martes, 25 de octubre de 2011

LOUISE BOURGEOIS Y ANTONI TÁPIES

Galería Soledad Lorenzo; es la segunda exposición de esta temporada. ¡Dos grandes artistas! entre  los siglos XX y XXI: Louise Borurgeois y Antoni Tàpies.

Louise Bourgeois y Antoni Tàpies, a modo de diálogo, muestran una selección de sus obras más recientes en la galería Soledad Lorenzo. Bajo el título  “Rencontré” la exposición propone un encuentro entre dos de los artistas más reconocidos a nivel internacional. No es la primera exposición conjunta; en este mismo año, la galería Lelong, París, realizo otra.

Louise Bourgeois (París, Francia, 25 de Diciembre de 1911-Nueva York, Estados Unidos 31 de mayo de 2010) fue una reconocida escultora y artista francesa naturalizada estadounidense en 1955. Su mundo es territorio físico y corporal. Un territorio que ha podido darse a conocer gracias a su larga trayectoria y su extensa obra.

En 1937 conoce a Robert Goldwater, historiador de arte estadounidense, que se casará con ella y con quien se trasladará a Nueva York al año siguiente. Allí prosiguió el camino que había iniciado en París y llevó a cabo sus primeras exposiciones impregnando sus obras, en especial esculturas, de esa vena psíquica, procedente de sus traumas personales. Los padres de Louise Josphine Bourgeois eran restauradores de tapices, lo que, según ella, no fue determinante en su carrera artística. Sin embargo, desde los diez años empezó a ayudar  a sus pares con los dibujos de los tapices  y a complementarlos. Tras obtener el bachillerato en 1932, estudió matemáticas  superiores en la Sorbona, y geometría, esperando encontrar así un orden y una lógica en su vida. Desde niña, era turbulenta y se dio cuenta de que su niñera era amante de su padre.
“Una artista  es capaz de mostrar cosas que a otras personas  les aterraría expresar” Louise Bourgeois.

Entre las obras de Louise Bourgeois que figuran en la exposición  “Rencontre” figuran: Una celda de acero con una cabeza negra en su interior: Cell XVI (Portrait)  2000; dos vitrinas, Hand, 2001 que presenta una mano de tela roja y Oedipus, 2003, ésta contiene una serie de pequeñas figuras rosas también de tela; The fragile, 2007. Asimismo una serie  de 36 dibujos en pequeño formato sobre tela presentan estudios de su reconocible iconografía sobre la araña y la figura materna, como símbolo de protección e inteligencia (bellísimos…)  Y por último una escultura compuesta por acero, telas, vestidos, neumáticos y esculturas de trapo con forma humana, Untitled, 1996.




También la obra de Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) presenta un  importante componente físico y corporal, pero en su caso dirige la reflexión en otro sentido. Su búsqueda se centra en la exploración del espacio y su relación  con la materia (ya sabéis la materia es mi debilidad y Tàpies lo es).  El existencialismo se plasma en su pintura a través de simbología recurrente con referencias a temas capitales en su obra como la vida y muerte, el amor y el dolor.


“Pienso que una obra de arte debería dejar perplejo al espectador, hacerle meditar  sobre el sentido de la vida” Antoni Tàpies.


Todo ello compone una iconografía propia que se plasma en sus iconos como cruces y asteriscos entre otros símbolos. Tàpies continua la tradición pictórica expandiendo el terreno de la pintura al incluir en su obra materiales, objetos y texturas, tal como se comprueba en sus  pinturas matéricas como: Armari amb collage, 2010 y Samarreta i mitjó,  2007. En su pintura de mayor formato Esfinx , 1989, está presente el carácter propio de su obra en la que recrea a través de la materia muros o paredes, a los que añade distintos elementos. De la documentación que tengo sobre Tàpies, escojo el catálogo  de una gran exposición antológica en el MEAC Madrid Mayo-Julio 1980. Texto de: José Mª Valverde. Retomo un texto de Antoni Tàpies, de juventud, con el que se abre el catálogo:

¿Cómo hacer para mirar limpiamente, sin querer encontrar en las cosas lo que nos han dicho que debe haber, sino simplemente lo que hay?

