POLIEDROS. José María Raya. MAC JOSÉ MARÍA MORENO GALVÁN.
En el
Museo de Arte Contemporáneo José Maria Moreno Galván, visitamosvirtualmente la exposición
"Poliedros" del arquitecto José Maria Raya Román.
Comisario
de la muestra: Miguel Ángel Rivero Gómez.
"Poliedros"
es una gran propuesta de este profesor de la Facultad de Arquitectura de la
Universidad de Sevilla, y que ha contado con la colaboración de Real Academia "Luis
Vélez de Guevara" de Écija junto con la Universidad de Sevilla.
POLIEDROS. José María Raya. MAC JOSÉ MARÍA MORENO GALVÁN.
En la
exposición se conjuga los sólidos geométricos de dos autores cuya obra, si bien
distinta en el tiempo, se complementa en su perspectiva clásica: hablamos del
renacentista alemán Alberto Durero, artista reconocido por sus tratados sobre
dimensionalidad en el Arte, y el genio matemático del romanticismo que impulso
teoremas numéricos, Eugene-Charles Catalán.
POLIEDROS. José María Raya. MAC JOSÉ MARÍA MORENO GALVÁN.
Este
proyecto ha cobrado vida (y forma) a través del equipo de FABLAB (Laboratorio
de Fabricación Digital de la Escuela de Arquitectura de Sevilla).
Los
sólidos platónicos que Durero analiza en su cuarto libro: Tetraedro, Hexaedro,
Octaedro, Dodecaedro, Icosaedro; y siete de los trece sólidos semirregulares arquimedianos:
Tetraedro truncado, Cubo truncado, Cuboromo, Cuboctaedro, Rombicuboctaedro,
Cuboctaedro truncado (entre otros).
POLIEDROS. José María Raya. MAC JOSÉ MARÍA MORENO GALVÁN.
A
estos hay que añadirle el poliedro que aparece en su misterioso grabado
Melancolía I (1514), una de las composiciones alegóricas más famosas de los
antiguos maestros.
POLIEDROS. José María Raya. MAC JOSÉ MARÍA MORENO GALVÁN.
Nosotros descubrimos esta espléndida
exposición a través de las fotografías recibidas de nuestro gran amigo José
Maria Raya Román, autor de la muestra. Estamos en el centenario de Francisco
Moreno Galván, esta exposición la Incluyo, le hubiese gustado, ambos eran
grandes amigos.
POLIEDROS. José María Raya. MAC JOSÉ MARÍA MORENO GALVÁN.
Recomiendo
un paseo por la exposición que se puede visitar hasta el 29 de junio 2025.
En RIO
& MEÑAKA Gallery visitamos "GOO" exposición de la artista NURIA
MORA (Madrid, 1974), desde sus primeros trabajos, la artista ha mantenido un
diálogo constante con la ciudad y el entorno urbano, articulando una práctica
site-specific que activa el espacio como territorio de experimentación, donde
la instalación se convierte en una herramienta fundamental de relectura del
paisaje y transformacióndel espacio
público en una excusa para explorar el movimiento y la aventura como formas de
intuición y riesgo.
Una
gran instalación pieza principal de la exposición, site-specific realizada con
cerámicas, esponjas, cuerdas, objetos encontrados, alambres y elementos
orgánicos -que hacen referencia a los restos de un naufragio que descansan en
el fondo del mar-.
Nuria Mora. "Goo". RIO & MEÑAKA.
Esta
instalación se construye a partir de fragmentos recogidos en la calle, de los
que se hicieron nuevos moldes, junto con otros rescatados de una antigua
fábrica de muñecas de porcelana abandonada, piezas modeladas por la artista,
alambre y cuerdas.
La
combinación de estos elementos -cada uno con su propia historia- simboliza la
creación de una nueva realidad a partir de fragmentos del pasado, recuperando y
transformando lo roto en algo completamente nuevo.
