8lqyT03SCQTM6eorpdgmQ3-WwpCA/w518-h640/10%20FridaKahlo_Ni%C3%B1a_1.jpg" width="518" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Frida Kahlo. Niña tehuacana. Lucha María, 1942. (Girl from Tehuacán. Lucha María). Óleo sobre masonita, 54,5 × 43,3 cm. Colección Pérez Simón, México. © Rafael Doniz @ 2023 Banco de México. Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, México, D.F./VEGAP</span></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Tras
su presentación en Madrid, una versión reducida de la muestra podrá verse en el
Arp Museum Bahnhof Rolandseck de Remagen (Alemania).<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/SrkeTbupgfc" width="320" youtube-src-id="SrkeTbupgfc"></iframe></div><p></p><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">© Mariví Otero 2023</div><div class="separator" style="clear: both;"><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">Manuel Otero Rodríguez</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; text-align: left;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;">Fuente:
MAESTRAS. Museo Nacional Museo Thyssen-Bornemisza. Del 31 de octubre de 2023 al
4 de febrero 2024. Departamento de Prensa del Museo: Documentación y
fotografías.<i style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></i></span></p></div></div></div></div><p></p></div>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-32814132087608938152023-12-01T16:52:00.001+01:002023-12-01T18:09:16.118+01:00EQUIPO REALIDAD/ 1966-1976<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7K_iEIgUy1UdvjGnYwXCMqBe0cMCMdt6B8Nj1uGg8ynyGwVoDI2VNl4TxsCxqfX0hVKnODZVytd2cCOB6nIdjEk5xZpohTyo6h_cckrtCjgN9LAyv3_teCvufda8N2fg7Lq0PGDMUzDldy__L3hnAc56BEtDpFhKTF9uEJ1noGKjslpMxC8ybux3fjg/s1351/1%203-2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="746" data-original-width="1351" height="354" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7K_iEIgUy1UdvjGnYwXCMqBe0cMCMdt6B8Nj1uGg8ynyGwVoDI2VNl4TxsCxqfX0hVKnODZVytd2cCOB6nIdjEk5xZpohTyo6h_cckrtCjgN9LAyv3_teCvufda8N2fg7Lq0PGDMUzDldy__L3hnAc56BEtDpFhKTF9uEJ1noGKjslpMxC8ybux3fjg/w640-h354/1%203-2.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Romeo y Julieta
[serie: Crónica de la realidad]
1967
Acrílico sobre táblex
102 x 182 cm</span></div><p></p><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">La
Galería José de la Mano, desde que se fundó hace unos años<span style="mso-spacerun: yes;"> </span>tiene izada la bandera de recuperar <i>arte
entreguerras</i>, una parte de mediados del pasado siglo. Ya estamos en la
recién inaugurada muestra dedicada al EQUIPO REALIDAD lo fundaron los artistas
valencianos: Jorge Ballester (1941-2014) y Joan Cardells (1948-2019), en el contexto
de la última década de la dictadura franquista, impulsados por un fuerte
compromiso social y político. Entre 1966 y 1976 desarrollaron en sus obras una
actividad crítica y de gran carga satírica sobre la imagen de la realidad
española. Como más arriba indicamos, la Galería José de la Mano, en su labor de
reivindicar la trayectoria de artistas que trasgredieron la escena artística a
finales de los 60 y principio de los 70, presenta la primera exposición
individual dedicada al Equipo Realidad en la España Democrática.</span></p><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8Zj-cmcHWfup9gFNdNOou2-Qx3e3jhsdZdNWfJr0ie6-nlVQJSkReLnp7wGb1RX3I4cJ-gFDA_nMiyNIxX5spWju7NmWoI-IbRuIkIYpiBEVHMYhAI-4Hy2hCIE6RCwFeJWj4xFkcK31rxYTg8DK-ejV0mSCv2-1go8m-SmDk3oUdBsGVpirtTxwyTA/s980/2%2010-1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="978" data-original-width="980" height="638" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8Zj-cmcHWfup9gFNdNOou2-Qx3e3jhsdZdNWfJr0ie6-nlVQJSkReLnp7wGb1RX3I4cJ-gFDA_nMiyNIxX5spWju7NmWoI-IbRuIkIYpiBEVHMYhAI-4Hy2hCIE6RCwFeJWj4xFkcK31rxYTg8DK-ejV0mSCv2-1go8m-SmDk3oUdBsGVpirtTxwyTA/w640-h638/2%2010-1.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Legionarios ante un “junker” en su vuelo ÁfricaSevilla en 1936
1974
Litografía
70,5 x 68,5 cm</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">En
palabras de los artistas: <i>“Consideramos que la obra de arte es producto
cultural que debe responder a su momento histórico y estar comprometida con el
sentido de la perspectiva y del progreso moral”<o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMyzb0XS3ewNDroEDA4KbOmSs0uK3vsxRObQ11pEh_NOANmocrDyqYjm3rr1x43_KrWEUgoiV0jHx5tIbB7ZmHWuaCFdl5ZDkb-sw5dEpoSX1BLP5VOaIUpr4J909h5_kCGe9cCSl9s5R-RXqbMnE7oMyah1vLfsIhLoVGrrZT9C4jeKOBA4dPvIGR7w/s983/3%2013-1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="983" data-original-width="981" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiMyzb0XS3ewNDroEDA4KbOmSs0uK3vsxRObQ11pEh_NOANmocrDyqYjm3rr1x43_KrWEUgoiV0jHx5tIbB7ZmHWuaCFdl5ZDkb-sw5dEpoSX1BLP5VOaIUpr4J909h5_kCGe9cCSl9s5R-RXqbMnE7oMyah1vLfsIhLoVGrrZT9C4jeKOBA4dPvIGR7w/w638-h640/3%2013-1.jpg" width="638" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Vista [del Hospital Clínico] de la Ciudad Universitaria
de Madrid en 1937
1974
Litografía
70,5 x 68,5 cm</span></div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Ballester
y Cardells, en su primera etapa estuvieron muy ligados al revolucionario
espíritu de cambio que había aflorado en el ámbito universitario de toda Europa,
auspiciado por las protestas estudiantiles de MAYO del 68 en París. Colaboraron
con el grupo Estampa Popular de Valencia en actividades políticas y culturales,
diseñando las portadas de diferentes revistas universitarias, entre las que
destaca <i>A Colps (1966)</i>, de la que se muestra una serigrafía en la
exposición por la que estamos caminando.<o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Debido
a la censura cultural que existía en nuestro país los artistas decidieron
trasladarse unos meses a Milán para producir nueva obra con más libertad, y
realizaron varias exposiciones, en Italia entre 1969 y 1970. A su vuelta
regresaron a Valencia, donde se instalaron definitivamente y empezaron a
trabajar en exclusiva con la Galería Punto en 1972.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy7Mh9NnXSj9GkQzE3ZHGqZR7tWCgAO8AkKKkEqdU4P1OmPEQdc7gbSwQMLTFmYaDBhYYtC1kKdlWQH1SaLbflww2Ext83CUbI8pbKBi1qZ2gE9byeiRi4qFUnXTsZdv934aw9vnM-ckenQT6rCdmha7bbrAMaVz-O4srLS9fkD62qJpfkFddEmIUMzw/s984/4%2015-1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="984" data-original-width="669" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgy7Mh9NnXSj9GkQzE3ZHGqZR7tWCgAO8AkKKkEqdU4P1OmPEQdc7gbSwQMLTFmYaDBhYYtC1kKdlWQH1SaLbflww2Ext83CUbI8pbKBi1qZ2gE9byeiRi4qFUnXTsZdv934aw9vnM-ckenQT6rCdmha7bbrAMaVz-O4srLS9fkD62qJpfkFddEmIUMzw/w436-h640/4%2015-1.jpg" width="436" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">A Colps…
[portada de la Revista de los Estudiantes de Filosofía
y Letras de Valencia]
Enero 1968
Serigrafía
31,8 x 21,8 cm</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">La
obra del Equipo Realidad se presentó por primera vez en Madrid, en 1973. La
Galería Ynguanzo inauguró una gran muestra con piezas de todas sus series: <i>Hogar,
Dulce hogar (1972-1973), Retrato del retrato de un retrato (1972), Del antiguo
y ropajes (1972), y hazañas bélicas o cuadros de historia (1973-1976), </i>de
las que encontramos señalados ejemplos en la actual exposición. El más
significativo es el óleo que preside la muestra: <i>Richelieu
transnacionalizado II (1972) de la serie Del antiguo y ropajes, donde Ballester
y Cardells hacen una crítica mordaz al poder. Richelieu (inspirado en el cuadro
de Philippe de Champaigne) aparece en la escena como una figura ausente y
despersonificada. Los artistas únicamente han retratado una de sus manos y
parte de su capa, sobre las que han superpuesto los colores de la bandera de
España creando un momento incómodo, asociado al concepto de patria y a la
situación político-religiosa de la dictadura. <o:p></o:p></i></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj69eQu77V8QeNlPoc9mFHcxpLMyOdMKM4nzDWo5UmqiVqWtAAiU1FwgF48gletsUjoVW52rXFc8koI_O7XhSUFwFhFiIQY7v-IEqREV-1tBxmCTDV0gFqs2ipIbvFDOaDm2VuasBacfPvc1MWIZvGuldGMWFEBP13DD-ce7XyKSXrdTeGo2mi-xkAABQ/s982/5%201-2.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="982" data-original-width="977" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj69eQu77V8QeNlPoc9mFHcxpLMyOdMKM4nzDWo5UmqiVqWtAAiU1FwgF48gletsUjoVW52rXFc8koI_O7XhSUFwFhFiIQY7v-IEqREV-1tBxmCTDV0gFqs2ipIbvFDOaDm2VuasBacfPvc1MWIZvGuldGMWFEBP13DD-ce7XyKSXrdTeGo2mi-xkAABQ/w636-h640/5%201-2.jpg" width="636" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Richelieu transnacionalizado II
[serie: Del antiguo y ropajes]
1972
Óleo sobre lienzo
140 x 140 cm</span></div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Ballester
y Cardells critican sutilmente el -modelo de comportamiento oficial- y los
convencionalismos de la clase media española del régimen a través de sus casas
en la serie<i> Hogar, dulce hogar, en obras, como Rinconcito Tropical (1973).<o:p></o:p></i></span></p><div class="separator" style="clear: both;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">La
última y más extensa serie del Equipo Realidad es <i>Hazañas bélicas a Cuadros
de historia, realizada a partir de las fotografías de la Guerra Civil</i> que
se publicaron en una enciclopedia popular argentina en 1966, en España había
muy poca documentación sobre la guerra. Los artistas seleccionaron las imágenes
de mayor potencial visual, presentando especial atención a los paisajes y
edificios emblemáticos que habían sido escenarios del combate. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">En la
galería se exhiben dos óleos <i>Paisaje urbano: Vista del Alcázar de Toledo
durante el asalto en septiembre de 1936 (1974) y Paisaje: La sierra de Caballs
bombardeada por las tropas de Yagüe y García Valiño en 1937 (1973).</i> Y
varias piezas de obra gráfica, como <i>Reconocimiento del cadáver de Calvo
Sotelo por el juez de la guardia y el médico forense en el cementerio de la
Almudena de Madrid en julio de 1936 (1974). Esta imagen fue la que se utilizó en
el cartel de la exposición individual que se celebró sobre esta serie en la
Sala Vinçon de Barcelona en 1974.<o:p></o:p></i></span></p></div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgq5k35nccZ5IBoA9Wzqm3M4Lm1UwrssuRVzvlISsKm0fAdKtqnKyCesjXxOcDC06kFKh5QkTUpTySm0oFBcQNxMZzrAy6sf_SADo2qGaczY06euWtll5hZqK7TS_lHqeNjq54qiEvUe9ycY9-P2xPkju7az0OMfA72ETI5-Ne2m3zazJAz6zToG4-UjQ/s982/6%207-8.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="982" data-original-width="684" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgq5k35nccZ5IBoA9Wzqm3M4Lm1UwrssuRVzvlISsKm0fAdKtqnKyCesjXxOcDC06kFKh5QkTUpTySm0oFBcQNxMZzrAy6sf_SADo2qGaczY06euWtll5hZqK7TS_lHqeNjq54qiEvUe9ycY9-P2xPkju7az0OMfA72ETI5-Ne2m3zazJAz6zToG4-UjQ/w446-h640/6%207-8.jpg" width="446" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">El rinconcito tropical
[serie: Hogar, dulce hogar]
1973
Serigrafía
99,5 x 70 cm</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Un año
después de la disolución del Equipo Realidad en 1976, tras el fin de la
dictadura, la Galería Joan Prats les dedico una exposición individual.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Temas
como la represión política, la guerra, el poder, el consumismo, el rol de la
mujer en la sociedad y la función del arte son tratados en la selección de
pinturas de gran formato y obra gráfica reunidas en esta espléndida exposición.
