lunes, 2 de marzo de 2026

Rirkrit Tiravanija. “The House that Jack Built”

 

Rirkrit Tiravanija. Untitled 2006 (palm pavilion), 2006-08. Installation view, kurimanzutto, Mexico City, 2008. Collection of Inhotim Institute, Minas Gerais, Brasil. Courtesy the artist and kurimanzutto.

Pirelli HangarBicocca inaugura el próximo 26 de marzo, la primera retrospectiva dedicada a la investigación arquitectónica y especial de Rirkrit Tiravanija (Buenos Aires, 1961). Tiravanija es una figura destacada del arte relacional y uno de los artistas contemporáneos más importantes del panorama artístico internacional. Su obra se sitúa entre el arte y la vida, y convoca a la participación. Espacio de navaja en Pirelli HangarBicocca, los visitantes recorrerán un laberinto gigantesco, donde cada encuentro se convierte en una oportunidad para compartir experiencias de ocio, descanso, cuidado, convivencia y participación.

Rirkrit Tiravanija, untitled 2002 (he promised), 2002. Installation view, Secession, Vienna, 2002. Solomon R. Guggenheim Museum, New York. Courtesy the artist. Photo Matthias Hermann.

Comisarios de la exposición “The House that Jack Built”: Lucia Aspes y Vicente Todolí. Presentará al público los treinta años de investigación del artista en prácticas especiales y arquitectónicas. El título hace referencia a la famosa canción infantil inglesa del siglo XIX del mismo nombre, que tiene una estructura repetitiva y acumulativa. Contrariamente a lo que sugiere el título, la rima no relata la historia de la casa ni de su constructor. Más bien revela cómo la casa está conectada indirectamente e interactúa con las personas y los objetos que la rodean. Al evocar la rima, Tiravanija destaca una sólida relación con cuestiones de autoría, un tema predominante en su obra. El artista concibe los edificios como plataforma, cuyo valor está determinado por su uso y las personas que los habitan, más que por su forma.

Rirkrit Tiravanija, untitled 1995 (half-scale single family home no. 47, with interior decoration by children of the storken day care center, ages 5 to 7), 1995. Installation view, “Nutopi/Nowtopia,” Rooseum, Malmö, 1995. Louisiana Museum of Modern Art, Humlebaek, Denmark Courtesy the artist and neugerriemschneider, Berlin.

En la exposición se verá la mayor colección de obras arquitectónicas del artista hasta la fecha, muchas de las cuales se inspiran en edificios icónicos de célebres arquitectos asociados con el modernismo, como Sigurd Leweretz, Le Corbusier, Rudolf Michael Schindler, Frederick Kiesler, Jean Prouvé y Philip Johnson.

Rirkrit Tiravanija, untitled 2024 (demo station n. 8), 2024. Installation view, “Rirkrit Tiravanija: DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG,” Gropius Bau, Berlin, 2024 Courtesy the artist © Gropius Bau Photo Guannan Li.

Con estas estructuras, Tiravanija explora temas relacionados con la autoría y reinterpreta iconos modernistas alternando su función original mediante la activación colectiva y colocándolos en contextos radicalmente diferentes. Esto abre nuevas posibilidades de uso, relación y significado. Como secuencias cinematográficas que se desarrollan a lo largo de la exposición, la muestra presentará una sucesión de escenarios en los que los visitantes se convierten en protagonistas. En muchas instalaciones, la frase “mucha gente” aparece entre los materiales enumerados. Confiar en “mucha gente” para dar vida a la obra implica aceptar interrupciones e improvistos: lo que sucede puede no coincidir con lo que existía hasta el momento. Por lo tanto, la exposición no pretende ser un mausoleo de obras emblemáticas del pasado. Se trata más bien de un formato activo y participativo en el que las formas se reactivan con diferentes presencias y circunstancias cada vez.

Rirkrit Tiravanija, untitled 1996 (rehearsal studio no. 6, open version), 1996. Installation view, “Rirkrit Tiravanija: DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG,” Gropius Bau, Berlin, 2024 Private collection Courtesy the artist © Gropius Bau Photo Nick Ash.

Rirkrit Tiravanija, actualmente reside y trabaja en Nueva York, Berlín y Chiang Mai, Tailandia. Ha transformado profundamente nuestra comprensión de la práctica artística al cuestionar constantemente la definición misma de la obra de arte. Desde la década de 1990, Tiravanija ha centrado su práctica en la interacción social, animando a menudo a los visitantes a interactuar y participar activamente en sus obras. Sus instalaciones, performances, fotografías, películas, esculturas y dibujos traspasan los limites convencionales, redefiniendo las categorías tradicionales y promoviendo un entorno donde la participación y la colaboración son parte integral de las obras. Los proyectos de Tiravanija surgen de una profunda exploración de identidad cultural y las estructuras globales que la sustentan, cuestionando la realidad y la imaginación de los lugares.