Nuria Mora. "Goo". RIO & MEÑAKA.
La
exposición continúa con un conjunto de trabajos pictóricos que suponen una
ruptura con la propia trayectoria de la artista. Cartografías personales que
atraviesan su lenguaje plástico y se transforman aquí en un viaje sensorial
hacia lo no representado.
Nuria Mora. "Goo". Fotografía de sala. RIO & MEÑAKA.
El
título de la exposición, "GOO" hace referencia directa al álbum
homónimo de Sonic Youth, publicado en 1990, un disco que marcó un hito por su
actitud radical y trasgresora dentro de la música.
Nuria Mora. "Goo". Fotografía de sala. RIO & MEÑAKA.
Os
invito a caminar por la muestra hasta el 28 de junio 2025.
El último exiliado. Guernica. Llegada a Madrid y traslado al Casón del Buen Retiro, 1981.
Nos
encontramos a la fotoperiodista Marisa Flórez. "Un tiempo para mirar
(1970-2020)" en una gran muestra, en la Sala Canal de Isabel II de la
Comunidad de Madrid, comisaria de la misma: Mónica Carabias Álvaro.
Un
viaje por la trayectoria creativa de la fotoperiodista Marisa Flórez (León,
1948) sobre los acontecimientos sociales y políticos de la historia reciente de
España, desde la inauguración de la vida parlamentaria hasta las primeras
manifestaciones o la llegada de El Guernica.
Ley del aborto. Madrid, 1983.
Marisa
Flórez es pionera en una profesión mayoritariamente masculina, "Un tiempo
para mirar. 1978-2020", recorre las cinco décadas de oficio a través de
184 instantáneas -algunas inéditas hasta el momento- mostrándonos a los
visitantes nuevos enfoques que permiten disfrutar y entender una época vibrante
de nuestro pasado, desde una óptica sorprendente y valiente, pero también
rigurosa, tenaz, discreta y humana.
Periodistas concentrados en busca de información durante una reunión a puerta cerrada del Consejo político de la UCD. Madrid, 1982.
La
muestra se divide a lo largo de las cuatro plantas de la Sala del Canal Isabel
II, obedeciendo a un criterio temático, que se presenta como un viaje que
conmemora de entender la fotografía de Marisa Flórez: Como un dialogo, en cada
planta nos encontramos con imágenes inmortales en las que los personajes
retratados, muchos de ellos figuras icónicas del cambio social y político de la
España surgida a partir de 1977, muestran su lado más íntimo ¡Nuestra
Democracia! [Los años 80 fueron muy importantes, hice mi primer comisariado
"La Escuela de Vallecas, 1927-1936/1939-1942" en 1984.]
Planta
baja: El comienzo de Algo nuevo). Planta 1: Queda abierta de legislatura.
Planta 2: Pasan tantas cosas.
Planta
3. el 10 de septiembre de 1981, siete meses después del intento de golpe de
Estado del 23-F por el teniente Antonio Tejero, el Guernica (1937) de Picasso
llegaba al Aeropuerto de Barajas, gracias a las negociaciones entre el gobierno
español, y el gobierno de Estados Unidos y el museo. El responsable principal
de esta operación de esta operación fue el Gobierno español, con el apoyo del
ministro de Cultura Íñigo Cavero, el director general de Bellas Artes Javier
Tusell y sus colaboradores. Llegaba el último exiliado de España y Marisa
Flórez estaba ahí para dejar constancia fotográfica de toda la operación.
Promoción de mujeres guardias civiles en formación en Valdemoro. Madrid, 1989.
En
esta planta también se recogen imágenes sin título, y que exploran además el
arte como política; protagonizando algunas de ellas rostros como Pedro
Almodóvar, Ana Belén, Berlanga, Buñuel, Pilar Miró o Annie Leibovitz.
Pedro Almodóvar con las actrices María Barranco, Carmen Maura y Rossy de Palma. Madrid, 1987.