<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face=""Arial",sans-serif" style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Han
tenido que pasar unos cuarenta y cinco años para que su legado volviese a la
actualidad, para que la escena artística actual comience a valorar su
aportación crucial al arte español de la segunda mitad del siglo XX.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheDISvc0nUCuwOLoo9a4bt8aijAliBAY4ZUovRsOjjhOBN-In_XmODIVxmylh_IjdZFu2C1nzZf-DCvWKRloYOK0ArJCKeVqABWU4U_yPZThLsap-5cghWnCYJNIiAtcF2obKBVBJr4BE39Z1RhkI0nul0yAAIGYR9z_VcSPkDl7Pnheu3IQQUukNe8Q/s982/8%2012-1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="978" data-original-width="982" height="638" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEheDISvc0nUCuwOLoo9a4bt8aijAliBAY4ZUovRsOjjhOBN-In_XmODIVxmylh_IjdZFu2C1nzZf-DCvWKRloYOK0ArJCKeVqABWU4U_yPZThLsap-5cghWnCYJNIiAtcF2obKBVBJr4BE39Z1RhkI0nul0yAAIGYR9z_VcSPkDl7Pnheu3IQQUukNe8Q/w640-h638/8%2012-1.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Composición: Reconocimiento del cadáver de Calvo
Sotelo por el juez de guardia y el médico forense en
el cementerio de la Almudena de Madrid en julio de
1936
1974
Litografía
70,5 x 68,5 cm</span></div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;"><br /></div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">© Mariví Otero 2023</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">Manuel Otero Rodríguez</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; text-align: left;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span face="Arial, sans-serif" style="line-height: 150%;">Fuente:
Equipo Realidad/ 1966-1976. Galería José de la Mano. Del 23 de noviembre 2023
al 14 de enero 2024. Documentación y fotografías de la galería: gran trabajo de
Marina Fertré y Alberto Manrique.<span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></span></p></div></div><p></p></div></div>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-25440465665929667702023-11-17T17:59:00.000+01:002023-11-17T17:59:49.348+01:00ANTES DE AMÉRICA. Fuentes originarias en la cultura moderna<p><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXVBXlJeRcOybJbfjFzkLUMW6II8MRrrRAhUmtfcln0pUb5sMjTCHKJQvXRREeaNmzCjd2CqozloSPsRfcEr-MOCYtz0lpOhZCVvxdr5RBGYuiJDk08mzBuuPO05Kdw5mHtxoAvVn5viRRmLqFw_X_BP5z1eHHsj4Pz3RxO-UZCD_Z28VHtdqgpZeNgQ/s4000/1%2020231106_133948.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1800" data-original-width="4000" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXVBXlJeRcOybJbfjFzkLUMW6II8MRrrRAhUmtfcln0pUb5sMjTCHKJQvXRREeaNmzCjd2CqozloSPsRfcEr-MOCYtz0lpOhZCVvxdr5RBGYuiJDk08mzBuuPO05Kdw5mHtxoAvVn5viRRmLqFw_X_BP5z1eHHsj4Pz3RxO-UZCD_Z28VHtdqgpZeNgQ/w640-h288/1%2020231106_133948.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Fotografía: Mariví Otero</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;">En la
Fundación Juan March visitamos la exposición: </span><i style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;">Antes de América</i><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;">, que
propone una lectura amplia de las seiscientas obras y objetos expuestos, que
abarcan la pintura, la ilustración, la fotografía, la producción textil, las
artes decorativas o la arquitectura. “Muchos de ellos no habían aparecido con
anterioridad en publicaciones especializadas, ni figurado en exposiciones, y
han aparecido alejados del centro de atención incluso en sus propios lugares de
origen”, explica Rodrigo Gutiérrez Viñuales (comisario de la muestra,
catedrático de Arte Latinoamericano en la Universidad de Sevilla) en el texto
introductorio del catálogo.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj_ykgjwG1QvXyt9JU32fEsgdWlz5ymW56xWihdkUtg_2hak45ceskqfkIZzDscLBsAePWDGALEkugDn6FubYYXMZXrjkuIAbo3tmuLCaLDygvii9tyEonXl1Gp2soxunsK6ZvigTJi1H2PIBXor_22w4n-Ds3Tc4hZpC96MJUtG16txTNDNAPV12BOQ/s6720/2%20%C2%A9%20Dolores%20Iglesias%20-%20Fundaci%C3%B3n%20Juan%20March.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4480" data-original-width="6720" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgj_ykgjwG1QvXyt9JU32fEsgdWlz5ymW56xWihdkUtg_2hak45ceskqfkIZzDscLBsAePWDGALEkugDn6FubYYXMZXrjkuIAbo3tmuLCaLDygvii9tyEonXl1Gp2soxunsK6ZvigTJi1H2PIBXor_22w4n-Ds3Tc4hZpC96MJUtG16txTNDNAPV12BOQ/w640-h426/2%20%C2%A9%20Dolores%20Iglesias%20-%20Fundaci%C3%B3n%20Juan%20March.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">© Dolores Iglesias - Fundación Juan March</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">El
recorrido por la exposición comienza en los inicios del siglo XIX. <i>Registro
y reinterpretación 1790-1910. </i>Desde el espíritu enciclopédico de finales
del XVIII, las culturas europeas alimentaron el hambre por conocer territorios
que aún eran desconocidos. Las expediciones científicas, propias de la época de
la Ilustración, se enriquecerán con la sublimación romántica del viaje como experiencia,
que encontrará en el continente americano un territorio enormemente atractivo.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Aquellas
expediciones supusieron el registro de conjuntos arquitectónicos y de objetos
anteriores a la “invención” de América, mediante el dibujo, la estampa y la
fotografía. Esas expediciones también serían ocasión para el acopio, la compra
o el expolio de objetos y documentos (y en algunos casos de su falsificación)
y, por tanto, del incremento de colecciones públicas y privadas.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuKH2Q8uPvDkdQ9N6wxGqW1S6uzeVUOOCtpyr6c4jiiYZA_MxxPpnfp2F8P4aI-dXHgghG1d-cXBMHE9Bzwv1-OZckWvzbhsNFsvUIq3kUbU69PmeJuYG3RbgMGawzW_zXjON-O6PKZENiaHCfamDTj5HMFXrJdAOP3z2KhRuwLbF3oVuFm0T0myGDcw/s5849/3%20%C2%A9%20Dolores%20Iglesias%20-%20Fundaci%C3%B3n%20Juan%20March%20(3).JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4084" data-original-width="5849" height="446" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuKH2Q8uPvDkdQ9N6wxGqW1S6uzeVUOOCtpyr6c4jiiYZA_MxxPpnfp2F8P4aI-dXHgghG1d-cXBMHE9Bzwv1-OZckWvzbhsNFsvUIq3kUbU69PmeJuYG3RbgMGawzW_zXjON-O6PKZENiaHCfamDTj5HMFXrJdAOP3z2KhRuwLbF3oVuFm0T0myGDcw/w640-h446/3%20%C2%A9%20Dolores%20Iglesias%20-%20Fundaci%C3%B3n%20Juan%20March%20(3).JPG" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">© Dolores Iglesias - Fundación Juan March</span></div><p></p></div><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
segunda sección <i>Reinterpretación e identidad 1910-1940</i> de la muestra,
responde a las primeras décadas del siglo XX. Durante ellas, en América, se
produjeron un retorno a “lo primitivo” como paradigma de la modernidad. Los
centenarios de las independencias y la Primera Guerra Mundial potenciaron el
cuestionamiento de lo europeo como unidad de medida universal y se reforzó la
dimensión de las identidades americanas.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En
este contexto se producirá un auge de las escuelas de artes y oficios que
conectaron lo artesanal a las llamadas bellas artes. En esta sección se
incluyen diseños de Lasar Segall (Brasil), objetos de Edelmira Flores Ortega
(Argentina), fotografías de Horacio Coppola o Man Ray, acuarelas de Vicente do
Rego Monteiro y diseños textiles de Elena Izcue.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGy6INOlDrveKIQfgllHgcTuCUUoXMfxaG2qlkD_JbZdLafYchgG_3VfSjJmRiBuG2RYnydlIzDXI53aGKieIJCnf6byBl4W_X5pEX9aqyh3grYLVH0vy62HJjpQLbqW-meixDlfk7chLmDgP1Z-GnK_cL-ZZ8w3yaLUWLt9R8uMvWKZ6e5qjOjDkfGg/s1312/4%20Antes-de-America-1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="920" data-original-width="1312" height="448" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgGy6INOlDrveKIQfgllHgcTuCUUoXMfxaG2qlkD_JbZdLafYchgG_3VfSjJmRiBuG2RYnydlIzDXI53aGKieIJCnf6byBl4W_X5pEX9aqyh3grYLVH0vy62HJjpQLbqW-meixDlfk7chLmDgP1Z-GnK_cL-ZZ8w3yaLUWLt9R8uMvWKZ6e5qjOjDkfGg/w640-h448/4%20Antes-de-America-1.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Gonzalo Leguizamón Pondal y Alberto Gelly Cantillo, Viracocha. Dibujos decorativos americanos. Cuaderno n.º 1, Buenos Aires: Pegoraro Hnos. Impresores, 1923, 20 x 28,9 cm, colección MLR, Granada</span></div><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">El
recorrido prosigue en <i>Identidad e invención 1940-1970, </i>en los años
centrales del siglo XX, que experimentaron diversas y ricas simbiosis entre las
formas geométricas precolombinas y algunos de los lenguajes de las vanguardias.