Rirkrit Tiravanija, untitled 1995 (half-scale single family home no. 47, with interior decoration by children of the storken day care center, ages 5 to 7), 1995 (detail) Louisiana Museum of Modern Art, Humlebaek, Denmark, Courtesy the artist and neugerriemschneider, Berlin.

Rirkrit Tiravanija. Portrait of the artist. Courtesy the artist and Galerie, Chantal Crousel, Paris, Photo Pauline Assathiany.

Mariví Otero
Manuel Otero Rodríguez

Fuente: Rirkrit Tiravanija. “The House that Jack Built”. Pirelli HangarBicocca (Milán). Exposición del 26 de marzo al 26 de julio 2026. Documentación y fotografía: Angiola María Gili, Jefe de la oficina de Prensa y Comunicación. Sofía Baronchelli: Oficina de Prensa y Redes Sociales.

JORDI TEIXIDOR. No-res

 

Vista de sala. Exposición "Jordi Teixidor. No-res". Foto de Jonás Bel.

Estamos en la Sala Alcalá 31, Una muestra que nos invita para indagar en los diferentes periodos de la amplia trayectoria de JORDI TEIXIDOR (Valencia, 1941) cuyo título, -No-res- primera muestra institucional que Madrid dedica a Teixidor en estos cuarenta y cinco años. Desde una voluntad marcadamente antológica. Articula un recorrido que pone en relación los distintos periodos de su trayectoria con la propia arquitectura de la Sala Alcalá 31, que reúne más de medio centenar de obras. Desde la década de los 60 hasta la actualidad, entre las que se encuentran todos los cuadernos de trabajo del artista.

Vista de sala. Exposición "Jordi Teixidor. No-res". Foto de Jonás Bel.

El recorrido por la muestra nos invita a indagar los diferentes periodos de la amplia trayectoria de TEXIDOR cuyo título, “No-res” hace alusión al concepto de nada: ante la ausencia total es donde nace la posibilidad de una presencia, según el artista.

Jordi Teixidor. Pintura gris entre verde, 1975. Colección Mariano Yera. ©Jordi Teixidor, VEGAP, Madrid 2026.

Mas que una antología, la muestra es una invitación a la pausa y la introspección, a través de un encuentro con la obra y el diario íntimo de TEXIDOR, que hace de la Sala Alcalá 31 un espacio para el dialogo y el encuentro.

Vista de sala. Exposición "Jordi Teixidor. No-res". Foto de Jonás Bel.

“No-res” reúne por primera vez todos sus cuadernos de trabajo (espléndidos trabajos). Iniciados en 1965, en ellos TEXIDOR concentra toda la obra realizada, y la no realizada, a lo largo de estas seis décadas.

Vista de sala. Exposición "Jordi Teixidor. No-res". Fotografía de Mariví Otero.

Jordi Teixidor. Cuaderno del artista, 2020. Colección del artista. Foto de Jaime Collado Fernández. ©Jordi Teixidor, VEGAP, Madrid 2026.

A medida que nos desplazamos van surgiendo -desplegadas a lo largo de dos plantas de esta estela- un conjunto de obras que alternan sus formatos: desde grandes lienzos hasta obra sobre papel.

Esculturas y ensamblajes -un modo de hacer, este último que ha caracterizado la obra de TEIXIDOR desde sus comienzos- En sus propias palabras, “mi obra será válida, en lo personal, en tanto en cuanto sea capaz de asumir social y políticamente, en la solidaridad responsable, mi pertenencia a la comunidad”. Comisario de la exposición: Ángel Calvo Ulloa

Vista de sala. Exposición "Jordi Teixidor. No-res". Foto de Jonás Bel.

Ni lo moderno es lo último ni la pintura abstracta está al final de la historia del arte, sino al principio: en el núcleo de la experiencia estética, que necesariamente tiene un comportamiento abstracto; y de forma más evidente en el primitivo arte egipcio y su precisa síntesis formal; o en la sistematización geométrica, la serialización o el ritmo del arte nazarí; en numerosas tradiciones textiles; en el arte precolombino, etc. Modos de hacer que interesarían después al fauvismo, al arte minimal o al Op-Art. La abstracción anduvo siempre presente: está en el origen históricamente hablando, y en el principio conceptual, como una gramática básica -primordial- de la pintura.

Nuria Anguita “Jordi Teixidor: moderno abstracto impuro”, en Final de partida [cat.exp.], Valencia, IVAM, 2022. p, 158.

Vista de sala. Exposición "Jordi Teixidor. No-res". Foto de Jonás Bel.