Exposición
que merece un paseo, es nuestra historia reciente. Hasta el 20 de julio 2025.
Documentación y fotografía: Comunicación prensa Sandra Fernández y Paila Ramos,
Sala Canal Isabel II.
"TORNER". Centenario en la Academia (obra 1977-2008). Fotografía de sala.
Ayer
en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando visitamos la exposición
"TORNER. Centenario en la Academia (obra 1977-2008)", la RABSF
conmemora el aniversario del centenario de Gustavo Torner (Cuenca, 1925).
Comisariada por Arturo Sagastibelza, la exposición se centra en un periodo y
ámbito creativo de su producción, la obra pictórica de grandes dimensiones
realizada entre 1977 y 2008, siendo complementaria a la organizada en Cuenca
por la Fundación Torner.
TORNER. Centenario en la Academia (obra 1977-2008). Rueda de prensa.
Pequeña,
pero espléndidas trece pinturas variadas formal y conceptualmente, que
configuran una buena representación de esa síntesis de culturas, civilizaciones
y tiempos, de grandes recursos, técnicos, que caracteriza la obra de Torner,
pinturas de gran formato de la etapa de madurez del artista.
TORNER. Centenario en la Academia (obra 1977-2008). Fotografía de sala.
La
trayectoria creativa de Torner se ha desarrollado a lo largo de más de ochenta
años sin limitarse a los campos habituales en los que suele desplegar su labor
el artista plástico. Aparte de su ya extenso catálogo de pinturas, esculturas,
dibujos, collages o estampaciones en las más diversas técnicas, se ha adentrado
de manera muy amplía en ámbitos creativos diversos.
TORNER. Centenario en la Academia (obra 1977-2008) Fotografía de sala.
Gustavo
Torner es una figura del arte español, perteneciente a la llamada segunda
generación abstracta o generación de los años cincuenta del siglo XX. Su obra
se adscribe por lo general a la vertiente más lírica, construida e intelectual
del arte, alejada de esa línea expresionista.
TORNER. Centenario en la Academia (obra 1977-2008) Fotografía de sala.
Debemos
añadir su trascendental labor sociocultural en campo de la museografía, con el
diseño y montaje de pabellones feriales, muesos privados y numerosas
exposiciones.
Gustavo
Torner, un gran artista que lo encontramos en Madrid (Reflexiones I, de 1972,
que popularmente ha dado nombre a la "Plaza de los cubos").
Se
puede visitar hasta el 27 de julio 2025. Documentación y fotografía: Dpto.
Comunicación Rabasf. Marina Arroyo.
En el
Museo Nacional Reina Sofía nos paseamos por diez salas que muestran las
diferentes facetas que cultivó el artista y que recoge cerca de 200 obras:
pinturas de estilos diversos, murales, arquitectura, escenografías teatrales de
autores como Manuel de Falla o la Argentina. Libros, cuadernos, revistas,
posters, postales y fotografías que se exponen en varias vitrinas.
Néstor
Martín-Fernández de la Torre nació en las Palmas de Gran Canaria, 1887, pero
pronto se desplazó a la península, primero a Madrid, donde inició su periodo de
formación y después a Barcelona, donde vivió de 1907 a 1913, frecuentando los
círculos modernistas. Bien recibido en la ciudad condal, expuso su obra en sala
Parés, con grandes críticas de Eugenio D’Ors entre otros. En 1913 se trasladó
de nuevo a Madrid donde conoció a Valle-Inclán, Lorca y a un joven Dalí que
quedó prendado por la audacia proto surrealista de su obra. Viajó también a
Londres, París y Bruselas y asumió los rasgos y preceptos prerrafaelistas, como
Gustave Moreau o Franz Von Stuck.
Vivió
en la capital francesa junto a su pareja el compositor Gustavo Durán, durante
una década. Su traslado a esta ciudad cosmopolita propició su despegue
internacional, especialmente tras su exposición en la Galería Charpentier en
1930.