Cuando miráis, no debéis pensar nunca lo que la pintura –o cualquier otra cosa de este mundo- “ha de ser”, o lo que muchos quieren que se limite a ser. La pintura puede serlo todo. Puede ser una claridad solar en medio de un soplo de viento. Puede ser una nube de tormenta. Puede ser la huella del pie de un hombre en el camino de la vida, o un pie que ha golpeado el suelo -¿por qué no?- para decir “¡basta!”. Puede ser un aire dulce de alborada, llena de esperanzas, o un aliento agrio que despide una cárcel. Puede ser las manchas de sangre de una herida, o el canto en pleno cielo azul, o amarillo, de todo pueblo. Puede ser lo que somos, el hoy, el ahora y el siempre.
Antoni Tàpies: En el seminario juvenil Cavall Fort, nº 82, 1967 (Traducción del catalán)

Esta exposición, creo que a toda mi generación nos enseñó lo VELAZQUEÑO  de Tàpies.


Vuelvo a “Rencuentro”, Ambos artistas mantuvieron una relación personal aunque sus lugares  de residencia les separasen. Estados Unidos y Francia han sido respectivamente sus lugares de residencia durante la mayor parte de sus trayectorias, como demuestra el hecho de que la primera exposición que se hizo en España de Louise Bourgeois fuera en la fundación Tàpies en 1991.

Con motivo de la celebración de su 25 Aniversario, durante la temporada 2011-2012, la galería Soledad Lorenzo programa una serie de exposiciones que conmemoran estos 25 años en el mundo del arte desde su inauguración  el 6 de noviembre de 1986.

Esplendidos artistas, e impecable exposición, si podéis no dejéis de verla.

Mariví Otero


Bibliografía: Nota de prensa Galería Soledad Lorenzo. Madrid
Enciclopedia Wikipedia
Biblioteca personal. Fotos M. Otero

EUGÈNE DELACROIX (1798-1863) materia, luz, y color

Esta  gran retrospectiva dedicada al pintor francés Eugène Delacroix(1798-1863), propone una visión completa de la obra de este artista y de su evolución pictórica, recorriendo las diferentes etapas de su producción, desde las primeras obras, que buscan la inspiración en el museo, hasta la etapa de madurez, en la que el artista repite los temas que trabajó anteriormente, con otra perspectiva, poniendo especial énfasis en sus obras de historia, así como en la de inspiración oriental.


Reúne más de 130 obras que enseñan las múltiples facetas del genio. CaixaForum Madrid acoge algunos de sus óleos más conocidos como Grecia expirando sobre las ruinas de Missolonghi, uno de los bocetos de La muerte de Sardanápolo o Mujeres de Argel en sus habitaciones, excepcionalmente prestada para esta exposición. La incidencia que tuvo Delacroix en el gran maestro español del siglo XX: Pablo Picasso, quien le honró con una serie inspirada en las Mujeres de Argel en sus habitaciones. Y la influencia que tuvo  la figura de Goya, en la obra de E. Delacroix.


Además de las obras procedentes del Museo del Louvre, la exposición cuenta con numerosos préstamos de instituciones  de todo el mundo: Galería de los Uffizi (Florencia), The National Gallery (Londres), The Metropolitan Museum of Art (Nueva York), Musée d’Orsay (París), The Institute of Chicago, The British Museum (Londres) o el Musée des Beaux-Arts (Burdeos), así como de colecciones privadas.

