viernes, 11 de mayo de 2018

IN LAPIDE DEPICTUM. Pintura Italiana sobre piedra 1530-1555

La Dolorosa con las manos abiertas
TIZIANO, Vecellio di Gregorio
Óleo sobre mármol, 68 x 55 cm | 1,9 x 2 cm grosor
1555
Madrid, Museo Nacional del Prado

El Museo del Prado presenta por primera vez una exposición donde reúne una selección de nueve obras, (comisariada por Ana González Mozo, Técnico  Superior de Museos del Área de Restauración del Museo del Prado) dedicada a la pintura italiana realizada sobre piedra monocroma –pizarra y mármol blanco- para mostrar al público el resultado de los estudios realizados sobre estas obras, incidiendo en temas hasta ahora poco difundidos. Una selección de la escogida colección del Prado, junto a dos obras procedentes de Nápoles, refleja la consolidación de una corriente de cambio en las técnicas que se produjo en las primeras décadas del siglo XVI.

Aunque existen algunas experiencias previas de carácter general en este tipo de muestras, el Museo del Prado ha querido profundizar en este fenómeno. Por una parte, estudiando las teorías que estimularon su desarrollo y, por otra, explorando el origen de la técnica, su relación con el mundo clásico y los procedimientos pictóricos que pusieron a punto Sebastiano del Piombo, Tiziano y Daniele da Volterra y el taller de los Bassano para conseguir resultados cromáticos diferentes, al tiempo que, utilizando soportes poco tradicionales, las obras llegasen hasta nuestros días en buen estado de conservación.

Piedad
PIOMBO, Sebastiano del
Óleo sobre pizarra, 124 x 111,3 x 3,5 cm | 145 x 132 x 12 cm (con marco) | 103 kg.
1533 - 1539
Madrid, Museo Nacional del Prado

En el siglo XVI Venecia protagonizó una renovación en las técnicas y los materiales artísticos  alentada por la recuperación del mundo clásico, la llegada de materiales de Oriente y la edición  en sus imprentas de textos grecorromanos que describían el arte del pasado. La estabilidad de la piedra estimuló a los artistas, que deseaban crear obras eternas, a utilizarla como soporte de la pintura. También les permitía demostrar su maestría –el procedimiento se consideró secreto- y reproducir sugerentes efectos, controlando la reflexión de la luz sobre su superficie. Finalmente se convirtió en argumento de dos encendidos debates: la mimesis –la relación entre arte y naturaleza- y el paragone –la competición entre pintura y escultura-

El mundo clásico

Plinio explicaba en su Historia natural (siglo I) que en la naturaleza no existían líneas nítidas, y las escenas reproducidas en las obras de arte debían simular la visión de un mundo ligeramente evanescente, como si se observaran a través de un “lapis specularis”. Vinculó la piedra al efecto del famoso atramentum, el barniz empleado por Apeles – pintor griego del siglo IV a. C. con el que Tiziano  se midió constantemente- para suavizar los colores de sus obras.

La posibilidad de pintar sobre piedra era conocida en el siglo XVI, pues la técnica de los artistas griegos se transmitió a través de los talleres medievales, Teseo y el Centauro, hallado en Herculano en el siglo XVIII, es uno de los escasos ejemplos conservados de pintura clásica sobre mármol. No es seguro que los artistas venecianos conocieran este tipo de obras, pero Plinio y Vitruvio, cuyos textos se tradujeron y difundieron desde Venecia ya en el siglo XV, las describían.

Ecce Homo
TIZIANO, Vecellio di Gregorio
Óleo sobre pizarra, 69 x 56 cm | 1 cm – 3 mm grosor
1547
Madrid, Museo Nacional del Prado

Junto a las obras de Tiziano, Sebastiano del Piombo, Daniele da Volterra y el taller de los Bassano, se exponen obras del mundo clásico romano y materiales pétreos en bruto contextualizan la relación de la pintura con la Historia Natural, la Geología y la Arqueología.

Trilobites
Ogyginus? forteyi Rábano
Ordovícico
48 x 37 x 11 cm | 28,5 kg
Arouca (Portugal) Geoparque Mundial de la UNESCO
Madrid, Museo Geominero

Las dos obras de Tiziano y del taller de los Bassano, conservadas en el Prado, han sido sometidas a un delicado y profundo proceso de restauración en el que, gracias al patrocinio de la Fundación Iberdrola España, han participado diferentes especialidades dentro de esta disciplina (pintura, marcos, soporte) para que los visitantes puedan apreciar en su plenitud la singularidad de estas obras realizadas al óleo en soportes tan especiales y raros de encontrar en la historia del arte.