Pintura retrato de Gustavo Durán 1931-34. Galería de retratos, Museo Néstor. Las Palmas De Gran Canaria.
Berceuse (a la manera de M. Ravel) para dormir a Federico cuando se vuelva pequeño: 27 de noviembre de 1925.
Isabel Villanueva, viola - Samuel Diz, guitarra.
Fonogramas cortesía de Poliédrica® y herederos de Gustavo Durán.
Seguidillas de la noche de San Juan: Playa de las Canteras, Isla de Gran Canaria, octubre de 1926. Texto de Lope de Vega.
Jonatan Alvarado, tenor - Samuel Diz, guitarra
Fonogramas cortesía de Poliédrica® y herederos de Gustavo Durán.
El fandango de Candil (bolero): 1927.
Antonia Mercé "La Argentina" palillos con acompañamiento de Orquesta (Odeón, 1935).
Digitalización de fonograma cortesía de Fundación Juan March.
En
1934 regresó a las Palmas tras su ruptura sentimental y a causa también de los
problemas económicos derivados de la crisis mundial de 1929. Murió
inesperadamente en 1938 a consecuencia de una neumonía. Tras su muerte fue
cayendo en el olvido y se fue perdiendo su huella en el arte español debido,
según el comisario de la muestra, Juan Vicente Aliaga, “a que el régimen
franquista se apropió de su obra y la convirtió en un mero exponente del
folklore canario”, y a causa también del declive que experimentó el simbolismo
que el artista canario practicó en gran parte de su obra.
Asistimos
al encuentro entre Juan Vicente Aliaga, comisario de la muestra, y Manuel
Segade, director del Museo. Ambos nos descubrieron un artista realmente
perdido, aunque una de las obras expuestas en la muestra, estuvo en una muestra
colectiva realizada por mí hace años.
Manuel Segade, director museo. Juan Vicente Aliaga, comisario de la exposición.
Nuestro
recorrido por la espléndida exposición: Néstor reencontrado. La gran antológica
que recupera la figura del artista canario Néstor Martín-Fernández de la Torre.
En
busca de su identidad como artista.
En
esta primera fase de formación, retrata a su hermano su madre, así mismo y en
el marco de una exposición colectiva organizada en el Círculo de Bellas Artes,
tiene ocasión de presentar su obra Adagio (1903), donde comienza a indagar en
el mundo simbolista. En esta obra aborda el mito de Leda y el cisne, con un
claro componente sexual, donde Leda, tumbada desnuda junto a un estanque,
acaricia el cuello del animal que encarnaba a Zeus. También se asoma el
impresionismo con Calle Mayor de Madrid (1904).
Los
años de Barcelona (1907-1913).
En
estos años, se va perfilando su personal concepción de arte, marcado por un
desbordante cromatismo, como en La hermana de las rosas (1908) y el Retrato de
Enrique Granados (1909-1910) de ecos modernistas.
En
esta sala también encontramos el polémico Epitalamio o las bodas del príncipe
Néstor (1909), que se exhibió en Bruselas en 1910. Este lienzo de grandes
dimensiones (210 x 231 cm) presenta dos figuras cogidas de la mano, a la
izquierda un retrato del propio Néstor, y a la derecha, su propia versión
travestida y feminizada.
En
círculo decadente.
Néstor
se mantiene alejado del naturalismo y el realismo, muy en boga en aquellos años,
y ahonda en personajes ambiguos y refinados, seres etéreos y sensuales que se
escapan de los cánones binarios de la época. En general, es un artista
reconocido. Su arte se nutría de constantes guiños literarios e imaginarios,
así como de una serie de figuras de físico andrógino como Estampa romántica
(1910 -1913). Probablemente su mayor audacia en este campo fue la composición
Los siete vicios (1913), de trasfondo homoerótico, que acompañaba un poema de
Rubén Darío.
Poemas
de los Elementos.