Dentro de la exposición, tuve una guía fantástica que es la amplísima nota de prensa que me envió Juan Antonio García Fermosel, Área de Comunicación, Obra Social/ Fundación “la Caixa”, es un equipo estupendo ¡gracias!
Placer visual y seriedad intelectual han guiado la selección de las obras expuestas, que pretenden dar a conocer una nueva interpretación  del “romanticismo” de este pintor. Después de la nueva edición del Diario de Delacroix en 2009, esta retrospectiva propone una nueva visión de la producción del artista, basada en los últimos descubrimientos y publicaciones científicas.

Junto a los óleos de gran formato, se muestran  bocetos, dibujos, acuarelas, y grabados.

En series y variaciones,  hay escrita en la pared una frase que le dice Delacroix a Baudelaire.
“Me tratas como se trata a los grandes muertos”.



Cuidada y esplendida exposición. Comisariada por el conservador jefe del Departamento de Pintura del Museo del Louvre, Sébastian Allard, se podrá ver en CaixaForum Madrid. Del 19 de Octubre de 2011 al 15 de Enero de 2012.

Mariví Otero

Bibliografía: Nota de prensa, Área de Comunicación, Obra Social/ Fundación “la Caixa” Madrid.

Galería de arte El Cuarto Simpático

Voy a ver a mi amigo Alfonso González-Calero. Esta galería está en Mi Barrio de las Letras, en la calle Santa María, 15.  Inaugura el día 28 una exposición de la artista Vanesa Grimalt. Con obras sobre dulces, pastas y otros sabrosos iconos de cumpleaños.

Vanesa Grimalt es chilena, formada en arquitectura en Venezuela, actualmente vive y trabaja en París. En nuestro país, se ha podido ver su obra en distintas ocasiones, como en la desaparecida Galería Catarsis, en Madrid, 2006, “La Movida” de la Comunidad de Madrid, en Arte Sumergido 2008 en Oviedo, en PHE 2010, dentro del evento “El Cielo de Madrid”.

El bagaje cultural nos tiñe de arriba abajo, aunque a veces sería mejor que fuese de abajo arriba. Ahora tenemos tantas oportunidades como desdichas, tanta confusión como pasión y tanta información como indiferencia. Pero del Dada, del Barroco, del bodegón, de la fotografía, de lo cotidiano y del cariño, nacen las “tartas” de Vanesa Grimalt.
No es casual que la mixtura sea tan compleja, pues complejas son las condiciones donde se desarrolla la capacidad creativa y la expresión trascendente. Pero “a la postre”, y nunca mejor dicho, la resolución en la sencillez y la rotundidad, siempre son una garantía para acercarse a la esencia de la realidad estética.

Esta última serie “Repostería 2D” de Vanesa Grimalt, que entronca con la anterior “Desdobles”, donde aparecían rostros distorsionados en simetría, tiene las cualidades arriba mencionadas, pues en su acercamiento no caben dudas de lo que es, y aunque, a priori, no se  sepa para que puede servir, se resuelve la reserva en el momento en que queda ofrecido al observador o espectador como felicitación permanente.
No dejéis de verla y conectar con esta galería, tanto artistas como coleccionistas de arte joven  E-mail: info@investigacionyarte.com

Bibliografía: Nota de Prensa de la Galería El Cuarto Simpático. Madrid.

lunes, 3 de octubre de 2011

Un mundo feliz o tal vez no

Este es el título de la exposición que esta mañana he ido a ver a la Galería Esquina Arte Contemporáneo, de mi barrio de las Letras.

Bien, empezaré por deciros que se trata como siempre de una estupenda exposición del artista Pedro Castrortega.

Hago un recorrido por la exposición acompañada por mi amigo Adrian Piera Sol, propietario de esta galería.

La exposición se abre con una escultura de pared, donde este mágico artista nos introduce en su mundo feliz, completa la exposición una colección de obras sobre papel con técnicas que él utiliza con gran habilidad, grafito, acrílico y pastel.