© Mariví Otero 2018
Asistente: Manuel Otero Rodríguez

Fuentes: In lapide depictum. Pintura italiana sobre piedra 1530-1555. Museo Nacional del Prado. Del 17 de abril al 5 de agosto 2018. Área de Comunicación del Museo del Prado.

GALERÍA DE ARTE ORFILA, cuarenta y cinco aniversario.


Es una de las galerías de más larga trayectoria de España. Fundada en el años 1973, en actividad ininterrumpida y ubicada en la calle Orfila en el número tres, Madrid.

Las aproximadamente seiscientas exposiciones entre individuales y colectivas que registran sus archivos, dirigida por Antonio Leyva, escritor y crítico de arte, la primera fue la del pintor Laxeiro en mayo de 1973, los más de trescientos pintores y escultores, unos ya históricos y nuevas generaciones que en ella han mostrado su obra, así como escritores y críticos de arte que han colaborada y avalado la trayectoria todos estos cuarenta y cinco años.

La Galería Orfila en 1998 celebró sus primeros veinticinco años, con una exposición que resumía su actividad hasta entonces y un ciclo de lecturas, recitales y conferencias. El Ministerio de Educación y Cultura le concedió entonces una subvención que hizo posible la edición de una publicación que recogía lo más significativo de su actividad hasta ese año.

Con motivo del cuarenta y cinco aniversario de su fundación, la galería está organizando una espléndida exposición del pintor Francisco Mateos, nacido en Sevilla en 1894 y fallecido en Madrid en 1976. Medalla de Oro Eugenio D’Ors (Premio Anual de la Crítica), en 1960 y Gran Premio Extraordinario en el Certamen Nacional de Artes Plásticas de 1962, sustantivísimo maestro de la pintura española actual, tal lo calificara Juan Antonio Gaya Nuño en su libro “La Pintura del siglo XX”, 1970 obra imprescindible para la comprensión de las corrientes estéticas que definieron este  ámbito de nuestra modernidad en el siglo pasado.


Francisco Mateos, mantuvo a lo largo de su vida una cordial relación con el director de la galería, en 1961 doce años antes de que esta se inaugurase y de que el pintor alcanzara las más altas cotas de reconocimiento, editó en la colección TRILCE las veintitrés planchas que forman Papapájaros, síntesis gráfica de su ideario estético, son algunas de las obras elegidas para la exposición, así como otro conjunto muy representativo de obras, la mayoría reproducidas en el gran monografía “Vida y obras de Francisco Mateos” escrito por Francisco Garfias   publicado 1977. Expuso en la galería en 1974, en el catálogo había textos de Manuel Conde, Ángela Figuera, Gloria fuertes, Lauro Olmo, entre otros. En 1973 el Museo de Arte Contemporáneo mostró una completa y esclarecedora antológica. No se han visto sus obras en estos años, raramente en colectivas, como la que se titulo  “Maestros del Expresionismo figurativo en España”, celebrada en esta galería en 1992.

Esta exposición de Francisco Mateos es una gran propuesta, para los que le hemos conocido será un placer, los más jóvenes descubrirán a un gran maestro. Se puede ver del 25 de Junio al 14 de Julio 2018 en  Galería de Arte Orfila.

"Aquel mi rey Simplicius". 100 X 81 cms.

Mariví Otero
Asistente: Manuel Otero Rodríguez

Fuentes: Cuarenta y cinco Aniversario de la Galería de Arte Orfila. Exposición Francisco Mateos. Del 25 de junio al 14 de julio 2018. Nota informativa y vídeo de la Galería. Madrid. Fotos extraídas del libro “Vida y obra de Francisco Mateos” de Francisco Garfias. Editorial Ibérico Europeo de Ediciones. 1977.

viernes, 4 de mayo de 2018

Ángel Duarte. España, París y Suiza/ del Equipo 57


La Galería José de la Mano en Madrid, recupera con esta exposición la obra escultórica del extremeño Ángel Duarte (Aldeanueva, Cáceres, 1930- Suiza, 2007). Miembro del histórico Equipo 57.

El Equipo 57 fue un colectivo que trabajó como tal durante unos cinco años. Hubo adhesiones temporales y también  escisiones, pero finalmente fueron cinco personas las que lo compusieron: Juan Serrano, José Duarte, Agustín Ibarrola, Ángel Duarte y Juan Cuenca. Colgaron  sus trabajos en el café Le Rond Point parisino en 1957, donde al verlos, la galerista Denise René pregunto de quién eran, “de unos españoles”, le respondieron. El resto ya es historia.

