martes, 20 de octubre de 2020

EL SUEÑO AMERICANO. Del Pop a la actualidad

La exposición El sueño americano. Del pop a la actualidad es un recorrido por seis décadas de la historia del grabado en Estados Unidos con artistas como Warhol, Rauschenberg o Lichtenstein.

Fundación “la Caixa” Madrid. La muestra inaugurada, en CaixaForum Madrid, narra la revolución plástica del grabado en el arte estadounidense durante los últimos sesenta años, tomando como punto de partida el arte Pop y pasando por otros movimientos artísticos como la abstracción, el minimalismo, el fotorrealismo y la figuración.

La exposición arranca su recorrido con el surgimiento del arte en Nueva York y la Costa Oeste americana. Numerosos artistas del Pop -el más famoso de ellos es WARHOL, pero también JAMES ROSENQUIST, que había trabajado pintando vallas publicitarias en Times Square- provenían de la publicidad y la ilustración, y conocían las estrategias de marketing para captar la atención mediante colores primarios y una imaginería llamativa. La exposición del grabado durante los años sesenta en los Estados Unidos está directamente relacionada con la eclosión del arte Pop, que en su filosofía no establecía limites ni diferencias entre arte culto y arte comercial. Y que se sentía fascinado por los medios de comunicación y la publicidad. La serigrafía y las técnicas asociadas a la impresión masiva fueron utilizadas por los artistas para llegar a una nueva clase media que podía acceder a carpetas de obra gráfica o a libros de artista de pequeño formato. A estos artistas, la reproductibilidad de la obra gráfica les permitía llegar a un público numeroso.

Roy Lichtenstein. Girl/Spray Can from Walasse Ting. 1¢ Life, 1963. © The Trustees of the British Museum. © Estate of Roy Lichtenstein/All rights reserved/ VEGAP 2020.

Los artistas Pop, toman objetos de la vida cotidiana, así como elementos y temas muy presentes en los medios de comunicación de masas, y los elevan a la categoría de arte. Poco después de la muerte de Marilyn Monroe, WARHOL utilizó el rostro que aparecía en el cartel de la película Niágara para sus famosas serigrafias de la actriz. CLAES OLDENBURG crea una obra a partir de un enchufe flotando en el agua (Floating Three-Way Plug,1976), y JASPER JOHNS, que había pintado la bandera americana por primera vez en 1954, la convierte en un icono Pop con sus series de grabados empleando múltiples capas de tintas trasparentes. El segundo ámbito de la muestra esta dedicado exclusivamente a tres artistas del Pop: JASPER JOHNS, ROBERT RAUSCHENBERG y JIM DINE.

Andy Warhol. Marilyn. 1967. Serigrafía en negro y plateado.

Los talleres de impresión fueron cruciales para la gran eclosión del grabado en los Estados Unidos. El espíritu innovador y de complicidad con los creadores de talleres, como Universal Limited Art Editions, en Nueva York, y Gemini G.E.L., en los Ángeles, permitió a los artistas realizar obras pioneras y muy experimentales, como la litografía (Accident, 1963), en la que RAUSCHENBERG aprovechó la rotura total de una gran piedra en la que estaba trabajando para imprimir a partir de la piedra rota. El resultado fue sorprendente e innovador, puesto que la fisura se convirtió en un chorro de luz que ofrecía una nueva dimensión plástica al grabado.

Robert Rauschenberg. Sky Garden from Stoned Moon series, 1969. [Jardín celeste, de la serie Luna en piedra]. Litografía en color y serigrafía. © The Trustees of the British Museum. ©Robert Rauschenberg, VEGAP, Barcelona, 2020.

Flags I, 1973. [Banderas I]. Serigrafía en color. © The Trustees of the British Museum. ©Jasper Johns, VEGAP, Barcelona, 2020.

Made in California. La experiencia de la Costa Oeste. Es otro de los ámbitos de la exposición. Estos artistas, se caracterizaron por realizar obras más relajadas y que sintonizaban mejor con el estilo de vida de Los Ángeles. Aquí, el sol, el mar y los paisajes desde el coche cobran protagonismo. ED RUSCHA fue uno de los artistas que mejor reflejaron esa atmósfera vital en series como (Twentysix Gasoline Stations, 1966) y (Made in California, 1971). La obra de RUSCHA contrasta con los grabados en blanco y negro de BRUCE NAUMAN que representan palabras. Precisamente, en la exposición se muestra un libro de artista de ED RUSCHA, Veintiséis gasolineras, con fotos y estampaciones de los paisajes que veía de camino al taller. La pieza procedente de la Tate Modern de Londres.

Ed Ruscha. Standard Station [Gasolinera Standard], 1966. Serigrafía en color. ©Ed Ruscha, cortesía del artista.

Abstractos, minimalistas, figurativos, activismo político, feminismo y raza e identidad.

Pero no solo los artistas Pop abrazaron con entusiasmo la técnica del grabado. Los pintores expresionistas abstractos, que seguían siendo muy influyentes en los años sesenta, utilizaron, el grabado con profusión, especialmente la litografía, que se ajustaba muy bien a la gestualidad de su estilo. WILLEM DE KOONING realizó arte gráfico de gran formato, por ejemplo, y dedicó una serie a la aproximación libre de Minnie Mouse, el célebre personaje creado por Disney, en la que el artista experimentó aplicando con pincel líquidos grasos directamente sobre la plancha litográfica. ROBERT MOTHERWELL y PHILIP GUSTON también usaron el grabado para expresar su abstracción gestual, mientras que ELLSWORTH KELLY Y FRANK STELLA realizaron obras con formas geométricas y con formas simplificadas de la corriente Hard Edge, basada en transiciones abruptas de color.