Castrortega con Seducción y Querido Tiempo

Miguel Cereceda, escribe un texto que analiza de forma muy completa la obra de Pedro, os transcribo parte de este texto que define muy bien esta exposición “…La identidad es, en principio, la propia identidad ¿quién soy yo?, pero es en segundo lugar la identidad común ¿Quiénes somos nosotros? Y es, en tercer lugar, el problema de la identidad de la propia obra ¿qué es el arte, qué es un artista? Con estos elementos Castrortega  ha trazado lo que podríamos denominar una obra filosófica: Una obra que trata de elaborar pictóricamente muchos interrogantes.

Danza Copular

 En esta exposición, titulada Un mundo feliz o tal vez no, el artista se ocupa del problema de nuestra inserción en la comunidad. Después de haber explorado reiteradamente el sentido de la propia identidad y el sentido de la propia obra, pasa ahora a ocuparse del problema de ser juntos. Del hecho de que, en realidad, nuestra propia identidad depende de nuestra comunidad. Así, de la convicción de que no estamos solos se pasa a la certeza del reconocimiento en el otro. De hecho, toda la serie de los grandes dibujos de esta exposición se puede casi leer como una historia…”.


Querido tiempo, dibujo que me lleva a recuerdos de mi infancia junto a mi padre  cuando me llevaba a cazar al monte, ¡mis ancestros, mi memoria! . Gracias Castrortega por tan bella exposición.

Sin Título

Espero que no dejéis de ir a verla. Galería Esquina Arte Contemporáneo.

Bibliografía: Cereceda, Miguel. Danza copular. Dossier del artista. Pedro Castrortega Madrid.

Barrio de Las Letras. El pasado fin de semana 29 y 30 de Septiembre mi barrio fue una preciosa fiesta.

La Asociación de Comerciantes Barrio De Las Letras, Nuevo Estilo, y Decor Acción, convirtieron el barrio en montajes especiales en más de 50 comercios, cafés, hoteles y galerías de arte. Un mercadillo de Antigüedades en las calles Cervantes y Quevedo donde 45 anticuarios de Madrid expusieron y vendieron piezas seleccionas para el evento, ¡de todas las épocas!

Estaba Mi amiga Toñi con su cuarta generación de anticuarias que son sus hijas “Rolle Sánchez” de la calle del Prado.




También la restauradora, ¡gran restauradora!, Mª Gracia del Peral, tiene su tienda, Barbarenia  http://barbarenia.blogspot.com/.

Os pongo un reportaje seleccionado, ¡hay nuevas tiendas en el barrio!
Y un poco de historia siempre viene bien, a la hora de tomarse una copa o comprarse un trapito, zapatos o una antigüedad.
Un poco de historia, adentrarse en el Barrio de las letras es sumergirse en la historia viva del Siglo de Oro Español. El trazado del Barrio nos sugiere a cada paso los versos y las prosas de Calderón, de Lope de Vega, de Quevedo, de tantos hombres y mujeres que con la palabra vivida y escrita hicieron grande y eterno este trazado histórico. El Barrio de las letras alberga algunas de las más importantes instituciones de la ciudad, como son la Real Academia de la Historia, el Ateneo de Madrid, el Teatro Español, la Casa Museo Lope de Vega, el Convento de las Trinitarias, lugar donde está enterrado nuestro universal Cervantes… Y así se pueden descubrir muchos otros espacios, a través de las decenas de placas conmemorativas que señalan edificios importantes, vecinos de un pasado ilustre o hechos relevantes, no quiero olvidar El Palacio de Saldaña (1576), construcción del siglo XVI, sufrió una reforma poco después de 1730 por Pedro de Ribera, autor del puente de Toledo, de la ermita de la Virgen del Puerto y del Cuartel de Conde Duque.
El político y banquero Francisco de Goyeneche encargó a este prestigioso arquitecto madrileño la transformación del Palacio y entre los cambios proyectados por Ribera destaca la Puerta principal, en la calle del Príncipe, la otra entrada está en la calle Huertas.  En 1933 fue adquirido por la Cámara Oficial de Comercio e Industria de Madrid, sede central de esta institución, hasta el pasado año.