La experiencia del Equipo 57 ha sido la más apasionante de mi vida. Vivir, por un momento, y creer en la fraternidad, ese sueño por el que tantos han muerto. El trabajo en equipo es muy duro, pero abandonarlo también lo es. En cierta medida, el volver a trabajar sólo significa volver a la jungla, a marcar tu terreno” (A. Duarte).


Fiel a los principios elaborados por el Equipo 57, especialmente a la por ellos denominada interactividad del espacio plástico, Ángel Duarte continuó en solitario investigando en el campo de la abstracción geométrica, derivando a una obra que se inscribió en las corrientes del arte óptico y cinético, participando activamente en su desarrollo como miembro de Nouvelle Tendence y fundador del Grupo Y  junto con los artistas suizos Walter Fischer y Robert Tanner, a los que poco después se unieron el teórico Étienne Bertrand Weill y el arquitecto Rennecci. En 1965 los cinco amigos miembros del Equipo 57 se reunieron para valorar la posibilidad de recuperar sus actividades, paradas desde tres años antes. Fue entonces cuando decidieron anunciar el fin del trabajo del Equipo en 1966 en el catálogo de la exposición antológica del grupo en la Galería D’Art Actuel (Ginebra, enero-febrero) y Galerie Aktuell (Berna, marzo-abril). Ángel Duarte se convirtió en el difusor de la obra del Equipo 57. Así, desde 1963 y hasta 1989 se ocupó que su obra estuviese en las principales exposiciones de arte cinético y óptico de Europa y Estados Unidos. El catálogo se cerraba con estas palabras de Ángel Duarte: “Esta retrospectiva es la última manifestación del Equipo 57 como tal. Por opciones personales y divergentes sus miembros han decidido por mayoría continuar de forma individual su trabajo. Esto no impide que nuestra obra y nuestra experiencia de trabajo permanezcan y esta forma de trabajo y de investigación es a mi parecer la más válida para nuestra época”. 

Duarte durante toda su existencia fue un fiel mantenedor de las ideas y los métodos del Equipo 57. Artista que desde el año 1962 hasta su muerte vivió y trabajó en Suiza, su obra individual es la que alcanzó el mayor prestigio internacional. En España una escultura monumental suya fue el emblema del pabellón  de Extremadura en la exposición Universal de Sevilla en el año 1992. Otra escultura la creó para la explanada del Museo de Arte Moderno de Badajoz. Duarte teórico y estudioso de las matemáticas autor de textos teóricos y pintor que entre 1962 y 1965 firmó obras propias del Equipo 57, a partir de 1966 trabajo como escultor de obras monumentales, en las que desarrolla especialmente paraboloides hiperbólicos en los que penetra la luz y el vacío activo y pone de relieve la interactividad del espacio. Fran Popper, teórico e historiador del arte, ha incluido las obras de Ángel Duarte en su libro L’Art Cinetique y el Dr. Marcel Joray lo ha calificado de “el más matemático de los escultores, el más poeta de los matemáticos”.

Es muy bella la exposición, compuesta por once esculturas de los años setenta,   producto de un trabajo artesanal y paciente, que exige previamente el estudio y el ordenador, teniendo en cuenta las infinitas posibilidades, el gran número de módulos que emplear y su realización con varillas, superficies continuas metálicas de acero inoxidable, poliéster y fibras de vidrio, es un trabajo de alta precisión.


Son lo que vemos: objetos tridimensionales, productores de placer estético merced de la armonía de sus preposiciones y a su equilibrio, sin obviar los efectos, de carácter óptico-cinético resultantes de la incidencia de la luz sobre ellos, sobre todo en los hechos con finas varillas de acero inoxidable y a la perspectiva adoptada por quien los contemplan.


La obra y la figura de Ángel Duarte estaban siendo injustamente olvidadas en nuestro país, a pesar de haber sido uno de los artistas destacados del arte geométrico europeo y español del siglo pasado, por lo que esta exposición  forma parte de la recuperación necesaria del artista.

Ángel Duarte

 © Mariví Otero 2018
Asistente: Manuel Otero Rodríguez

Fuentes: Ángel Duarte. La voz internacional del Equipo 57. Galería José de la Mano. Catálogo en la Web de la galería: textos del comisario de la muestra Ángel Llorente Hernández y Antonio Bonet Correo, magníficamente bien documentados. Nota de prensa y gráfica de la Galería.