Como afirma Teixidor: “Nada no es nada; pero no-res es algo más, es la nada que hay. La constatación de que en la ausencia es donde cabe la posibilidad de una presencia. Un concepto, el de la nada, en el que se fundamenta la historia del siglo XX”.

Mariví Otero
Manuel Otero Rodríguez

Fuente: Jordi Teixidor. No-res. Sala Alcalá 31. Madrid. Del 19 de febrero al 19 de abril de 2026. Documentación y fotografía: Prensa Comunidad de Madrid.

ANA LAURA ALÁEZ. "Nevada con Saliva"

 

Ana Laura Aláez. Baile y discoteca, 2000-2019. Fotografía en papel Ilford Galerie Prestige. Cotton Smooth de 310 gr.. 50 x 50 cm. Edición de 6.

The Ryder Projects, presenta la primera exposición individual de ANA LAURA ALÁEZ (1964, Bilbao) "Nevada con Saliva", y nos anuncia oficialmente su incorporación como artista representada por la galería. Esta exposición es la primera en Madrid dedicada a la artista desde su presentación en 2019 en el Centro de Arte 2 de Mayo (que visitamos).

La selección de obras expuestas, producidas entre 1992 y 2026, no sigue una lectura teleológica, sino un circuito de recurrencias en diversas configuraciones, que ilustran las inquietudes persistentes que atraviesan la obra de Aláez.

Ana Laura Aláez. El sonido del sexo en el vinilo, 2022. Prendas utilizadas por el artista y cremalleras únicas

La decisión de Aláez de dedicarse al arte fue, en si mismo, un acto de rebeldía y rechazo. En el Bilbao Industrial de los años ochenta, su decisión no se ajustaba a las expectativas y limitaciones impuestas a una mujer de clase trabajadora: "La opción creativa nos se consideraba una profesión respetable para mujeres como yo [...] Significaba convertirse, por decisión propia, en un error... el de representar a la mujer fracasada".

Ana Laura Aláez. Sade era una mujer, 1993 -2013. Sujetador, bronce y clavos. 33 x 30 x 18 cm

En este sentido, el arte emerge como un espacio privilegiado que nos permite reconocer, nombrar y experimentar aquello que normalmente se expulsa, prohíbe o reprime. Las realidades que coexisten en el título de la exposición, "Nevada con Saliva", se refieren al potencial perturbador de los no-objetos formulados por Julia Kristeva: fluidos corporales, zonas de indeterminación donde se desmoronan las oposiciones entre interior/exterior y yo/no-yo.

Ana Laura Aláez. La piel naranja, 1995 (detalle). Filamento zurcido (siete unidades), peana, vitrina de metacrilato. 10 x 10 x 8 cm (cada una). Única.

Anatomía Nevada con Saliva (2026), una de las obras más recientes de la artista, surge de un volumen que evoca una estrecha relación con su propia naturaleza animal, un organismo microscópico y una explosión a gran escala. La pieza condensa un campo de fuerzas donde estas polaridades se mantienen en tensión y se sustentan mutuamente. Dee prolongado proceso de modelado de esta escultura, emerge un impulso creativo que impulsa la exploración de otros materiales y de lugar a varias obras que se presentan aquí por primera vez.

Ana Laura Aláez. Baile y discoteca, 2000. Fotografía sobre papel de algodón Hahnemühle. De su serie Dance & Disco. 50 x 50 cm. Edición de 6.

Éxitos a las dos partes. La muestra se puede visitar hasta el 18 de abril 2026.

Documentación y fotografía: The Ryder Projects.

© Mariví Otero 2026
Manuel Otero Rodríguez

Generaciones 2026, el arte contemporáneo como experiencia transitable

 

La Casa Encendida, Maru Serrano, 2026

En La Casa encendida visitamos "Generaciones 2026, el arte contemporáneo como experiencia transitable". Exposición de los proyectos seleccionados en la XXVI edición de Generaciones, la convocatoria de la Fundación Montemadrid dedicada a promover y proporcionar a jóvenes artistas herramientas de producción y difusión de sus trabajos.

El recorrido lo hacemos a través de las obras de los artistas seleccionados en esta edición: Élan d'Orphium (Badajoz, 1992), Hodel Herreros Rodríguez (Victoria Gasteiz/ Granada, 1997), Claudia Pagés Rabal (Barcelona, 1990), Maya Pita-Romero (Madrid. 1999), Víctor Ruiz Colomer (Barcelona, 1993) y Víctor Santamarina (Madrid, 1990).

La Casa Encendida, Maru Serrano, 2026

En conjunto, las propuestas seleccionadas comparten una atención sostenida al proceso, la transformación y la inestabilidad como modos de repensar las formas de habitar, escuchar y producir sentido en la práctica artística contemporánea.

