martes, 24 de junio de 2014

MITOS DEL POP



















El Museo Thyssen-Bornemisza ha presentado la exposición Mitos del Pop, la primera exposición en Madrid desde la gran muestra Arte Pop del Museo Reina Sofía de 1992. Después de más de veinte años, la comisaría Paloma Alarcó, Jefe de Conservación de Pintura Moderna del Museo Thyssen, propone una visión renovada de esta corriente artística desde la perspectiva que nos ofrece el siglo XXI. Con una selección de más de cien obras, que incluyen tanto la experiencia  pionera del pop británico como el pop clásico  norteamericano y su expansión por Europa, según la comisaria la muestra pretende rastrear las fuentes comunes del pop internacional y realizar una revisión de los mitos que tradicionalmente han definido al movimiento. Mostrar las míticas imágenes de artistas tan significativos como Warhol, Rauschenberg, Wesselmann, Lichtenstein, Hockney, Hamilton o Equipo Crónica, entre otros, esconden un irónico y novedoso código de percepción de la realidad, un código que aún sigue vigente en el arte actual.

La exposición cuenta con la colaboración “Japan Tabacco International (JTI)” y reúne  obras procedentes de más de cincuenta museos y colecciones particulares de todo el mundo, con préstamos destacados de la National Gallery de Washington, la Tate  de Londres, el IVAM valenciano o la prestigiosa colección Mugrabi de Nueva York, entre otros.

Una vez hecha la presentación de esta esplendida muestra, veamos:

Génisis del Pop Art.

Junto a la Nueva Abstracción del llamado hard-edge-colour-peinting se desarrolla en Norteamérica a principios de los años sesenta –como reacción a la action painting lírico-impulsiva del expresionismo abstracto- el Pop art figurativo que, al igual que la modulación cromática del hand-edge abstracto pretende conseguir una objetivación más fuerte de la manifestación  artística. Por un lado el Pop art surge de la síntesis  de la tradición  realista y surrealista, tal  y como se constituye en la “American scene” de los años treinta encontrando su mayor exponente en Edward Hopper (l882-1967). Por otro lado  el Pop art  elabora la expansión material  del Neo-Dada norteamericano mediante la integración  del collage, técnicas  de assemblage y combine-painting […]

Marcel Duchamp (1887-1968) representa con sus redy-made la otra fuente del Pop art, es decir, la fuente dadaísta, que introduce en la concepción  del Pop art la ironía mediante la afirmación del objeto banal como objeto artístico  y con ello manifiesta una nueva forma  de poetización artística […]

Independientemente  de Nueva York se forma en Inglaterra durante los años cincuenta un Pop art europeo, que por un lado deriva sus fuentes de la iconografía  de la cultura industrial popular  y por otro recibe estímulos esenciales de las técnicas de fotocollage y de pintura fluida de Francis Bacon (1909-1992). El problema central del joven Pop art inglés  de Richard Hamilton (1922-2011), John McHale (1922-1978) y Eduardo Paolozzi (1924-2005) estriba en el mismo principio conceptual de Duchamp que ya encontramos en el movimiento Neo-Dada de Nueva York. El crítico de arte Lawrence Alloway formula este tema central del Pop art inglés con la pregunta: ¿A qué distancia puede estar una obra de arte de sus fuentes sin perder su identidad? Aquí se articula con otros elementos la misma problemática de la línea  límite entre objeto artístico y objeto natural, analizado también por Robert Rauschenberg (1925-2008) y sobre todo por Jasper Johns (1930). 


En Inglaterra, Francis Bacon fue el primero en utilizar la técnica dadaísta del collage al entremezclar sus cuadros con documentos fotográficos de los medios de comunicación. Bacon también creó el primer gran espacio environmental cuando en la exposición “Parallel of life and Art” (1953) presentó una enorme colección de sus cuadros  tanto colgados de las paredes como del techo, con los efectos de ampliación y difuminado conseguían una fuerza expresiva mayor y más directa envolviendo por completo al visitante de la galería.

El primer grupo de Pop art de Londres, el “Independent Group”, al que, además de algunos intelectuales, pertenecen los artistas Paolozzi, Hamilton y McHale, se ocupa del fenómeno de la propaganda industrial, de la tecnología y de la ciencia ficción. El coche lleno de cromados, el avión, la tipografía chillona y el mundo de imágenes de las hojas de bulevar y de las revistas así como los anuncios transparentes fluorescentes de los centros comerciales forman el repertorio temático de este joven Pop art, que transforma todas estas creaciones anti-intelectuales y psicológico-publicitarias de la cultura popular en la relación  consciente de reflexiones del collage.


Después de la breve introducción sobre el Pop art, hacemos el recorrido por la exposición Mitos del Pop.

[…] A diferencia de otras exposiciones antológicas  o de retrospectivas de algunos de sus principales representantes que han tenido lugar en los últimos años, mostrando el pop como precedente de muchas corrientes artísticas  contemporáneas, el planteamiento que propone la comisaria es enlazarlo con la tradición  de la pintura , y reivindicar esas raíces que la propia colección permanente del Museo pone de manifiesto con su recorrido por más de seiscientos años de historia que culmina con la obra de algunos de los grandes nombres del arte pop.

En esa combinación entre el deseo de ruptura y el respeto por el arte del pasado radica la gran paradoja que esconde el pop. El recorrido temático de la exposición quiere poner de manifiesto esa vinculación, organizando las salas según los géneros clásicos del retrato, la naturaleza muerta, la pintura de historia o el paisaje, y mostrando conjuntamente la obra de las grandes figuras del pop norteamericano y británico con la de artistas españoles, italianos, alemanes o franceses que compartieron una actitud similar […] 


Excelente propuesta expositiva, organizada por salas en secciones, recorrido  dónde vas descubriendo obras ¡esplendidas! de artistas tan  emblemáticos y como han sobrevivido hasta nuestro tiempo .