El caso paradigmático es el trabajo artístico y pedagógico del uruguayo Joaquín
Torres García. Él y sus discípulos en Montevideo se propusieron recuperar el
profundo fondo simbólico de lo precolombino y redescubrir la intención
originaria de los creadores del pasado yendo más allá del formalismo que había
caracterizado buena parte de las propuestas artísticas internacionales de los
años veinte. En esta sección se incluyen obras de Joaquín Torres García y su
Taller (Uruguay) también se expone una obra del artista español Luis
Castellanos (Madrid, 1915-1946), titulada “<i>Composición</i>, 1934” tinta
sobre papel 30x25 cm. O de Lygia Pepe (Brasil), María Freire (Uruguay) o
Gunther Gerszo (México).<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJeljehzCcPH4fKdiT_T5_cPdEMBjOFhyphenhyphen8kaSBqTglG93QfMGha9xsdKP8YDZb4mIICmZZlIprfHUUOctxDBkFMNXJdNKYWwVDG6q73TY0_v5M2exlIdrOODPem_iQofAnbWDYH56ErR7ZgSymjonbdIGWTkLID-d8rke2Hyz1JwEixJHHDT_rZpSsVA/s6720/5.1%20%C2%A9%20Dolores%20Iglesias%20-%20Fundaci%C3%B3n%20Juan%20March%20(2).JPG" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4480" data-original-width="6720" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJeljehzCcPH4fKdiT_T5_cPdEMBjOFhyphenhyphen8kaSBqTglG93QfMGha9xsdKP8YDZb4mIICmZZlIprfHUUOctxDBkFMNXJdNKYWwVDG6q73TY0_v5M2exlIdrOODPem_iQofAnbWDYH56ErR7ZgSymjonbdIGWTkLID-d8rke2Hyz1JwEixJHHDT_rZpSsVA/w640-h426/5.1%20%C2%A9%20Dolores%20Iglesias%20-%20Fundaci%C3%B3n%20Juan%20March%20(2).JPG" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">© Dolores Iglesias - Fundación Juan March</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhI14RRkf-N2mo9FCkVJxgWoGRbFmEpJg-q8rrbiyCHlsnqbgopjatIdNs2QM9h1swA5C0Yxu8B_PBjlgxHTB64_FJ8nnS8gOEvoKI2X_60H2A_HvtcLIKWdJC9dzPa_bn70HHkDLMy-BWsy-WhBavj-qf6_Z1MviT1r9mnwli5w8VxKG1Pmr2aPA_zzw/s4000/5.2%2020231106_141119.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4000" data-original-width="1800" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhI14RRkf-N2mo9FCkVJxgWoGRbFmEpJg-q8rrbiyCHlsnqbgopjatIdNs2QM9h1swA5C0Yxu8B_PBjlgxHTB64_FJ8nnS8gOEvoKI2X_60H2A_HvtcLIKWdJC9dzPa_bn70HHkDLMy-BWsy-WhBavj-qf6_Z1MviT1r9mnwli5w8VxKG1Pmr2aPA_zzw/w288-h640/5.2%2020231106_141119.jpg" width="288" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Luis Castellanos (Madrid 1915 - 1946)"Composición" 1934. Tinta sobre papel. 30 x 25cm. Colección Guillermo de Osma. </span></div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
última sección de la exposición <i>Invención y conceptualismos</i> <i>1970-2023</i>,
corresponde al último medio siglo, testigo de la pervivencia y la
transformación de propuestas desarrolladas en las décadas anteriores. También,
de contribuciones novedosas y proyectos de carácter intelectual que manifiestan
la vigencia actual del paradigma amerindio.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">El denominador
común de muchas de estas obras es la diversidad de ideas estética y proyectos
en pintura, escultura, dibujo, obra gráfica, arquitectura, cine, fotografía,
cerámica, instalaciones, videoarte, arte conceptual e instalaciones, prácticas
performativas o trabajo textil. Se exponen obras de Roberto Matta (Chile). Roy
Lichtenstein (Estados Unidos), Francisco Toledo (México), Vik Muniz (Brasil),
Ana Mendieta (Cuba), Lika Mutal y Emilio Rodríguez Larraín (Perú) Nadin Ospina
(Colombia).<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBaVVa6TgjEVlzvD6m4XYM5FDrSQAz2E-wbiSKXSRlK_t5EWKN5DY4DAXZqGofnB6o7zdOB7JTwP5QgfaVeEh9T04vru_HDZRnAObPbD08usCykPe6RdJfXVsZFQGDkupKICafWozYKL6eLhctpEczU8rS-uuM6AwW5nynOLtbmlW8GiOHhdelfNkuvg/s6720/6.1%20%C2%A9%20Dolores%20Iglesias%20-%20Fundaci%C3%B3n%20Juan%20March%20(11).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4480" data-original-width="6720" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBaVVa6TgjEVlzvD6m4XYM5FDrSQAz2E-wbiSKXSRlK_t5EWKN5DY4DAXZqGofnB6o7zdOB7JTwP5QgfaVeEh9T04vru_HDZRnAObPbD08usCykPe6RdJfXVsZFQGDkupKICafWozYKL6eLhctpEczU8rS-uuM6AwW5nynOLtbmlW8GiOHhdelfNkuvg/w640-h426/6.1%20%C2%A9%20Dolores%20Iglesias%20-%20Fundaci%C3%B3n%20Juan%20March%20(11).jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: small;">© Dolores Iglesias - Fundación Juan March</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3_KCRawG8YdU1oNG6gDYL_s-tfaWTgOtXDGKPdSEKCSLHhegh5II3I4ZmZQynO0ZnfKbsWbhC5aGpbDt8XVa5nXKeFPVPxlTiJ8VNwVh_nLNyLkjcBohkAIb2mQR1HG3sg53naRkn_AQAFEgyeUwxVBsqgN8dbIlHqXJuQCX6crpzGLAfvj-DYN0Iqw/s2578/6.2%2032501.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2575" data-original-width="2578" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3_KCRawG8YdU1oNG6gDYL_s-tfaWTgOtXDGKPdSEKCSLHhegh5II3I4ZmZQynO0ZnfKbsWbhC5aGpbDt8XVa5nXKeFPVPxlTiJ8VNwVh_nLNyLkjcBohkAIb2mQR1HG3sg53naRkn_AQAFEgyeUwxVBsqgN8dbIlHqXJuQCX6crpzGLAfvj-DYN0Iqw/w640-h640/6.2%2032501.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">María Freire, <i>Sudamérica</i>, 1958, óleo sobre lienzo,
100 x 100 cm, Juan Carlos Maldonado Art Collection</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p></div><span style="line-height: 150%;"><p class="MsoNormal" style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-size: 14pt;">Al
final de la exposición supone volver al principio: regresar al tiempo de las
exposiciones del siglo XIX, del acopio de objetos, de su diáspora más allá de
las propias fronteras y de su descontextualización. Dicho retorno es posible
gracias a un montaje en el que conviven cerámicas y otros objetos
contemporáneos con piezas antiguas que forman parte de aquel proceso. Algunas
de las creaciones actuales cuestionan aquellas prácticas y las denuncian, y
reconectan así el mensaje último de la muestra con el planteamiento al inicio.</span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdX043FYYM6QPL1ije66kHSMWwzfEV5diLr6HG8X6MOr8qNST7KZs5hf2Z3DdjL1aC3WpwsZWgMYMSwJGANawWzlci2U9MPmqvetRf2kOsaKNtFjnO-pS7ZBe1eOL05iV_AhAm7bKholqutD3GUAgYiUsjXgzCLLLQJACtchr8uLpuNZflsf1YEP5dgA/s6720/7%20%C2%A9%20Dolores%20Iglesias%20-%20Fundaci%C3%B3n%20Juan%20March%20(9).jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="4480" data-original-width="6720" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdX043FYYM6QPL1ije66kHSMWwzfEV5diLr6HG8X6MOr8qNST7KZs5hf2Z3DdjL1aC3WpwsZWgMYMSwJGANawWzlci2U9MPmqvetRf2kOsaKNtFjnO-pS7ZBe1eOL05iV_AhAm7bKholqutD3GUAgYiUsjXgzCLLLQJACtchr8uLpuNZflsf1YEP5dgA/w640-h426/7%20%C2%A9%20Dolores%20Iglesias%20-%20Fundaci%C3%B3n%20Juan%20March%20(9).jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; text-align: center;"><span style="font-family: "Times New Roman"; font-size: small;">© Dolores Iglesias - Fundación Juan March</span></div><div class="separator" style="clear: both; font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; text-align: justify;"></div><p style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;"></p><p class="MsoNormal" style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Antes
de América </span></i><span style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">es un ejercicio curatorial comparativo entre
los objetos contemporáneos y las piezas antiguas que han sido objeto de
interpretación, apropiación y reinterpretación en los últimos dos siglos. Estas
prácticas apuntan a que, como escribió Torres García, “<i>ninguna cultura debe
repetirse, pero sí continuarse”</i>.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8X40VPcayhEysWx5q1o_peU7kcWwykg1lUvRrJm67gE7YyEwZdCEORaJfU-Ig3JXZvvvEGZoJw_ubQ0aS04B1qqiFgO1wLun3-jqChQ0ZvzOpIFX3xHFpZi_ij6YDZGKU4q5AALxkB2x7LXPSE4pjzXuDW5kXcfyIG-OqvP_lHksoMkRktQ8dnN0_tw/s5092/8%2033384%20a.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3576" data-original-width="5092" height="450" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8X40VPcayhEysWx5q1o_peU7kcWwykg1lUvRrJm67gE7YyEwZdCEORaJfU-Ig3JXZvvvEGZoJw_ubQ0aS04B1qqiFgO1wLun3-jqChQ0ZvzOpIFX3xHFpZi_ij6YDZGKU4q5AALxkB2x7LXPSE4pjzXuDW5kXcfyIG-OqvP_lHksoMkRktQ8dnN0_tw/w640-h450/8%2033384%20a.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: x-small;">Nadín Ospina, Rescate, 2016, aluminio policromado, edición 1/7, 17 x 22 x 8 cm, colección del artista</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;"><br /></div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">© Mariví Otero 2023</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">Manuel Otero Rodríguez</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; text-align: left;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;">Fuente:
<i>Antes de América</i>. Fuentes originarias en la cultura moderna. Fundación
Juan March. 6 de octubre 2023 al 10 de marzo de 2024. Comunicación y
experiencia, Ana Ramírez García-Mina: Documentación y fotografías.<span style="font-size: 12pt;"><o:p></o:p></span></span></p></div></div><p style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;"><p style="font-family: "Times New Roman"; font-size: medium;"></p><p class="MsoNormal" style="font-family: "Times New Roman"; font-size: medium; line-height: 24px; text-align: justify;"></p></div></span><p></p></div></div><p></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-76213742532729866682023-11-03T18:24:00.000+01:002023-11-03T18:24:50.964+01:00BEN SHAHN. De la no conformidad<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuvjyjnKECtGJbwp6QhnAAgu2pGZY6EvTq4sOCVrHlPEcm5TgNB-ms4lXAwAMXEMI3PGri0wGLZAxAtnd3XnuuymhuEqoBN-2izJEprjFakkoNZ4wPaTRN-BnGpoI5UQpLDes_5o2nFfsNk1A_CDqekvKjYeQW5HdU2E96MyvxLCI_q6-L9-GxGhNG7Q/s6512/1%20_x8a6051.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2832" data-original-width="6512" height="278" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuvjyjnKECtGJbwp6QhnAAgu2pGZY6EvTq4sOCVrHlPEcm5TgNB-ms4lXAwAMXEMI3PGri0wGLZAxAtnd3XnuuymhuEqoBN-2izJEprjFakkoNZ4wPaTRN-BnGpoI5UQpLDes_5o2nFfsNk1A_CDqekvKjYeQW5HdU2E96MyvxLCI_q6-L9-GxGhNG7Q/w640-h278/1%20_x8a6051.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Llegamos
al Museo Nacional Reina Sofía, al encuentro por segunda vez, de la espléndida
exposición del artista Ben Shahn (Kaunas, Lituania, 1898- Nueva York, 1969), es
la primera retrospectiva en España y la primera antológica suya que se realiza
en Europa desde 1963. Comisaria, Laura Katzman. Organizada por el Museo Reina
Sofía. Reúne cerca de 200 obras procedentes de 50 museos (entre ellos el Museo
Whitney y el Moma de Nueva York), galerías. Archivos y colecciones privadas de
Estados Unidos y de España, así como abundante material documental y
fotografías originales del Smithsonian Institution’s Archives of American Art y
el Harvard Art Museums.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMC9fayqOMVHTRnDfvRy_mNTiQ9BYggB6yMyY29KvkqMkf1WYlGy_qpgViN3N9eYqLi3wa4MLMWC6yAUEE-s5xUS4JSkPkIeao8YpJVmI6b_Aotjz1dIXbujkjeEyh1wLPhpaQXEXtMMtPk5O-0LQqIFvULVAemLAyzXz2dVRY222vRSPohneNG3EtWw/s892/2%2006-ben_shahn.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="819" data-original-width="892" height="588" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgMC9fayqOMVHTRnDfvRy_mNTiQ9BYggB6yMyY29KvkqMkf1WYlGy_qpgViN3N9eYqLi3wa4MLMWC6yAUEE-s5xUS4JSkPkIeao8YpJVmI6b_Aotjz1dIXbujkjeEyh1wLPhpaQXEXtMMtPk5O-0LQqIFvULVAemLAyzXz2dVRY222vRSPohneNG3EtWw/w640-h588/2%2006-ben_shahn.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Ben