Hasta el próximo evento.

El Pecado original



Mi visita a esta exposición en Freijo Fine Art, Galería de Arte y Proyectos, ha sido muy agradable. Después de algunos años me encuentro con la galerista,  Tony Durán, años que no nos veíamos, pero todo empezó ¡y decíamos ayer!, Manuel González Freijo director de la galería junto a su madre Angustias Freijo, creo que se ha reído un rato con nuestros comienzos en esta profesión, Tony, espero verte más a menudo.

Veo la exposición, El pecado original, para mi es una hermosa miscelánea con obras extraordinarias, pero os trascribo la nota de prensa que explica  muy bien el sentido de esta exposición, con la que inauguran  la nueva temporada.

“Es este paisaje bíblico el que nos ocupa, por tratarse de una iconografía representada en el arte occidental durante muchos siglos.


Fue el cuadro de Antonio López (Tomelloso, Ciudad Real, 1936) “El Manzano”, que forma parte de esta exposición, el que nos inspiró el recuerdo de la fruta prohibida. Este cuadro participó en su día en la exposición del MNCARS y hoy nos abre la puerta de este tema, donde obras como una “Eva” de Paloma Navares (Burgos, 1947) o una fotografía  de Ana Laura Alaez, evocan la mujer desnuda como objeto del deseo. (Dos grandes artistas) Apuntala esta idea un lienzo de Tamara de Lempicka(Varsovia 1898-1980 Cuernavaca, México) que nos ofrece a “Susana en el baño”, así como el cuadro de Fernández Balbuena Madrid 1891-México 1966), titulado “En la ribera” que fue ganador de la medalla del Salón de Otoño de 1925, en Madrid.

José Duarte (Córdoba, España 1935) en el año 1981 o Erich Heckel (Alemania 1883-1970) 1937, también pintaron mujeres desnudas en parques y praderas… en paraísos.
Baltasar Lobo (Zamora 1910-París 1993) esculpe en mármol blanco un esplendido desnudo de mujer, y junto a él, una obra realizada por Marc Chagall (Rusia 1887- Francia 1985) en el año 50, titulada “Amantes bajo la luna”.

En un apartado más picante, reunimos dos obras de Antonio Saura, un demonio de Ismael González de la Serna (Guadix, Granada 1898-1968 París) y un grupo de collages eróticos y divertidos, del único artista joven de esta exposición, Jorge Rodríguez de Rivera.

Del fotógrafo colombiano Leo Matiz (Aracataca, Colombia 1917-1998) presentamos una obra realizada en México en 1946, que representa al muralista Siqueiros, semidesnudo, colgado de un árbol. Esta iconografía, el propio Siqueiros la plagió en algunas de sus pinturas, y fue objeto de una demanda que le asestó Matiz. La represalia del muralista fue incendiar el estudio del fotógrafo, que huyo de México para jamás volver”…

Pero se han olvidado de una obra bellísima “Lilith”, talla en madera policromada inspirada en los bestiarios medievales, Castilla siglo XVI. Os incluyo fotografías.


Buena colección de obras bien elegidas y grandes artistas. Id a verla, pasareis un buen rato y veréis otro Antonio López.

Mariví Otero

Aquarium Finesterrae A Coruña y Galerías. Agosto 2011.

Sumergirse en el Atlántico, mirar el océano como el capitán Nemo, enamorarse de la costa gallega.

El Aquarium Finesterrae, concebido como un centro de ciencia y tecnología marina y educación ambiental, dedica sus contenidos a mostrar la diversidad de la costa gallega, al conocimiento del mar y al estudio de su dinámica y aprovechamiento.

No dejéis de visitarlo. Sobre todo llevar a los niños; es un lugar bellísimo. La Torre de Hércules está en el mismo entorno, tan alta y majestuosa. Podéis visitarla, las vistas son inolvidables.