En
1913 inicia su más ambicioso proyecto, que desarrollo a lo largo de toda su
vida sin llegar a concluir, debido a su inesperado fallecimiento en 1938.
Obedece a un deseo quimérico: la construcción de una suerte de capilla, en el
Palacio de los Elementos, donde presentar cuatro grandes murales dedicados a
las cuatro estaciones y cuatro momentos del día: aurora, mediodía, crepúsculo y
noche. Es una obra que se nutre del simbolismo cercano al proto surrealismo,
los principios de la masonería, un erotismo exuberante y mayormente homoerótico
y una exaltación de lo canario, centrado en la flora y lo marítimo.
Mar en
Reposo, es el lienzo que cierra El poema del mar, muestra dos cuerpos
masculinos desnudos, uno de los cuales, el de cabellos dorados es Gustavo
Durán, un jovencísimo músico que fue pareja del artista durante una década,
como una de las muestras más estacadas del amor entre dos hombres.
En el
Poema de tierra, destacan tanto el simbolismo masónico como la representación
de la sexualidad en cuerpos que concilian el género femenino y masculino.
Feminidades:
entre la españolidad y el cosmopolitismo.
En
obras como Mantillas (1915) o El Garrotín (1928) se pueden ver mujeres
musculadas con una fuerza de carácter alejada de pasividad. En otras obras, en
cambio, respeta el gusto hegemónico. Las distintas feminidades que Néstor
plasmó en sus obras derivan de diversas aproximaciones estéticas: Señorita
Acebal (1914) sigue la estela simbolista, Marquesa de Casa Maury (1931) esta
próxima al art decó cosmopolita, mientras que Requiebro (1930) se identifica
plenamente con el folklorismo español.
Néstor
sorteó las corrientes de la época -impresionismo, realismo, naturalismo- para
elegir un estilo propio, pero también era consciente de que necesitaba producir
las obras producir las obras que el mercado demandaba para satisfacer sus
necesidades económicas.
Mitologías
sexualizadas: la serie de los sátiros.
Para
un admirador del arte clásico como Néstor, la elección del sátiro de origen
griego no es casual. Esta divinidad campestre, caracterizada por su cornamenta,
patas de macho cabrío y cuerpo masculino, está asociada a deidades como
Dionisos, Pan y Príapo.
Néstor
llevó a cabo sus sátiros en distintas etapas de su trayectoria y sus
representaciones abarcan desde la juventud hasta la madurez. Por otra parte, el
sátiro de Néstor sigue mostrando interés por la simbología masónica.
El
talento escenográfico.
El
talento escenográfico de Néstor radicó en la fusión de vanguardia y tradición.
La eficacia de esta combinación vuelve a repetirse en la producción Triana de
los Ballets españoles de Antonio Mercé y música de Isaac Albéniz que en 1929 se
presentó en la Ópera-Comique de París.
En
julio de 1936, poco antes del estallido de la guerra civil, Alejando Casanova
llevó a escena La sirena varada, una obra con un decorado enormemente innovador
en la que Néstor incorporó elementos próximos al repertorio surrealista como
son el ojo, la oreja, los labios o las alas.
Néstor
muralista.
Entre
1925 y 1928, alcanzó uno de sus mayores logros con los murales del Teatro Pérez
Galdós en Las Palmas, donde plasmó escenas barrocas con figuras clásicas como
Apolo y las musas.
Néstor
polifacético.
Durante
su estancia en París (1925-1934), Néstor vivió una etapa especialmente activa,
desempeñándose, entre otras cosas, como diseñador de telas para una tienda de
Nueva York. Sus diseños fusionaban motivos abstractos, influenciados por el
estilo de Sonia Delaunay, con elementos figurativos de inspiración surrealista.
En el
ámbito arquitectónico destacan los dibujos realizados para el Albergue de la
Cruz de Tejada y el Pueblo Canario que vieron la luz gracias a los proyectos de
su hermano, Miguel Martín-Fernández de la Torre.