Shahn, reconocido como uno de los grandes representantes del realismo social
estadounidense y como un acérrimo defensor de la justicia social, la exposición
repasa el polifacético trabajo de este inmigrante de clase trabajadora de una
familia judía, quien se preocupó de los asuntos trascendentales de la historia
del siglo XX, como la Gran Depresión y el New Deal en estados Unidos; el
ascenso del fascismo europeo; la barbarie de la II Guerra Mundial; el
Macartismo y la represión de las libertades individuales durante la Guerra
Fría; la amenaza de aniquilación nuclear en la era atómica; y las luchas por
los derechos laborales, civiles y humanos cuando los movimientos de
descolonización habían empezado a extenderse por todo el planeta y, ya al final
de su vida la guerra de Vietnam. También sus trabajos más líricos y
espirituales, que a menudo incorporan pasajes de la biblia hebrea, portan un
contenido social.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En los
años cincuenta Ben Shahn fue un artista de enorme popularidad llegando a
representar a los Estados Unidos, junto a William de Kooning, en la bienal de
Venecia de 1954 y fue objeto de numerosas exposiciones, programas de televisión
y publicaciones. Es un momento, sin embargo, de primicia del expresionismo
abstracto y otras formas de arte no objetivo, por lo que Shahn comenzó a perder
el favor de la crítica en una época marcada también por la Guerra Fría.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_hKOYgERZQYKEvKdFwsmYclXWQi_G5FvS2Uw8GwjkdNv11SBEDEF80SGH9bfELLPA26ew8YYvk3rpkc4chr-LxgceIXpPlW8sdMPepnQZOrfEa1W0Z2ksyc8P8joFT77k5twa1fuTG_-z0ZnKv9UGMF84aWH1-HJg60RiKuVO61IfTQ02EPir2U-LJQ/s1524/3%2001-ben_shahn_0.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1444" data-original-width="1524" height="606" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj_hKOYgERZQYKEvKdFwsmYclXWQi_G5FvS2Uw8GwjkdNv11SBEDEF80SGH9bfELLPA26ew8YYvk3rpkc4chr-LxgceIXpPlW8sdMPepnQZOrfEa1W0Z2ksyc8P8joFT77k5twa1fuTG_-z0ZnKv9UGMF84aWH1-HJg60RiKuVO61IfTQ02EPir2U-LJQ/w640-h606/3%2001-ben_shahn_0.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
exposición es inmensa, consta de ocho apartados con gran contenido de su
ideario y trabajo, de los que comentaremos algunos, todos tienen gran interés.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Arte y
activismo<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Caminamos
por la muestra, la primera de las salas aborda el trabajo de Ben Shahn en los
años treinta cuando, tras haberse formado en litografía y emular el modernismo
de Cézanne, Picasso y la Escuela de París, su obra vira hacia al realismo y
crece su compromiso político. Comienza también a dibujar a partir de
fotografías de noticias, una de las características de su método de trabajo en
toda su trayectoria que puede observarse en muchas vitrinas de la exposición.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;">Es la
época de la crisis económica provocada por la Gran Depresión de octubre de 1929
y el artista se dedica a denunciar con acuarelas y gouaches casos célebre de
procesos judiciales: el proceso del capitán francés Alfred Dreyfus -que fue víctima
del antisemitismo entre 1894 y 1906- y de dos inmigrantes italianos de clase
trabajadora ejecutados en Massachusetts en 1927 por un asesinato que muchos
creen que no cometieron. Este caso está representado aquí en la monumental obra
</span><i style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;">La Pasión de Sacco y Vanzetti (1931-1932).</i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZIU6t4FAdslZK83LUjG1esHNJUhMeh7J7gMfhNmMYIN3mAYqrOU2msALvjAxYVmiUwxopGR8F7ZcQsjvtsvcnB7oF-oZh4MxNe_q823O8q1QnbS2AVvi5nszStVYaCfRl3WhYl6rjN3sEPCY4Y-dKmTvxlKvkH1xVStbV03sU-8lxtOuDN2BGeGSZCQ/s807/4%2014-ben_shahn.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="807" data-original-width="366" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZIU6t4FAdslZK83LUjG1esHNJUhMeh7J7gMfhNmMYIN3mAYqrOU2msALvjAxYVmiUwxopGR8F7ZcQsjvtsvcnB7oF-oZh4MxNe_q823O8q1QnbS2AVvi5nszStVYaCfRl3WhYl6rjN3sEPCY4Y-dKmTvxlKvkH1xVStbV03sU-8lxtOuDN2BGeGSZCQ/w290-h640/4%2014-ben_shahn.jpg" width="290" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Fotografías
documentales</span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En los
años 30, Shahn se aficionó a la fotografía, buscando una estética de reportaje
y detalles “auténticos” para su pintura de realismo social. Con una Laica de 35
mm. e inspirado por su compañera
Bernarda Bryson, el artista fotografió de forma espontánea en Nueva York a
ciudadanos en las calles, a jóvenes encarcelados en prisiones, y artistas
activistas que se manifestaban para conseguir puestos de trabajo utilizando su
arte como arma en lucha de clases. Al igual que ocurrió con las fotografías de
los periódicos, comenzó a utilizar desde entonces, las suyas propias como
elemento recurrente de sus pinturas y posters. Este apartado es inmenso.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj40v1385wj5U2eauXNiATa1jBcObHtaqnFyfXsKxZo8JX3BacXYzofLASaUKBXgRjyv7uC_7NsGszxNRrA2WM4C6tg0OKoJJw1hM5s0ZfI1FXiuI_bcvf-PlNvXdaOGVp4zJFiZUGiNnRYWBbwLb1XczleviSYfogYF1JAqCHFsbh8lp4pCqygzYeTw/s4096/5%2007-ben_shahn.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3207" data-original-width="4096" height="502" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhj40v1385wj5U2eauXNiATa1jBcObHtaqnFyfXsKxZo8JX3BacXYzofLASaUKBXgRjyv7uC_7NsGszxNRrA2WM4C6tg0OKoJJw1hM5s0ZfI1FXiuI_bcvf-PlNvXdaOGVp4zJFiZUGiNnRYWBbwLb1XczleviSYfogYF1JAqCHFsbh8lp4pCqygzYeTw/w640-h502/5%2007-ben_shahn.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Murales
públicos</span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
siguiente sala está dedicada los murales de Ben Shahn, quien aprovechó los
proyectos artísticos del New Deal y las oportunidades que ofrecían a los
artistas de dirigirse a un público amplio en oficinas de correos y otros
edificios oficiales de todo el país. El mural más exitoso y prestigioso de
Shahn, <i>El significado de la Seguridad Social (1940-1942)</i>, fue encargado
por la Sección de Bellas Artes para el entonces Edificio de Seguridad Social de
Washington D.C. Shahn incluyó a aquellos a los que ayudaría la Ley de Seguridad
Social de New Deal, como desempleados, ancianos y discapacitados.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhba2gc0UTcV6CBy-xWIXItbTf9EV1Bgy-Rv7aziWAMntNZnVCi3CS3LJhHvp2Kku70NYzHLoBfOMG-GMaIi4hRMTWsJnh9CvjTfyoGB-OsHZpEK0IvlQAUpTCN8Zy6VQ329eQ98jzIvcKpIbmG9w0qvInNjFIhN7nfWT-kcdFLkNdpHPP5k-bNUUucsQ/s6694/6%20_x8a6046.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3360" data-original-width="6694" height="322" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhba2gc0UTcV6CBy-xWIXItbTf9EV1Bgy-Rv7aziWAMntNZnVCi3CS3LJhHvp2Kku70NYzHLoBfOMG-GMaIi4hRMTWsJnh9CvjTfyoGB-OsHZpEK0IvlQAUpTCN8Zy6VQ329eQ98jzIvcKpIbmG9w0qvInNjFIhN7nfWT-kcdFLkNdpHPP5k-bNUUucsQ/w640-h322/6%20_x8a6046.jpg" width="640" /></a></div><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Los
carteles de Shahn -con figuras de manos macizas y trabajadoras- hablan de la
dignidad del trabajo manual y de los valores de Shahn como hijo y nieto de
talladores de madera y artesanos. Un ejemplo son los gráficos que Shahn creó
para la campaña de reelección de Franklin Delano Roosevelt en 1944, que
retratan al presidente como amigo de los sindicatos y promueve la cooperación
interracial en el trabajo. <i>For Full Employment After the War: Register Vote</i>,
por ejemplo, muestra a un soldador blanco y otro negro trabajando juntos.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYafJDjMLAiYotoSq4sap0E6wbtzPAvZT-Yq5r2UCUANtCIcdmCucAVac4yKgwllyv0JDDVMIooY9dOXGMPONsjPd8ttt-4jR-NddxvE2pFcPUdQRQiYHXylo-KzNVCBxbrPEJigzUlj-xEN-0Fduw3PMJYlE5IQgvsUnva3LkaPx2EYf_N5dE4T78Nw/s2882/7%2020-ben_shahn.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="2700" data-original-width="2882" height="600" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYafJDjMLAiYotoSq4sap0E6wbtzPAvZT-Yq5r2UCUANtCIcdmCucAVac4yKgwllyv0JDDVMIooY9dOXGMPONsjPd8ttt-4jR-NddxvE2pFcPUdQRQiYHXylo-KzNVCBxbrPEJigzUlj-xEN-0Fduw3PMJYlE5IQgvsUnva3LkaPx2EYf_N5dE4T78Nw/w640-h600/7%2020-ben_shahn.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
Guerra Fría: McCartismo y la era atómica<o:p></o:p></span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">El
arte y la política de Shahn fueron objeto de ataques en el opresivo clima
político de principios de la Guerra Fría. El temor de los estadounidenses a la
amenaza soviética se vio exacerbado por la persecución comunista, liberales y
progresistas por parte del senador Joseph McCarthy y sus acólitos. El propio
Shahn fue perseguido por el FBI por su pacifismo.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">De
forma paralela, Shahn también respondió a la amenaza nuclear con obras
alegóricas de formas abstractas como <i>Second Allegory (1953), </i>en el que
una figura es atacada por un enorme dedo acusador rodeado por llamas rojas,
sugiriendo los peligros inminentes de las bombas atómicas.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;">Igual
de inquietantes son sus representaciones de “</span><i style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;">botánicos ciegos”</i><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;">,
científicos inmersos en sus teorías, amenazados físicamente por sus
experimentos o estructuras moleculares. Shahn retrató a los famosos físicos
teóricos Albert Einstein y J. Robert Oppenheirmer, a quienes conocía y admiraba
por oponerse en última instancia a las armas nucleares por motivos morales.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuXPJD_k8wEelktkhBc141dDvs7xyHzARXGTZdhyphenhyphenUl6VdLtqjZNHuFvF4KKfDNUFVzjJpuGSUfZLKdB7ZJdh4cHAflR7jqT942jrhVr2YdN3KlWUsdnW7Nln2znm5FOk6MFNhaJyTJYlqLNOvrqq9_az_pKDptA_cnYoO1hJX8fb_tfRgrJzy9pqfjSQ/s3600/8%2004-ben_shahn.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3600" data-original-width="2352" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjuXPJD_k8wEelktkhBc141dDvs7xyHzARXGTZdhyphenhyphenUl6VdLtqjZNHuFvF4KKfDNUFVzjJpuGSUfZLKdB7ZJdh4cHAflR7jqT942jrhVr2YdN3KlWUsdnW7Nln2znm5FOk6MFNhaJyTJYlqLNOvrqq9_az_pKDptA_cnYoO1hJX8fb_tfRgrJzy9pqfjSQ/w418-h640/8%2004-ben_shahn.jpg" width="418" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Derechos
civiles y anticolonialismo</span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"><o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Shahn
dibujó al icónico de la no violencia Martin Luther King como un fascinante
activista de los derechos civiles y laborales en el transcurso de una
conmovedora oratoria, que contrasta con la imagen desradicalizada que se tiene
de King en la actualidad.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Retrató