Este verano, después de tres que no visitaba A Coruña,  está ¡en su sitio!,  que mágica está, digo mágica y digo bien; “ella y ellas las preciosas galerías”, recuerdo un libro, O Libro Das Galerías Galegas, de Xosé de Castro Arines. Ediciones do Castro, 1975. Quiero recordar a este gran Crítico de Arte, gran amigo y gallego de Tuy, también a su esposa Mercedes.

“Escribe Castro Arines, en este espléndido libro, como siempre con gran encanto, gran conocedor de todo lo que escribió a lo largo de su vida, sobre todo temas de arquitectura, arte, etc:
[…] Son una delicia estas casas gallegas recubiertas de galerías acristaladas figuras admirables de soleación, criaturas térmicas de mayor rango arquitectónico, que ya solo por ello valdrían en su acierto. En la vieja arquitectura de fábrica, en la que la piedra arma la arquitectura de fábrica, en la que la piedra arma la cubertura de la casa, la galería no extingue la fortaleza de la piedra, ni se nos va de las manos su tremendo potencial de vida, ni siquiera se nos oculta a los ojos, sino que muda su condición y por alterar sus modos decorativos, pasa a señalar la porción más noble de la intimidad de la arquitectura. Y así es curioso que estas arquitecturas afianzadas de siglos por la piedra, se expliquen  de pronto por uno de los más frágiles materiales de la constructiva doméstica: un cuerpo nuevo, frágil como un temblor, pero inmenso de posibilidades expresivas de cara al tiempo.

Invención admirable la de estas galerías, la más esplendida forma de lenguaje doméstico imaginado en el país, que describe con signos cargados de incentivos la capacidad comunicativa de la arquitectura popular. ¿Y por qué no, si la arquitectura es potenciada en su capacidad de comunicación signaría en los órdenes e instrumentaciones que rigen el buen construir, por la estructura, por el muro, por la cubierta, por la galería, por la solana, por la chimenea, por el adorno? Pero no seré yo quien explique tan admirable invención como nacida de gentes que alcanzaron su saber de arquitectura instruidas en la ciencia que va de Vitruvio a Palladio, a Serlio, a Vignola a Alberti, puesto que de tal saber de arquitectura no entiende aquí mi curiosidad. La constructiva de la piedra es obra aquí de gentes que fueron conocidas de antiguo como maestros artífices  del saber de la cantería -“senex mirabilis magister” se llama en las crónicas compostelanas al viejo Bernardo, cantero en la obra de las Platerías- cuya ciencia nació del contacto cotidiano con la piedra, quemándose la vida en esta labor de romanos, todavía hoy aristocrática (y sigue siéndolo, difícil encontrar un cantero). Y con ellos los carpinteros de lo blanco, que estructuran el cuerpo de las galerías y de cuya inventiva se hará de nuevo recordación en estas notas por exigencia de la calidad de su obra y de la maestría con que ella se expuso de siempre. Canteros, carpinteros, alarifes, vidrieros, inventando a una este divertimento arquitectónico con el que la casa se adorna y con el cual la casa se adorna y con el cual se pone al exterior una de sus más señaladas proporciones de su ser entrañable.


La galería es solo criatura urbana. Cuando aparece en otros lugares –las casas marineras y campesinas, donde con tanto atractivo se ofrece- se debe a influencias de la casa urbana popular, pero por ello, cualquiera que sea su lugar, deja de ser abierta a las atenciones e inventivas de la vida “al exterior”. No alcanza para el cristal la intimidad de la celosía, del “musharabí” y, sin embargo, sí permanece en ella protegida de toda pesquisición pública la vida familiar. Y tiene, si se puede decir, como la fuente por ejemplo, un algo femenino…
Gracias José de Castro Arines, por los textos tan bellos que nos has dejado.
Mariví Otero

Bibliografia: Despegable de mano “Museos científicos  Coruñeses” A Coruña.
De Castro Arines, Xosé. O Libro Das Galerías Galegas. Ediciones do Castro, texto bilingüe. A Coruña, 1975