En
torno de la canariedad: la promoción de la cultura popular.
Llegamos
la última sala de la exposición, se centra en uno de los elementos más
significativos de la obra de Néstor, su canariedad. Las islas están presentes
desde su etapa de juventud y atraviesan como un eje su proyecto más ambicioso.
Néstor
empezó a desplegar un gran número de actividades -escritos, conferencias,
discursos, actos festivos, diseño de ropa- con las que promovió el conocimiento
del canto y las danzas propias, la arquitectura popular, el deporte autóctono o
las ropas y diseños vernáculos, sin caer en el folklorismo, movido a menudo por
una concepción idealista y ensoñadora que también se refleja en sus Visiones de
Gran Canaria (1928-1934).
Comisariada
por el historiador Juan Vicente Aliaga, en estrecha colaboración con el
Museo Néstor de Las Palmas de Gran Canaria y TEA Espacio de las Artes.
Mariví
Otero
Manuel
Otero Rodríguez
Fuente:
Néstor reencontrado. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. 14 de mayo al 8
de septiembre de 2025. Edificio Sabatini, 1ª planta. Zona A. Documentación y
fotografía: Gabinete de Prensa Museo Reina Sofía. Samuel Diz, gracias por tu aportación.
Reproducción fotográfica de la obra: Joaquín Cortés
En la
Galería Leandro Navarro vamos al encuentro de esta exposición que cuenta con
cinco óleos sobre lienzo y cuatro obras sobre papel, fechadas c.1907 y c. 1937,
además se exponen tres obras de Solana no pertenecientes a la colección
Velarde.
“Solana
está fuera
de su tiempo […]
Es
lo que se llama un
pintor que no está
a la moda, y por eso
Solana, que no es
un pintor a la moda,
será
un pintor que
nunca
pase de moda”
Alfredo
Velarde
Vista de la exposición Solana en la colección Alfredo Velarde. Foto: Esther Rodríguez Cámara.
De
espléndida relevancia histórico-artística es esta muestra, recupera la
colección de obras de un gran pintor como es José Gutiérrez Solana (Madrid,
1886-1945) que formó el crítico de arte chileno Alfredo Velarde Gómez
(Valparaíso, 1998- Viña del Mar, 1983) durante sus años de estancia en España
(1920-1937).
José Gutiérrez Solana
Máscaras en Segovia
c. 1927
Óleo sobre lienzo
80 x 60 cm
Reproducción fotográfica de la obra: Joaquín Cortés
Alfredo
Velarde, era amanta de la literatura, de la pintura y de todo tipo de arte, por
lo que frecuentaba cafés y círculos sociales donde se reunían pintores y
escritores de la época. Testimonios en prensa de aquel momento, dan fe de que
fue un hombre muy respetado como crítico de arte y un gran amante de la obra de
Solana, con quien mantuvo una gran amistad.
En la
exposición hay una vitrina dedicada a dicha amistad, cartas que se
intercambiaron de 1933 a 1943 y que Alfredo Velarde conservó en su archivo
junto a fotografías, folletos de exposiciones y recortes de periódicos
relacionados con Solana.
Vista de la vitrina con material de archivo de la exposición Solana en la colección Alfredo Velarde. Foto: Esther Rodríguez Cámara.
Escribe
Manuel Sánchez-Camargo: “Ante Solana pintor fracasan los métodos con los que se
intenta apresar al artista para clasificarle y analizarle. Está solitario en la
pintura, como lo estuvieron los que, precediéndole, encaminaron sus pasos por
senderos recién descubiertos. Solana es un número impar. Lo mismo que en su
vida no dialoga ni cambia ideas, en su pintura tampoco sigue un proceso con
antecedentes o consecuencias. Sus cuadros se producen por causas inmediatas y,
desde luego, extrañas a los propósitos que a los demás les impulsan. En todos
los estudios que se hagan sobre cualquier pintor podemos encontrar otro hombre
que, en el tiempo, le acompaña delante o detrás, en el horizonte hacia el cual
dirige sus pasos. En solana sería mentir sí, al intentar hablar acerca de su
pintura, le buscásemos la influencia, el prólogo o la compañía. No existe”. Manuel
Sánchez-Camargo. Solana. Vida y pintura. Taurus Ediciones. Primera edición.