Collage, publicidad, cómic.  Emblemas. Mitos. Retratos. Paisajes, interiores, naturalezas muertas. Erotismo urbano. Pintura de historia. Arte sobre arte.
Cada una de estas secciones incluye obras de los artistas más importantes del siglo XX,  vinculados al Pop art.

Para el Pop toda imagen  era reciclable, todo objeto era susceptible de convertirse en arte y su verdadero propósito, que el tiempo ha demostrado que lograron, era ofrecer una nueva interpretación  de la imagen de la cultura contemporánea.


En España, la falta de legitimidad democrática del régimen franquista desencadenó una progresiva conflictividad política y descontento social que tuvo también  su reflejo en el arte. En la pintura de Eduardo Arroyo, del Equipo Realidad, encontramos un ataque irónico al sistema y a la amnesia histórica que se vivía  en la España de la época; mientras El abrazo de Juan Genovés se convierte en la imagen por excelencia de la amnistía y símbolo de la transición española.


Mariví Otero

Bibliografía: “Mitos del pop”. Museo Thyssen-Bornemisza. Oficina de Prensa. Madrid. Del 10 de Junio al 14 de Septiembre 2014.
Thomas, Karin: “Hasta hoy, estilos de las artes plásticas en el siglo XX”. Ediciones del Serbal. 1988. Barcelona.

miércoles, 11 de junio de 2014

Testigo Documental: El poder de la imagen en Darío Villalba.

Revisando el abanico expositivo que con motivo de PhotoEspaña 2014, se realiza en Madrid, elijo como primera propuesta ésta de la Galería Freijo.

Mi encuentro en esta exposición con “Cabeza de una demente, 1973” una de las obras que contemple en la Galería Vandrés de Madrid, en 1974, que Darío Villalba, llama serie encapsulados, de la que conservo el catálogo y en estos momentos estoy visualizando ¡espectacular exposición!, sorprendente e innovadora, me impactó. Eran mis primeros años como galerista y estudiante de cuarto año de carrera. Hasta aquí mis recordaciones.


Me acompaña en esta visita  Angustias Freijo, siento no haber podido estar en la inauguración, me perdí el encuentro con este gran artista Darío Villalba.

Angustias, me va comentado el sentido de la exposición a través de la fotografía, no hay que olvidar que Darío Villalba es el primer artista en España que usa la fotografía como base de su quehacer creativo, y desarrolla una gran habilidad para narrar facetas del gran protagonista de su discurso: el ser humano.

El proyecto expositivo contiene una reflexión entre la fotografía como documento y la manipulación de la misma con un resultado creativo donde el poder de la imagen  se potencializa y abandona su estado primitivo, su estado documental, para presentar de forma imponente, desbordando fuerza, estupor y belleza.

Han pasado ya cinco décadas desde que Darío decidió adoptar la trama fotográfica como un soporte apto para recoger las emociones, modificando los encuadres, reiterando y desvelando imágenes. Imágenes de fotos realizadas por él mismo, que selecciona, fragmenta y descontextualiza, utilizándolas como fuente iconográfica […] la soledad, la locura y la muerte son las temáticas que aborda con presencia monumental.

En esta exposición se incluyen trabajos como personajes encapsulados, pies vendados que, junto a los dominados Documentos básicos, columna vertebral de la muestra, abordan la fotografía enfocada en dos grandes líneas: la fotografía documental y la obra plástica con la fotografía como vehículo, pero  descontextualizada y convertida en una herramienta que permite a Darío Villalba dotar a sus obras de un lenguaje visual […]
Los Documentos básicos constituyen el diario íntimo del artista y son la referencia previa de la que se nutre para su proceso creativo.


Pienso que, aún tratando temas aparente tan desagradables como el estado pétreo de los muertos, la adolescencia castrada, el escalofrío sobre la piel, la vejez o la recuperación del cuerpo cansado, ha primado sobre todo ello una presencia casi magnética de tensión, belleza y luz”    Darío Villalba.

[…] el artista debe ser plenamente de la época en que ha nacido, de cuáles son sus fantasmas o padres que asesinar, o, por el contrario, continuar y acariciar el apasionante flujo de la historia del arte […] Darío Villalba (Fragmento del discurso de ingreso de la Academia de Bellas Artes de San Fernando, 2002)

Una cosa continúa siendo cierta desde los primeros escarceos paleolíticos de la historia del arte: no hay arte verdadero que no se sustente en una originalidad. Ahora bien, no hay originalidad gratuita, esto es, no hay originalidad que no responda a un origen. El origen de un arte responde en primera instancia a la situación  y al talento personal del artista que lo realizó. Pero solo en primera instancia. Porque el artista como todo hombre, vive en una situación, esto es, en una encrucijada muy precisa de lugar y tiempo. 
Recibo de Hoyesarte esta magnífica entrevista de un Darío Villalba, diría yo ¡muy sabio!

                         

Exposición, Junio y Julio 2014. Galería Freijo Madrid.

Mariví Otero

Bibliografía: Freijo A.: “Testigo documental. El poder de la imagen  en Darío Villalba” Catálogo exposición. Galería Freijo. Junio-Julio 2014. Madrid. España.
Calvo Serraller. F.:” La tangibilidad de lo intangible” Catálogo exposición. Galería Freijo. Junio-Julio 2014. Madrid. España.