a King en marzo de 1965, poco después del “Domingo Sangriento”, cuando los
activistas que marchaban de Selma a Montgomery (Alabama) fueron brutamente
golpeados por la policía y los residentes blancos de Selma. Reutilizada para
una litografía con un extracto del último discurso de King antes de su
asesinato el 4 de abril de 1968, la imagen se utilizó en una campaña de
recaudación de fondos.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghG3tct6OncWSfgCEXN83_BbDr2_cnPjYZ3JRFc-EPWn3Q-CVNu2in9V5n-DddPocMQhChDcu4G_39rUkQYplfv77G97LZOoMBsgLGum6hpZhdr4UpmdppdfasaGp0Cdwzq_zPs5YCAE6RZnMdhMVJxAl0b6b1zXTe4ji5bFUpcRoJmIYER1O2KTY8gg/s5667/9%20_x8a6065.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3425" data-original-width="5667" height="386" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghG3tct6OncWSfgCEXN83_BbDr2_cnPjYZ3JRFc-EPWn3Q-CVNu2in9V5n-DddPocMQhChDcu4G_39rUkQYplfv77G97LZOoMBsgLGum6hpZhdr4UpmdppdfasaGp0Cdwzq_zPs5YCAE6RZnMdhMVJxAl0b6b1zXTe4ji5bFUpcRoJmIYER1O2KTY8gg/w640-h386/9%20_x8a6065.jpg" width="640" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Las
últimas secciones de la exposición abordan la espiritualidad y la identidad, y
revelan el retorno de Shahn a las historias bíblicas y los textos hebreos que
tan bien conocía de niño.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Obras
como <i>Identidad (1968)</i> ejemplifican los últimos cuadros de Shahn: los
brazos levantados y las manos entrelazadas expresan tanto la elevación
espiritual como la protesta terrenal contra la guerra de Vietnam. <i>Pinceles
en flor (1968)</i> cierra la exposición con una nota filosófica: una reflexión
sobre el papel del artista en la sociedad.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiF-MrExjhDMCWwh47pSqLAiOPJ64a-7Tkut-BWPnZfIW6UKeffDVRIdJMTPiY-uhPMP0Tf14SGIuc8aW2XbmxHtZQrHk4sYBunF0-euOFNnzDTZonMfk9ypF7sglpvvwLvVlAd6KBW50eyY54yY7qs4qnt_TTEdsiSjZxKrX6WN3xnHiiY5Ppl39v1Pw/s3406/10%2018-ben_shahn.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3406" data-original-width="1870" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiF-MrExjhDMCWwh47pSqLAiOPJ64a-7Tkut-BWPnZfIW6UKeffDVRIdJMTPiY-uhPMP0Tf14SGIuc8aW2XbmxHtZQrHk4sYBunF0-euOFNnzDTZonMfk9ypF7sglpvvwLvVlAd6KBW50eyY54yY7qs4qnt_TTEdsiSjZxKrX6WN3xnHiiY5Ppl39v1Pw/w352-h640/10%2018-ben_shahn.jpg" width="352" /></a></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Hace algún
tiempo que no disfrutábamos de una exposición tan completa.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/BaKK5tshI2A" width="320" youtube-src-id="BaKK5tshI2A"></iframe></div><p></p><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">© Mariví Otero 2023</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">Manuel Otero Rodríguez</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; text-align: left;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;">Fuente:
Ben Shahn. De la no conformidad. Museo Nacional Reina Sofía. 4 de octubre 2023
al 26 de febrero de 2024. Gabinete de Prensa Museo Reina Sofí: Documentación y
fotografías.<span style="font-size: 14pt;"><o:p></o:p></span></span></p></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-25556046854291532222023-11-03T17:51:00.001+01:002023-11-03T17:51:32.186+01:00DEL LAPICERO AL BURIL. El dibujo para grabar en tiempos de Goya.<p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSUR0k8QCSD00WlZE7Ysi1dqdPx0UVf_zHbT4DY3B0nvB_kedz0oEf1V0bNBnshTONuwDHwXP_lAaPsUrv9w8le5T4hWRqvdsW5jydatixGqBctbBRdGE0kUQEphj0QHbCSI323ky6XQdXfFDNRPKDVY9YaG4BgjfImYkhtnCMza0dzJNx2-Js2DvQUQ/s730/1%2004176389-e03d-a4ff-94fe-8f343a2161fd.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="487" data-original-width="730" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgSUR0k8QCSD00WlZE7Ysi1dqdPx0UVf_zHbT4DY3B0nvB_kedz0oEf1V0bNBnshTONuwDHwXP_lAaPsUrv9w8le5T4hWRqvdsW5jydatixGqBctbBRdGE0kUQEphj0QHbCSI323ky6XQdXfFDNRPKDVY9YaG4BgjfImYkhtnCMza0dzJNx2-Js2DvQUQ/w640-h426/1%2004176389-e03d-a4ff-94fe-8f343a2161fd.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Imagen de la sala de la exposición Del Lapicero a Buril. Foto © Museo Nacional del Prado.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En el
Museo Nacional del Prado, visitamos esta muestra. Comisariada por José Manuel
Matilla, Jefe de Conservación de Dibujos y Estampas, y Ana Hernández Pugh, responsable
del catálogo razonado de los dibujos Manuel Salvador Carmona. En la exposición
se exhiben obras de varios autores, el eje central de la muestra gira en torno
a dos figuras fundamentales en el desarrollo del arte del grabado, <i>Manuel
Salvador Carmona (1734-1820),</i> el<i> </i>artista que mejor dominó la técnica
académica del buril en España, y <i>Francisco de Goya (1746-1828), </i>cuya
genialidad y particular entendimiento del aguafuerte abrió nuevos caminos a la
creación artística. <o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjX6mjs3Xwl16Z70J4aNl1K-RCQW0IHbGigoXwwkSFVyDLbxve5MGEHlftaQfFoDlOlxQmpSOKkfRDx8gFl9X6WkL8U-_5SrMFrV683xfYyqrTIk2xL1Zk7lYNWwvPBMcezzHpa5ppmC0quvwtPS2shIX8iWYL3W4TFo-85b9GFDZmXIWHVUP-bhpFdg/s730/2%20a321f1a3-fcff-c22d-98fc-41378a7285b3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="487" data-original-width="730" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjX6mjs3Xwl16Z70J4aNl1K-RCQW0IHbGigoXwwkSFVyDLbxve5MGEHlftaQfFoDlOlxQmpSOKkfRDx8gFl9X6WkL8U-_5SrMFrV683xfYyqrTIk2xL1Zk7lYNWwvPBMcezzHpa5ppmC0quvwtPS2shIX8iWYL3W4TFo-85b9GFDZmXIWHVUP-bhpFdg/w640-h426/2%20a321f1a3-fcff-c22d-98fc-41378a7285b3.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">5a. Retrato de François Boucher Dibujo de contorno para grabar Manuel Salvador Carmona Lápiz negro y rojo 1759-61 Madrid, Museo Nacional del Prado 5b. Retrato de François Boucher Estampa Manuel Salvador Carmona Aguafuerte y buril 1761 Madrid, Museo Nacional del Prado</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En la
segunda mitad del siglo XVIII España se liberó de la dependencia que había
tenido del extranjero en el ámbito del grabado. La formación de dibujantes y
grabadores cualificados, encabezados por <i>Manuel Salvador Carmona</i>,
permitió acompañar con estampas los importantes proyectos culturales y
científicos promovidos por el pensamiento ilustrado, cuyo epílogo será la
publicación de los <i>Caprichos de Francisco de Goya</i> en 1799. Si las estampas de esa época son bien
conocidas, no lo son tanto los dibujos para grabar que les sirvieron de punto
de partida. Su carácter utilitario los ha relegado a un según plano en la
historia del arte. Y, sin embargo, de sus cualidades depende absolutamente la
calidad del grabado; sin un buen dibujo es imposible obtener una buena estampa.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En “Del
lapicero al buril” -dos de los instrumentos más utilizados por dibujantes y
grabadores- nos muestran los distintos usos que tuvieron los dibujos en el
proceso de creación del grabado, desde los que realizaban los artistas que
inventaban las imágenes hasta los elaborados por los propios grabadores en sus
talleres. La variedad de técnicas utilizadas, así como su adecuación a los
temas que representan, sirven también para ofrecer un recorrido sobre el dibujo
español en tiempos de Goya.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgd_zDjmGmUaGt8olWyEqcVxDXf1Yh_A1fy7t8uJ0hIEjn1fk28nwEMwJ8sN2jsy-ArtcoTsTVsWQV51ifBUB7tFNjEl49SXbymXxLH54Vfc0qHXsPGZuglP3S9LT_vyygOP6jpUqFh722-Kg4egdeSDD_gu-9N6EtIT7Xadfag3DHl58FwnM3aU3UN2Q/s730/3%20f5ad9de4-85ba-0555-3e52-dbb5169be404.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="487" data-original-width="730" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgd_zDjmGmUaGt8olWyEqcVxDXf1Yh_A1fy7t8uJ0hIEjn1fk28nwEMwJ8sN2jsy-ArtcoTsTVsWQV51ifBUB7tFNjEl49SXbymXxLH54Vfc0qHXsPGZuglP3S9LT_vyygOP6jpUqFh722-Kg4egdeSDD_gu-9N6EtIT7Xadfag3DHl58FwnM3aU3UN2Q/w640-h426/3%20f5ad9de4-85ba-0555-3e52-dbb5169be404.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Imagen de la sala de la exposición Del Lapicero a Buril. Foto © Museo Nacional del Prado.</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
exposición presenta unos 80 dibujos y estampas, está dividida en cuatro
apartados:<o:p></o:p></span></p><span style="font-size: x-small;"></span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><b><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">El
dibujo y la imagen del grabado</span></b></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Manuel
Salvador Carmona es el grabador a buril más importante de la España del siglo
XVIII. Maestro de una generación de artistas en la Real Academia de Bellas
Artes de San Fernando, siempre concedió un relevante papel a la práctica del
dibujo, indispensable para ser un buen grabador. Sus retratos y autorretratos
son prueba elocuente de esa idea y reveladores de su trayectoria profesional y
personal. De los años en que permaneció pensionado en París, siempre con -con
buril o con lapicero en la mano- Dibujante infatigable, retrató a toda su
familia con la técnica francesa “los tres lápices” -negro, rojo y blanco de
clarión-. Precisamente, el retrato de su esposa, Ana María Mengs, pudo servir
de modelo para ser incluido en una estampa con su autorretrato, que nunca llegó
a grabar y de la que solo se conocen sus dibujos preparatorios.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxJLpvTKF-hxRIkJYqvm7mzTT2FfWPa0t4Ty8s1Xbp1DQivWfm1I8DjVWSl8a5ZOu5AXqm0prei9iMqj88RxRPxW_oJyY_fW8VsIib8wG-LXR-HNQGEhRm3CPh6Uy6neZJgEVmdp9noh_iPC5edqmyMiUBK1B4epagC7gO1mLyLeW2ed5Iac2EBCh4Gw/s1016/4%2036fdc35a-c7cc-d381-5f53-66b043b90dff.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1016" data-original-width="730" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxJLpvTKF-hxRIkJYqvm7mzTT2FfWPa0t4Ty8s1Xbp1DQivWfm1I8DjVWSl8a5ZOu5AXqm0prei9iMqj88RxRPxW_oJyY_fW8VsIib8wG-LXR-HNQGEhRm3CPh6Uy6neZJgEVmdp9noh_iPC5edqmyMiUBK1B4epagC7gO1mLyLeW2ed5Iac2EBCh4Gw/w460-h640/4%2036fdc35a-c7cc-d381-5f53-66b043b90dff.jpg" width="460" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Felipe de Borgoña personificando la Orden del Toisón Dibujo de contorno para grabar Manuel Salvador Carmona Lápiz rojo y negro. Cuadriculado 1778 Madrid, Biblioteca Nacional de España</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><b><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Del
dibujo a la estampa</span></b></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En
este apartado nos encontramos con “El Quijote de la Academia”. La edición del
Quijote de la Real Academia Española (1780) es el mejor ejemplo del proceso de
elaboración de un libro ilustrado en España del siglo XVIII. La Academia puso
especial cuidado en la elección de los paisajes que debían ser ilustrados y en
rigurosa supervisión de los dibujos. De este proyecto se han conservado