En trabajos como los de Claude Pagès, el archivo, el lenguaje y la luz activan lecturas críticas sobre la historia y los sistemas de poder; Maya Pita-Romero construye arquitecturas textiles transitables vinculadas al refugio, el cuidado y la metamorfosis; y Víctor Ruiz Colomer presenta esculturas que generan desplazamientos perceptivos en relación con el espacio y el cuerpo.

La Casa Encendida, Maru Serrano, 2026

A ello se suman prácticas como la de Élan d'Orphium, que desde la materialidad de su cuerpo aborda cuestiones como el deseo y el afecto descentralizado; Hodei Herreros Rodríguez, que convierte la voz y la escucha en herramientas de resistencia frente a las normativas del género y la visibilidad; y Víctor Santamarina, cuya escultura performativa trabaja con la fragilidad, el colapso y el tiempo como agentes activos.

La Casa Encendida, Maru Serrano, 2026

Los seis proyectos se pueden visitar hasta el 19 de abril 2026.

Documentación y fotografía: Comunicación Montemadrid, María Benítez/ Alejandra Mareque.

© Mariví Otero 2026
Manuel Otero Rodríguez

Bellezas del mundo flotante. Bijin-go en la edad de oro del ukiyo-e. Colección Pasamar-Onila.

Suzuki Harunobu (1724-1770). Lluvia nocturna en el aparador del té. Serie ‘Ocho escenas de salón’, c. 1766. Nishiki-e [grabado en madera a la fibra], chūban, 275 x 210 mm. Bijin-ga. Colección Pasamar-Onila

En la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, visitamos la exposición "Bellezas del mundo flotante. Bijin-go en la edad de oro del ukiyo-e". Colección Pasamar-Onila.

La muestra reúne setenta y siete obras de los maestros clásicos de la edad de oro del grabado japonés: Harunobu, Hiroshige, Eizan, Eisen, Kuniyoshi, Kunisada y Utamaro.

Utagawa Kuniyoshi (1798-1861). Refrescándose al atardecer en Ryōgoku, 1847-1848. Nishiki-e, ōban,. tríptico, 346 x 234 mm c.u. Bijin-ga. Colección Pasamar-Onila

El punto de partida son cinco (bellas) estampas de Suzuki Harunobu (1724-1770) impulsor de la técnica -nishiki-e- para crear composiciones en policromía con las que superar la práctica de iluminar a mano los diseños monocromos. La languidez formal de Harunobu fue asimilada por las delicadas figuras de Isoda Koryüsai (1735-1790), luego impugnada con la corpulencia femenina de las representaciones de Torii Kiyonaga (1752-1815).

Kitagawa Utamaro (c. 1753-1806). [Las cortesanas] Segawa e Ichikawa [de la Casa] Matsubaya. Nishiki-e, ōban, 370 x 235 mm. Bijin-ga. Colección Pasamar-Onila.

Entre todos los artistas que cultivaron la especialidad -bijin-ga, un salto cualitativo de gran repercusión fue protagonizando por el mas influyente de los maestros y el de mayor fortuna crítica en Europa durante la exposición del japonismo, Kitagawa Utamaro (c.1753-1806). El estilo propio de Utamaro capta los delicados matices de los estados emocionales concentrando la expresión facial de la belleza femenina en retratos de busto. La exposición incluye nueve estampas de la mejor época del maestro, destaca en concreto una escena de género en forma de tríptico, " Pesca en Iwaya, en la isla de Enoshima, de h. 1790".

Kitagawa Utamaro (c. 1753-1806). Pesca en Iwaya, en la isla de Enoshima, c. 1790. Nishiki-e, ōban, tríptico, 385 x 244 mm c.u. Bijin-ga. Colección Pasamar-Onila.

Notables e inusuales estampas, entre ellas las insólitas hashira-e, "imagen de pilar o columna", certifican la exigencia de Víctor Pasamar para formar una colección atendiendo a la búsqueda de piezas de gran rareza, teniendo en cuanta la dificultad para hallar -hashira-e por ser escasas las que han pervivido en un aceptable estado de conservación debido a su función y uso en espacios exteriores.

Kikugawa Eizan (1787-1867). [La cortesana] Tachibana [de la Casa] Tsuruya y [sus asistentes] Sakon y Ukon del primer bloque de Kyōmachi, c. 1830. Nishiki-e, ōban, 375 x 255 mm. Bijin-ga. Colección Pasamar-Onila

Se puede visitar hasta hasta el 31 de mayo 2026.

Documentación y fotografía: Comunicación Rabasf, Marina Arroyo.

© Mariví Otero 2026
Manuel Otero Rodríguez