Frank Stella. Purple Series. 1972. Conjunto de nueve litografías en violeta metalizado.

Podemos ver en otro ámbito de la muestra, que en los años setenta, los artistas minimalistas y conceptuales también recurrieron a la obra grafica como reacción al arte Pop. Artistas como el minimalista DONALD JUDD y el conceptual SOL LeWITT dedicaron gran atención a la estructura y las propiedades de los materiales. El color, la forma, la textura y el material son reducidos a la esencia, y aparecen líneas simplificadas. En el mismo momento, el fotorrealismo, que nuestras imágenes muy detalladas a partir de fotografías presenta una intención muy distinta. CHUCK CLOSE Y ALEX KATZ realizan retratos monumentales. El pintor RICHARD ESTES, el más emblemático de los artistas del estilo hiperrealista, representa escenas y paisajes estáticos y sin gente, que parecen distanciados de la realidad.

Donald Judd. Sin título, 1961-1975. Xilografía sobre papel oriental crema. © The Trustees of the British Museum. ©2020, Judd Foundation, VEGAP, Barcelona, 2020.


Alex Katz. Self-Portrait. 1978. Aguatinta en tonos grises y plateados.

La figuración sin intención realista también resurgió a finales de la década de los setenta. PHILIP GUSTON, uno de los principales defensores del expresionismo abstracto, provocó una considerable polémica con su retorno a la figuración. Se alejó de repente del estilo gestual y empezó a crear imágenes caricaturescas de figuras encapuchadas, extremidades desmembradas, botas claveteadas y otras formas figurativas. En la exposición también pueden verse grabados figurativos de artistas como RICHARD DIEBENKORN -que recupera géneros clásicos como la figura humana, la naturaleza muerta y el paisaje- PHILIP PEARLSTEIN, ROBERT LONGO Y Susan Rothenberg.

Robert Longo. Eric, 1984. Litografía. © The Trustees of the British Museum. ©Robert Longo, VEGAP, Barcelona, 2020.

Desde su invención en el siglo XV, la impresión siempre ha resultado un buen medio de expresión para la crítica política. Los artistas americanos, a partir de hechos históricos como el asesinato de Kennedy y la guerra de Vietnam, ha utilizado el arte grafico para difundir mensajes políticos y sociales relacionados con las guerras, la epidemia del sida, el terrorismo y las crisis económicas. WARHOL hizo campaña a favor del senador demócrata GEORGE McGOVERN con una serigrafía en la que aparece su oponente republicano, Nixon, con la cara verde y los labios amarillos. En 1967, WILLIAN N. COMPLEY creó una serigrafía con la bandera americana en blanco y negro y la palabra think (piensa), que fue incluida en una carpeta con obras de otros 16 artistas para protestar contra la guerra de Vietnam. ROY LICHTENSTEIN realizó obra gráfica como forma de recaudación de fondos para causas políticas y sociales durante toda su carrera. Así, la serigrafia I love Liberty (1982) fue creada para un acto organizado por el grupo de presión progresista People for the American Way, que defendía los derechos de las minorías y los grupos oprimidos, entre ellos los homosexuales, las mujeres, los afroamericanos, los hispanos y los nativos americanos. El grabado también jugó un papel fundamental entre los artistas que denunciaban la negligencia del gobierno de Reagan con respecto al sida como ERIC AVERY.

Andy Warhol. Vote McGovern, 1972. [Vota McGovern]. Serigrafía en color. © The Trustees of the British Museum. © 2020 The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc. /VEGAP.

El feminismo también está representado en la exposición con obras de mujer artistas que denunciaban las estructuras tradicionales del poder masculino. LOUISE BOURGEOIS habla de cómo le afecta la maternidad en la obra de pinta seca Set Sebastienne (Santa Sebastiana, 1992), y KIKI SMITH advierte de cómo se trata a las niñas y a las mujeres en los cuentos infantiles en un grabado de 2002 sobre la Caperucita Roja, en el que nace una niña del vientre del lobo. Del mismo modo, los artistas no blancos, que hallaron muchos obstáculos para entrar en las corrientes artísticas americanas, denunciaron abusos policiales y la violencia racista, en algunos casos en plena segregación, que fue legal en los estados del Sur hasta 1964. Artistas afroamericanos como EMMA AMOS, KARA KALKER Y WILLIE COLE han recuperado y denunciando en sus obras la historia casi silenciada de la esclavitud.  

Louise Bourgeois. Ste Sebastienne or The Arrows of Stress. 1992. Punta seca.

Kiki Smith. Born. 2002. Litografía en color.

Comisariado: Catherine Daunt, conservadora de arte gráfico moderno y contemporáneo, y Stephen Coppel, conservador de la colección moderna, ambos del departamento de grabados y dibujos del British Museum.

Se exhiben más de 200 obras, procedentes en su mayor parte del British Museum de Londres.


© Mariví Otero. 2020
Manuel Otero Rodríguez

Fuente: El sueño americano. Del Pop a la actualidad: del 9 de octubre de 2020 al 31 de enero de 2021 en CaixaForum Madrid. Organización y Producción: Fundación “la Caixa” Madrid, con la colaboración del British Museum.