numerosos diseños, tanto preliminares como definitivos.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhI4RulpeUuJvEb3ZQeULHm6FItTcxhing7IH58m31IfKQ9c8RvabuOCMaY4HwH3KlOFiWHAgKxx0m24M3HuG8USgJSXssynEZmTiPEx7SjdwdEziorzfi2mwdAbZrFoLg9H6L0Tw29TC3praW447Ujq9cgWGbDZ-Aa9D2O9dL7wg7G3cpKnqBEiAACCw/s976/5%20244c057b-c356-ec03-682b-cbc39f2fa024.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="976" data-original-width="730" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhI4RulpeUuJvEb3ZQeULHm6FItTcxhing7IH58m31IfKQ9c8RvabuOCMaY4HwH3KlOFiWHAgKxx0m24M3HuG8USgJSXssynEZmTiPEx7SjdwdEziorzfi2mwdAbZrFoLg9H6L0Tw29TC3praW447Ujq9cgWGbDZ-Aa9D2O9dL7wg7G3cpKnqBEiAACCw/w478-h640/5%20244c057b-c356-ec03-682b-cbc39f2fa024.jpg" width="478" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Apalean unos yangüeses a Don Quijote y Sancho Dibujo para grabar José del Castillo Pincel y aguada de tinta de hollín 1774 Barcelona, Biblioteca de Catalunya</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><b><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
técnica de los dibujos para grabar</span></b></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En los
dibujos para grabar se aprecia el uso de la mayor parte de materiales y
técnicas de dibujo disponibles en el siglo XVIII. Estas podían ser secas -lápiz
negro y rojo- o acuosas -diferentes tintas aplicadas con pluma y pincel-. Los
dibujantes recurrían a unas u otras en función de numerosas variables: si el
dibujo era grabado por ellos mismos o por otro grabador, o según el asunto de
la estampa y el procedimiento técnico que fuera emplearse en el grabado de la
lámina. Los dibujos a lápiz o con pincel fino, con predominio de contornos y
sombreados de líneas paralelas, se adecuaban fácilmente al lenguaje lineal del
grabado a buril. En cambio. La pluma, complementada con aguadas, se identifica
mejor con los trazos más libres del grabado al aguafuerte y al aguatinta. Los
dibujos más valorados por los grabadores eran aquellos que suministraban mayor
información, tanto de las figuras como de las luces, y solían estar elaborado
con pluma, pincel y aguadas.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTYCm01HNKTlwYnmOFtDcq7n9v-zCCkIfbOslCJuGJ9yc0DSW_zAjvH7Zlbi6JgWtCtrkJRMgP2p3d3rjPeufKM3xKD6Nn_F0Z-q20iMQcXrB4dPD1LAhHJ4DXRRBy_i_XtJhqS8FgkG4CZ84g7F4Zz45nJVjqf91qs36aX2hyhuTbRsGHAwH9kgom5A/s1019/6%204f4e001c-011c-96e1-cf40-9f686b075325.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1019" data-original-width="730" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTYCm01HNKTlwYnmOFtDcq7n9v-zCCkIfbOslCJuGJ9yc0DSW_zAjvH7Zlbi6JgWtCtrkJRMgP2p3d3rjPeufKM3xKD6Nn_F0Z-q20iMQcXrB4dPD1LAhHJ4DXRRBy_i_XtJhqS8FgkG4CZ84g7F4Zz45nJVjqf91qs36aX2hyhuTbRsGHAwH9kgom5A/w458-h640/6%204f4e001c-011c-96e1-cf40-9f686b075325.jpg" width="458" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Sueño. Bruja maestra dando lecciones a su discipula del primer vuelo Dibujo para grabar con huella de transferencia Francisco de Goya Pluma, tinta ferrogálica y trazos de lápiz negro 1796-97 Madrid, Museo Nacional del Prado</span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXd9cTrCggXyiBMuhjvQ7OrwEPqCDgdNtex3_mnfRW2r9YIT_9YwELJNMfgG8XeO9XknTt5sTDtm8aia_LZlS1zyYnhG6GTwcm2UMdL26hN8W2BT19Lf2qXvX4GbBnRZ_u9mEm_KrhZy7_Ua8x-8aDE8fE_NlS-Vl-_22v1mF2K1bqda-luUpwfkMd-g/s730/6.1%208b15ddb6-d191-12bd-0b5b-7473a802c942.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="613" data-original-width="730" height="538" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXd9cTrCggXyiBMuhjvQ7OrwEPqCDgdNtex3_mnfRW2r9YIT_9YwELJNMfgG8XeO9XknTt5sTDtm8aia_LZlS1zyYnhG6GTwcm2UMdL26hN8W2BT19Lf2qXvX4GbBnRZ_u9mEm_KrhZy7_Ua8x-8aDE8fE_NlS-Vl-_22v1mF2K1bqda-luUpwfkMd-g/w640-h538/6.1%208b15ddb6-d191-12bd-0b5b-7473a802c942.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Ruinas de la iglesia del Carmen Dibujo para grabar Fernando Brambila Lápiz negro y aguada de tinta grisácea y rosa 1808 Madrid, Museo Nacional del Prado </span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><b><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Copiar,
reproducir e interpretar</span></b><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"><o:p></o:p></span></p><b><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></b><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">El
dibujo era un paso intermedio para reproducir a través del grabado un modelo
existente, ya fuera una pintura o cualquier otro objeto artístico, la propia
naturaleza -desde el paisaje a sus especímenes botánicos- o la vida de los
habitantes del reino -su actividad cotidiana o los acontecimientos dignos de
ser inmortalizados-. La adecuada copia y traducción del modelo por el
dibujante, en color o blanco y negro, es básica para que luego el grabador
pueda interpretarlo de nuevo en un lenguaje esencialmente lineal. La fidelidad
al original constituye el factor clave de este proceso y solo mediante un
dibujo en las formas y los colores o los tonos estén definidos con exactitud,
podrá el experto grabador traducir aquel al lenguaje propio del medio gráfico,
como los adornos y la letra, debían estar correctamente definidos en el dibujo.<o:p></o:p></span></p><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">
<span style="font-size: 14pt; line-height: 107%;">En este último apartado,
destacamos: Cuadricular y copiar; El color del dibujo; Hacer Bien o hacer mal;
La dificultad de copiar y reproducir.</span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEid8CjDYS7dRx0SMXl5CDVjfChoITKr10mbhywMp7wdq7rBdnJol-0TDb9wVJ1FWtGl59W2kmUxwBp7jgig3qTPHptaFB3z1zx7dhAJTuF27h99cSk6_0uXCkrDqPh-ag3Rx6-DyOsIAf7anE_CAaAyfnwnYuUZnln_3v6Fy7tOAlonWsgvAlXSgfE-VQ/s964/7%20c5f7141a-7c63-0e03-b146-9564175babb9.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="964" data-original-width="730" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEid8CjDYS7dRx0SMXl5CDVjfChoITKr10mbhywMp7wdq7rBdnJol-0TDb9wVJ1FWtGl59W2kmUxwBp7jgig3qTPHptaFB3z1zx7dhAJTuF27h99cSk6_0uXCkrDqPh-ag3Rx6-DyOsIAf7anE_CAaAyfnwnYuUZnln_3v6Fy7tOAlonWsgvAlXSgfE-VQ/w484-h640/7%20c5f7141a-7c63-0e03-b146-9564175babb9.jpg" width="484" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: x-small;">Ciudadana de Bilbao Dibujo preliminar Luis Paret y Alcázar Lápiz negro y rojo h. 1778 Madrid, Museo Nacional del Prado</span></div><br /><div class="separator" style="clear: both; font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmyRKsgqnb7IDenadRGwHmpYH6CF7W1zuqEyOaCFDhnqB8_NA3qFMQZ0Ki4RfbSTmoTY4xpwfY2vyiE7EGH4-vWNu2hFlhsOzOwBsq5SbCPYLQqEx3JT3Ef2BDkXhn20BzIZDWInYstUd2Wsoa848SlxcMmxMzGJ9qyqjxIkN7KcTeECFm8FmPiZou5A/s881/7.1%202f9ffd67-76f0-1b48-5feb-273a88c8c3c3.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="881" data-original-width="730" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmyRKsgqnb7IDenadRGwHmpYH6CF7W1zuqEyOaCFDhnqB8_NA3qFMQZ0Ki4RfbSTmoTY4xpwfY2vyiE7EGH4-vWNu2hFlhsOzOwBsq5SbCPYLQqEx3JT3Ef2BDkXhn20BzIZDWInYstUd2Wsoa848SlxcMmxMzGJ9qyqjxIkN7KcTeECFm8FmPiZou5A/w530-h640/7.1%202f9ffd67-76f0-1b48-5feb-273a88c8c3c3.jpg" width="530" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: x-small;">La familia de Felipe IV Dibujo para grabar Francisco de Goya Lápiz rojo y negro 1785-92 Madrid, Colección particular</span></div><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 107%;"><p class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Esta exposición
se convierte en una ocasión única para dar a conocer algunas de las obras que
el Museo del Prado ha adquirido en los últimos años al hilo de este proyecto. De
pequeño formato, pero de múltiples matices y memoria de enseñanzas.</span></p><p class="MsoNormal" style="font-size: 14pt; line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/IfZIhTO0Bow" width="320" youtube-src-id="IfZIhTO0Bow"></iframe></div><p></p><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">© Mariví Otero 2023</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">Manuel Otero Rodríguez</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; text-align: left;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;">Fuente:
DEL LAPICERO AL BURIL. El dibujo para grabar en tiempos de Goya. Museo Nacional
del Prado. Del 16 de octubre 2023 al 14 de enero de 2024. Área de comunicación
del Museo: Documentación y fotografía.</span></p></div></span><p></p><p></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-90352872535020061432023-11-03T17:06:00.000+01:002023-11-03T17:06:24.562+01:00VENERADAS Y TEMIDAS. El poder femenino en el arte y las creencias<p> </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8EEr3wZ-3RDdCo-BYijMsYE2V5ejSoD4f1Effq7iUW0Fmu2xyd_5GMm0Z5_BTHPp0ag0IeeVVKHzxemHIPaC02U5y4aflF2eAXJEHzowZrQQMv3hkiOjmfRstKWKSvUdXY7CiDwB99hoyb7iAY3hHGILiYc4mRPly99OhKKqJaVGHCK72vkCKPN1jIQ/s5965/1%2001-Veneradas-y-temidas.-CaixaForum-Madrid.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3934" data-original-width="5965" height="422" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8EEr3wZ-3RDdCo-BYijMsYE2V5ejSoD4f1Effq7iUW0Fmu2xyd_5GMm0Z5_BTHPp0ag0IeeVVKHzxemHIPaC02U5y4aflF2eAXJEHzowZrQQMv3hkiOjmfRstKWKSvUdXY7CiDwB99hoyb7iAY3hHGILiYc4mRPly99OhKKqJaVGHCK72vkCKPN1jIQ/w640-h422/1%2001-Veneradas-y-temidas.-CaixaForum-Madrid.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Exposición Veneradas y temidas. El poder femenino en el arte y las creencias en CaixaForum Madrid.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Nos
encontramos en CaixaForum Madrid para recorrer la exposición; el poder femenino
en el arte y las creencias: desde la prehistoria hasta hoy. Recorre la
influencia espiritual femenina a lo largo de la historia y de seis continentes,
aportando un diálogo con esculturas, objetos sagrados y obras de arte
contemporáneo.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUKhBQ3TAdztOj_pu_ejeQxoD7gbbUwTW6vt5hYiXfsy8_pMd_PrwoCeAHJcpxjyhmlVelFRjdGYNns7kbq0FC_ncgdjf7o5lfvbrJsGnm4wehCksqKk3VY_A7X42LZMpIEqd7lYM0WbxBYBrtAMR03pikyj5vmnEf-g6v-VSrtb1pLTJ9SkwlU0boZA/s5600/2%20IDX31._Relief_panel_Queen_of_the_Night_1686823388003.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5600" data-original-width="4444" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgUKhBQ3TAdztOj_pu_ejeQxoD7gbbUwTW6vt5hYiXfsy8_pMd_PrwoCeAHJcpxjyhmlVelFRjdGYNns7kbq0FC_ncgdjf7o5lfvbrJsGnm4wehCksqKk3VY_A7X42LZMpIEqd7lYM0WbxBYBrtAMR03pikyj5vmnEf-g6v-VSrtb1pLTJ9SkwlU0boZA/w508-h640/2%20IDX31._Relief_panel_Queen_of_the_Night_1686823388003.jpg" width="508" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Reina de la noche, c. 1750 a. C., arcilla pintada, Irak. 2003,0718.1 © The Trustees of the British Museum (2023).</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
muestra propone una reflexión sobre los estereotipos del poder femenino y la
feminidad, y cuenta con piezas icónicas, como una estatua romana de Venus o la
figura de Sekhmet, así como con obras de arte de: Videoperformance de la
artista ecuatoriana Saskia Calderón “Las lunas que no vi” (2021). De la artista
cubana Marta María Pérez Bravo que actualmente vive en México. “Jura” Cuánto
encontró para vencer (1999). La artista cubana Ana Mendieta “Volcán” (1979).