Madrid 1945. Segunda edición Madrid-1962. Deposito Legal: M. 3771.1962. En la
pág. 194 encuentro la obra “Bodegón del acueducto, 1928”, precioso bodegón
que hoy se puede ver en esta exposición pertenece a la colección Alfredo
Velarde.
José Gutiérrez Solana
Bodegón del acueducto
1928
Óleo sobre lienzo
90 x 63.5 cm
Reproducción fotográfica de la obra: Joaquín Cortés
Otra
de las obras de la colección “Adoración nocturna, c. 1917” una de las
representaciones más intensas dentro de la temática religiosa que Solana abordó
frecuentemente.
José Gutiérrez Solana
Adoración nocturna
c. 1917
Óleo sobre lienzo encolado a tabla
68.5 x 56.5 cm
Reproducción fotográfica de la obra: Joaquín Cortés
La
exposición tiene un catálogo, que se puede ver en la página Web de la Galería,
con textos de María José Salazar y Juan Manuel Bonet.
En él
podrán encontrar muchos datos sobre cada una de las obras y acerca de las
biografías de José Gutiérrez Solana y Alfredo Velarde y la relación de amistad
entre ellos.
Mariví
Otero
Manuel
Otero Rodríguez
Fuente:
Solana. En la colección Alfredo Velarde. Galería Leandro Navarro. Madrid. Del 8
de mayo al 4 de julio 2025. Documentación y fotografía: Esther Rodriguez
Esta
tarde en la Sala Alcalá 31 fuimos al encuentro de la exposición "Fronteras
y territorios" de la artista multidisciplinar especializada en arte textil
SONIA NAVARRO (Puerto Lumbreras. 1975). Comisarias de la muestra: María Corral
y Lorena Martínez de Corral.
SONIA NAVARRO. Sala Alcalá 31.
La
exposición se constituye como una trama que une los diferentes patrones de
trabajo de la artista. Entre ellos, se encuentra la utilización de un medio
como la costura, que se ha transformado en su distintivo más característico. De
esta forma, las telas, los patrones, las costuras y el hilo conforman un
lenguaje identificable a lo largo de toda su carrera.
Tirar del hilo, 2012. Madera de roble y acrílico. Obra en la pared: Hilo bordado sobre algodón.
Colección DKV - DKV Seguros.
Una
muestra que profundiza en la trayectoria demás de 30 años de la artista
murciana, que incluye una selección de medio centenar de obras de diversas
técnicas como el textil, ámbito en el que más se ha especializado a lo largo de
su carrera, además de escultura, pintura, collage, fotografía e instalaciones.
“Alcalá”, 2014. Fotografía, costura y fieltro.
En las
obras expuestas se puede apreciar un discurso que aúna tradición y
contemporaneidad, en el que Sonia Navarro presta igual atención a cuestiones
formales y a contenido narrativo. Cada una de las obras crea un profundo
diálogo con el espectador.
La vida inquieta, 2025. Fieltro, algodón, yute y caucho. Cortesía de la artista.
"A
través de diferentes medios como la escultura, la instalación, la fotografía o
el dibujo, realizo piezas que cuestionan y confronta poder y sus instituciones;
especialmente aquellos que han contribuido al establecimiento de una jerarquía
entre géneros, relacionando a las mujeres con el trabajo doméstico y la
imposibilidad de movilidad. Reflexiono sobre la constante lucha de las mujeres
contra las convenciones establecidas".
.jpeg)
.jpeg)
.jpeg)
.jpeg)
.jpg)
.jpg)