Marina Abramovic que es mundialmente conocida por la radicalidad de sus
performances en los límites entre la vida y la muerte “Dragon Heads” (2018).
Zanele Muholi, artista sudafricana que se declara no binaria, en la exposición
se presentan tres obras suyas de 2015. En “Somnyama IV”, se presenta como
leona: mujer salvaje, poderosa, dotada de una gran melena. En “Bonna”, juega
con la tradición occidental de la mujer que se mira al espejo. Reinterpretación
el mito Narciso una “Narcisa” negra. En “MaID Harlem”, incorpora los elementos
de los chamanes, los atributos que utilizan en sus rituales. Cristina Lucas,
española especialista en performances “Habla” (2008), la artista tardó más de
dos años en obtener el permiso para realizar una réplica de del Moisés de
Miguel Ángel. Cuando Miguel Ángel finalizó su Moisés, le dio un golpe y le dijo
“Habla” porque era tan perfecto que solo le faltaba hablar.<o:p></o:p></span></p></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">En el
apartado “Composición y salvación”</span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">, encontramos “Dédalo ideó una
vez en Cnossos una pista de baile para Adriadna” (1019-2023), de la catalana
Tania Berta Judith, La artista borda tres sábanas heredadas de su familia,
zurcidas, cuidadas y reparadas a través del tiempo. Sobre ellas borda motivos
simbólicos. Con ello, la artista defiende la necesidad de vivir una alegría diferente
a la impuesta en la tradición patriarcal, en la que el hombre abandona a la
mujer.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="line-height: 150%;"></span></p><p class="MsoNormal" style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Portia
Zvavahera, en “This is where I travelled” (2020), utiliza tintas de impresión
para presentar el mundo de los sueños, el mundo de la noche, que es donde
aparecen los fantasmas, los miedos y los espíritus de los ancestros. Viste la
figura que flota en el mundo onírico con una especie de manto de novia de la
tradición textil de Zimbabue, su país. Representa la posibilidad de
reconfigurar una nueva posibilidad de amor, de salvación de los sufrimientos y
los estereotipos del pasado.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLWiLIK8_Jc19bmMr4ZEjVuL_txHukatbqzhq1s0yszi6AupZgB8UEqsjTHnvd8GMaTOOh54YhlHIn6Y6TO5tnvdxeVyenruRCru-tEvfg4q5Oyd8txL82QsaGxy2tCraoel7o2MFnIMX4GbYhjUq7Zshlr0VburRsESA_fzBcatI_16ygYCOO5gDqlA/s5989/3%2005-Veneradas-y-temidas.-CaixaForum-Madrid.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3993" data-original-width="5989" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLWiLIK8_Jc19bmMr4ZEjVuL_txHukatbqzhq1s0yszi6AupZgB8UEqsjTHnvd8GMaTOOh54YhlHIn6Y6TO5tnvdxeVyenruRCru-tEvfg4q5Oyd8txL82QsaGxy2tCraoel7o2MFnIMX4GbYhjUq7Zshlr0VburRsESA_fzBcatI_16ygYCOO5gDqlA/w640-h426/3%2005-Veneradas-y-temidas.-CaixaForum-Madrid.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: x-small;">Exposición Veneradas y temidas. El poder femenino en el arte y las creencias en CaixaForum Madrid.</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Epílogo.
Una reflexión desde el presente</span></i></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Las
obras “Leiva” (2021-2022), de Austin Camilleri, y “Corona” (2017), de Marta
María Pérez Bravo, son aperturas hacia el siglo XXI. “Camilleri” presenta a su
propia hija en una posición desafiante: ¿por qué yo, por el hecho de haber
nacido mujer, he de ser juzgada? En la video performance de Marta María Pérez
Bravo vemos una figura cubierta por una sábana blanca de la cual salen dos
brazos que van estirando con fuerza, y al final aparece una corona dorada, que
es el símbolo del gran esfuerzo que todos tenemos que hacer para encontrar
nuestra propia luz en este inicio del tercer milenio.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioLYE7CA9LAyHk1SW96U7dZ5Hko0ErXJ16Jx5F_iTjbYm4voYBWehj1Qp0817HZ1yDx56Fpu-d8JO4y-B1w12WPV7Ier2z8AVVPnggZV6mCadm_lWyog1VD6rRwj29U8sLaUQ5FE9HPosgHLA1bAhz1XdM65UnGEDzsKSLPeMC44EPt-cyREPJGHujrw/s5790/4%2004-Veneradas-y-temidas.-CaixaForum-Madrid.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="5790" data-original-width="3985" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEioLYE7CA9LAyHk1SW96U7dZ5Hko0ErXJ16Jx5F_iTjbYm4voYBWehj1Qp0817HZ1yDx56Fpu-d8JO4y-B1w12WPV7Ier2z8AVVPnggZV6mCadm_lWyog1VD6rRwj29U8sLaUQ5FE9HPosgHLA1bAhz1XdM65UnGEDzsKSLPeMC44EPt-cyREPJGHujrw/w440-h640/4%2004-Veneradas-y-temidas.-CaixaForum-Madrid.jpg" width="440" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Se trata de una nueva colaboración con el British Museum que repasa 5.000 años de creencias espirituales alrededor de la mujer y la feminidad a través de piezas ancestrales y contemporáneas.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Veneradas
y temidas. El poder femenino en el arte y las creencias</span></i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"> se
estructura en cinco secciones que abordan temas de significado universal desde
el punto de vista de las creencias y de las experiencias humanas. En cada
sección se reúnen objetos espirituales de diferentes culturas y periodos de la
historia buscando los puntos en común y también los contrastes. En cada sección
aparece una o dos obras de las artistas contemporáneas, que hemos descrito al
principio (magníficas obras). Rosa Martínez se ha encargado de seleccionar las
obras de arte contemporáneo, que dialogan con las obras históricas, como he
podido ver.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; font-size: 14pt; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnOjgAQ86vxfK94iruw0AZ6uSCMfrp-JHS-c0ozEce_3Tcs6jVAPOU7Em3daJmqMBVfyzaPLUOuFwGOyPFUhyphenhyphen_-Nk2GMnTOrXeCNT103OBZ0BL6rD2zMWQoKQ0p4crcDo4l9bGFEGtjqgrmkYphmOVqCRo0gs8Ycha6kApefhyV3cMHkZZGgeGYGHwlQ/s4000/5%2020231019_130626.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1800" data-original-width="4000" height="288" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnOjgAQ86vxfK94iruw0AZ6uSCMfrp-JHS-c0ozEce_3Tcs6jVAPOU7Em3daJmqMBVfyzaPLUOuFwGOyPFUhyphenhyphen_-Nk2GMnTOrXeCNT103OBZ0BL6rD2zMWQoKQ0p4crcDo4l9bGFEGtjqgrmkYphmOVqCRo0gs8Ycha6kApefhyV3cMHkZZGgeGYGHwlQ/w640-h288/5%2020231019_130626.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Foto de sala. Mariví Otero.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><i style="text-align: justify;"><span style="font-size: 14pt; line-height: 150%;">Magia
y Maldad</span></i></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">El
tercer apartado conecta a las mujeres y a la autoridad femenina con un peligro
o una amenaza para la sociedad: brujas, monstruos y demonios. En la exposición
se intentan cuestionar estas creencias y observar las complejidades de muchos
de estos personajes: mujeres independientes, apartadas de la sociedad, solteras
y sin hijos. Dotadas de un conocimiento esotérico y habilidades mágicas, son
ambiciosas en la búsqueda de sus propios intereses. Existe una gran ambigüedad
en torno a ellas, porque pueden verse como figuras peligrosas, pero también
protectoras. Por ejemplo, Medusas, el monstruo de la mitología griega,
concentra las dos vertientes. Desde mediados del siglo XX, su imagen se ha</span><span style="font-family: Arial, sans-serif; font-size: 14pt;"> adoptado como icono de la rabia y de la rebelión feminista.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfGCmVFzXqIjk98CCoA2IE1N0KBZixkukwJ0zKLlNGq0RBuXYvMVEi3NJ7GVtAjkIutYoRg57pdyPPp7pgcOY2u8aXea5j94O7x_1NnI80TmBriT1LNRRFv06x5rHMnZz15_jxLYagKdMnifkfYHxzcj2nZ8kP6rryjaybyk3t5qOJzx_8085sIpSVvA/s5951/6%2006-Veneradas-y-temidas.-CaixaForum-Madrid.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3926" data-original-width="5951" height="422" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfGCmVFzXqIjk98CCoA2IE1N0KBZixkukwJ0zKLlNGq0RBuXYvMVEi3NJ7GVtAjkIutYoRg57pdyPPp7pgcOY2u8aXea5j94O7x_1NnI80TmBriT1LNRRFv06x5rHMnZz15_jxLYagKdMnifkfYHxzcj2nZ8kP6rryjaybyk3t5qOJzx_8085sIpSVvA/w640-h422/6%2006-Veneradas-y-temidas.-CaixaForum-Madrid.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">La exposición cuenta con piezas icónicas, como una estatua romana de Venus.</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Una
exposición innovadora que pone el foco sobre la feminidad y el poder femenino
desde la perspectiva de múltiples religiones y sistemas de creencias, tomadas
de todas las épocas y en todo el mundo. Belinda Crerar, comisaria y responsable
de desarrollo de contenido de exposiciones del British Museum, se trata de una
colaboración entre Fundación “la Caixa” y el British Museum, que reúne 166
piezas históricas: desde la prehistoria hasta el siglo XXI, a través del
diálogo con artistas contemporáneas.<o:p></o:p></span></p><i><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></i><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;">
</p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Al
final del recorrido, el espacio de mediación quiere despertar el sentido
crítico del público en torno a algunos temas que aborda la exposición desde una
perspectiva actual.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidghEAdHrmYFJ19fEfMIPUBoeGGU6JgKwFDpvvvQQX9JiKHl-03_DJNEslpSP386sQbIfn3ZSVco0ZMQKgY_NGmdy-E_sJXsZQBMYq8zMUyoeGcJcUEEwvT_fqX9GflcktGM2kZxAhFc5caBM5aTztxTapV1UmMZZHupDYxNW1xRMiEu0kV-lq4uAy6w/s5820/7%20Austin-Camilleri_2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="3880" data-original-width="5820" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEidghEAdHrmYFJ19fEfMIPUBoeGGU6JgKwFDpvvvQQX9JiKHl-03_DJNEslpSP386sQbIfn3ZSVco0ZMQKgY_NGmdy-E_sJXsZQBMYq8zMUyoeGcJcUEEwvT_fqX9GflcktGM2kZxAhFc5caBM5aTztxTapV1UmMZZHupDYxNW1xRMiEu0kV-lq4uAy6w/w640-h426/7%20Austin-Camilleri_2.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Austin Camilleri, LEIVA, Malta, 1972. Cortesía del artista.</span></div><p></p><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">© Mariví Otero 2023</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">Manuel Otero Rodríguez</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; text-align: left;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;">Fuente:
“Veneradas y Temidas. El poder femenino en el arte y las creencias” CaixaForum
Madrid. Del 27 de septiembre 2023 al 14 de enero de 2024. Área de Relaciones
con los Medios de la Fundación “la Caixa”: Documentación y fotografías.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/DoDNhFBlj2w" width="320" youtube-src-id="DoDNhFBlj2w"></iframe></div><p></p></div><p></p><p></p>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-7683584055921977667.post-46535401513201145282023-10-20T18:58:00.000+02:002023-10-20T18:58:17.001+02:00EL ESPEJO PERDIDO. Judíos y conversos en la España Medieval.<div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0TJgrKRku-K_LHHzHeHGaRoTwNsfWFHNJ4eXdHbjrr_1NhyrXGYrKzDjyNVVItX9n6TFI2ElGfG5UlrcuDJakClES5oJqFZxyoMHbjaTXgEfkOh52YC5RyGVxi42tgE7EDJogOSf4mUOW1pPyK5bEo5l7eae0wb_OgmiSwQwjvuDXSc49N-rVuYi1Vg/s730/1%2094a36a52-ad5a-2fe2-9842-9ef66e7a13cf.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="487" data-original-width="730" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0TJgrKRku-K_LHHzHeHGaRoTwNsfWFHNJ4eXdHbjrr_1NhyrXGYrKzDjyNVVItX9n6TFI2ElGfG5UlrcuDJakClES5oJqFZxyoMHbjaTXgEfkOh52YC5RyGVxi42tgE7EDJogOSf4mUOW1pPyK5bEo5l7eae0wb_OgmiSwQwjvuDXSc49N-rVuYi1Vg/w640-h426/1%2094a36a52-ad5a-2fe2-9842-9ef66e7a13cf.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Imagen de la exposición “El espejo perdido. Judíos y conversos en la España Medieval” Foto © Museo Nacional del Prado. </span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Caminamos
por el Museo Nacional del Prado al encuentro de esta exposición, comisariada
por Joan Molina Figueras, jefe de Departamento de pintura Gótica Española del
Museo del Prado, y organizada en colaboración con el Museu Nacional d’Art de
Catalunya, ofrece una sugestiva panorámica sobre el papel que tuvieron las
imágenes en las relaciones entre judíos y cristianos en la España (1285-1492).</span></p></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOnX0BtWhUQco0UMvupOlzDCj9GltU5m2pVk5E0BK1KjaHmCMXaU075d3z1r59sC_GrIcY4JirmrBkD0PpzGeh6c3cJw7tF6lVodx4f5j-5n2xmON3xw2pwFdgjvuYHxZI2NVipKIPVBYRJrQ6kXexYqcndBTLSeHi_P4y1Re9YGfIIzr6005EUblndg/s1118/2.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1118" data-original-width="730" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOnX0BtWhUQco0UMvupOlzDCj9GltU5m2pVk5E0BK1KjaHmCMXaU075d3z1r59sC_GrIcY4JirmrBkD0PpzGeh6c3cJw7tF6lVodx4f5j-5n2xmON3xw2pwFdgjvuYHxZI2NVipKIPVBYRJrQ6kXexYqcndBTLSeHi_P4y1Re9YGfIIzr6005EUblndg/w418-h640/2.jpg" width="418" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Cristo de la Piedad Bartolomé Bermejo Óleo sobre tabla, 94,8 x 61,9 cm h. 1471-76 Peralada (Gerona), Museu del Castell de Peralada, inv. 13848</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Aunque
numerosas obras destacan por su componente estético -y al respecto, solo cabe
indicar que entre sus autores encontramos sobresalientes maestros del gótico
como <i>Pedro Berruguete, Bartolomé Bermejo, Fernando Gallego o Bernat Martorell,
</i>entre otros-, en la exposición hay un conjunto de piezas realizadas más
allá de los cánones de la historia de los estilos -como caricaturas,
sambenitos, grabados o bizarras esculturas. El objetivo es ofrecer una visión
lo más completa y rigurosa posible de un tema que sólo podemos abordar desde
una perspectiva que supera las fronteras tradicionales de la historia del arte.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyqQjA0qpb2y8SG6QEsN1bix-F_seV4r5zuQAd3JQzooWItR3Um-bspVXbLi8xMacY5maNghFrkCYnVvfOcPXcEt4OKaNGHfVEoTcNKkwgSzHaEVCDAkKwV59qWxlKjAjJDwWkty9oUqYSiU7spZ8kEOHu6CnGZXKRU1iKCsRpkJfA2L3g1nOkp5IPuA/s1063/3%20fb111056-59c2-ccf7-b7f5-25e79121aca6.jpeg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1063" data-original-width="730" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyqQjA0qpb2y8SG6QEsN1bix-F_seV4r5zuQAd3JQzooWItR3Um-bspVXbLi8xMacY5maNghFrkCYnVvfOcPXcEt4OKaNGHfVEoTcNKkwgSzHaEVCDAkKwV59qWxlKjAjJDwWkty9oUqYSiU7spZ8kEOHu6CnGZXKRU1iKCsRpkJfA2L3g1nOkp5IPuA/w440-h640/3%20fb111056-59c2-ccf7-b7f5-25e79121aca6.jpeg" width="440" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Nacimiento de san Juan Bautista (parte del Retablo de los Santos Juanes de Vinaixa [Lérida]) Bernat Martorell Óleo sobre tabla, 88,5 x 68,7 x 8 cm h. 1450 Barcelona, Museu Nacional d'Art de Catalunya, MNAC 71932</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Una de
las particularidades de esta exposición es la presentación de un conjunto de
obras y programas absolutamente únicos en toda Europa, puesto que responden a
las especiales circunstancias que determinaron las relaciones en los reinos
peninsulares entre los siglos XIII y XV. Nos referimos a aquellas imágenes
relacionadas con la polémica que afectó a los conversos, y que fueron
concebidas, ya sea para estimular la conversión, ya sea para justificar la
sincera decisión de los nuevos cristianos. Igualmente, originales resultan los
cielos e imágenes concebidos en los primeros tiempos de la Inquisición española,
tanto escenografías para las iglesias como obras de carácter propagandístico.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAF6f_BjgTaMFQhg1OqZL8PDl7e4m2V1PVWLLOGiIulm_RaSAFhmyqa15Sng2Q8Q7kPE5h9smuAW0K3fxd1Bayl8TQVDQquHN5CmPFGpL2fpOvnkVS9oZG2sKz5jUrDelXv4tOzv4q1tbBXrGqHKieWKQ0J-4scmuQkMVz7wqxOnhtDqVX3qnARkvgkw/s1114/4%2022560f56-93db-7a95-815d-f0eb3a965560.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1114" data-original-width="730" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAF6f_BjgTaMFQhg1OqZL8PDl7e4m2V1PVWLLOGiIulm_RaSAFhmyqa15Sng2Q8Q7kPE5h9smuAW0K3fxd1Bayl8TQVDQquHN5CmPFGpL2fpOvnkVS9oZG2sKz5jUrDelXv4tOzv4q1tbBXrGqHKieWKQ0J-4scmuQkMVz7wqxOnhtDqVX3qnARkvgkw/w420-h640/4%2022560f56-93db-7a95-815d-f0eb3a965560.jpg" width="420" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">La fuente de la Gracia Taller de Jan van Eyck Óleo sobre tabla, 181 x 119 cm h. 1430-40 Madrid, Museo Nacional del Prado, P-1511</span></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">Entre
1285 y 1492, las imágenes desempeñaron un papel fundamental en la compleja
relación entre judíos, conversos y cristianos. Si, por un lado, fueron un
importante medio de transferencia de ritos y modelos artísticos entre
cristianos y judíos al tiempo que propiciaron un espacio de colaboración entre
artistas de ambas comunidades; por otro, contribuyeron a difundir el creciente antijudaísmo
que anidaba en la sociedad cristiana. En este terreno, la estigmatización
visual de los judíos fue un fiel reflejo del espejo cristiano, de sus creencias
y ansiedades, y, con ello un poderoso instrumento de afirmación identitaria.
Tras la masiva conversión de judíos al cristianismo como consecuencia de los
pogromos de 1391, las imágenes de culto se situaron en el centro de la
polémica, convirtiéndose en la prueba para afirmar la sinceridad de los nuevos
cristianos o, por el contrario, para acusarlos de judaizar. La extensión de
estas imaginarias sospechas de la herejía judaizante se encuentra en la base de
la fundación de la Inquisición española en 1478. Consciente del poder de las
imágenes, la nueva institución hizo un uso intensivo de las mismas, ya fuese
para diseñar poderosas escenografías o para definir fórmulas de identificación
visual de los conversos. </span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEid7fW6yDqwWeQc23O-pWwpWd77D3lLEEASfpNQvxrh0QEGUw8bL1INyvceEZp8bdfsnuAoMtpXQVD0o2y_fRFtzxbsCHKHpik7Icw2mv4wiho9dPEE7L54yjg5avCHQuqtjGmuXktSqMIr3052fvtfNTetDmGLiOKW49FGuTphPxh_8rXVSpxl3Wz09w/s730/5%200e7f12c5-a4e8-2794-9477-a80501a30092.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="487" data-original-width="730" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEid7fW6yDqwWeQc23O-pWwpWd77D3lLEEASfpNQvxrh0QEGUw8bL1INyvceEZp8bdfsnuAoMtpXQVD0o2y_fRFtzxbsCHKHpik7Icw2mv4wiho9dPEE7L54yjg5avCHQuqtjGmuXktSqMIr3052fvtfNTetDmGLiOKW49FGuTphPxh_8rXVSpxl3Wz09w/w640-h426/5%200e7f12c5-a4e8-2794-9477-a80501a30092.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="font-size: x-small;">Imagen de la exposición “El espejo perdido. Judíos y conversos en la España Medieval” Foto © Museo Nacional del Prado. </span></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">El
recorrido por la exposición <i>“El espejo perdido. Judíos y conversos en la
España Medieval”</i> es espléndido, es la primera gran muestra, tanto por el
número como por la representatividad de las obras seleccionadas, que recupera
un espejo medieval: el retrato de los judíos y los conversos concebido por los
cristianos en España entre 1285 y 1492. Dividida en cinco secciones<i>: I Transferencias
e intercambios. II De precursores a ciegos. III Antijudaísmo e imágenes
mediáticas. IV Imágenes para conversos, imágenes de conversos. V Escenografías
de la inquisición.</i><o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;"></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjWXlLEYXmLb0TqbPabuLSy60DEGAxkYdo089RukLCfRP8VDJiWVcOtHssSyLan44dJMlTm9ES14jSustiVTpelG9wDsVHD6jsli_nQ36_m9h-UqrXkfwgTAhrjgaQ9TI91KyPIcEr0nuEpI8GVA0q0v4aldzzKRCBvOON7tORK5BMPNP0fDyiqPB9UA/s730/6%201fe81658-fa4d-d3f8-ef0b-49579c691a92.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="487" data-original-width="730" height="426" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhjWXlLEYXmLb0TqbPabuLSy60DEGAxkYdo089RukLCfRP8VDJiWVcOtHssSyLan44dJMlTm9ES14jSustiVTpelG9wDsVHD6jsli_nQ36_m9h-UqrXkfwgTAhrjgaQ9TI91KyPIcEr0nuEpI8GVA0q0v4aldzzKRCBvOON7tORK5BMPNP0fDyiqPB9UA/w640-h426/6%201fe81658-fa4d-d3f8-ef0b-49579c691a92.jpg" width="640" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both;"><span style="font-size: x-small;">Imagen de la exposición “El espejo perdido. Judíos y conversos en la España Medieval” Foto © Museo Nacional del Prado. </span></div><div><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: "Arial",sans-serif; font-size: 14.0pt; line-height: 150%;">La
muestra reúne 71 obras realizadas con diferentes técnicas (pintura, escultura,
miniatura, orfebrería, grabado, dibujo y libros) procedente de casi una
treintena de iglesias, museos, bibliotecas, archivos y colecciones particulares
españolas y extranjeras.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allowfullscreen="" class="BLOG_video_class" height="266" src="https://www.youtube.com/embed/UI1DT79GEWc" width="320" youtube-src-id="UI1DT79GEWc"></iframe></div><p></p><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">© Mariví Otero 2023</div><div class="separator" style="clear: both;"><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; font-size: 14.85px; text-align: left;">Manuel Otero Rodríguez</div><div style="background-color: white; color: #2a221a; font-family: Arial, Tahoma, Helvetica, FreeSans, sans-serif; text-align: left;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: justify;"><span style="font-family: Arial, sans-serif; line-height: 150%;">Fuente:
“El espejo perdido. Judíos y conversos en la España Medieval”. Museo Nacional
del Prado. Hasta el 14 de enero de 2024. </span><span style="font-family: Arial, sans-serif;">Museo
Área de Comunicación: documentación y fotografías.</span></p></div></div></div></div></div></div><p></p><span style="text-align: left;"></span></div>Marivi Oterohttp://www.blogger.com/profile/00119203618428373542noreply@blogger.com0