martes, 18 de agosto de 2026

AKI Sasamoto. “XYZ”

 

Aki Sasamoto Sounding Lines, 2024 Installation view, “Sounding Lines,” Para Site, Hong Kong, 2024 Collection of Shane Akeroyd Courtesy the artist, Take Ninagawa, Tokyo, and Para Site, Hong Kong Photo Studio Lights On

En la Fundación Pirelli HangarBicocca, Milán se presenta “XYZ” a partir del 17 de septiembre de 2026, la primera exposición individual de Aki Sasamoto (Kanagawa, Japón, 1980), en una institución europea, reuniendo más de dos décadas de experimentación interdisciplinaria, donde la ciencia y la intuición, las matemáticas y la emoción, la absurdidad y la seriedad, lo cotidiano y lo extraordinario coexisten. A través de esculturas, instalaciones, actividades performativas, Sasamoto aborda temas relacionados con las relaciones humanas y sociales, la memoria y la experiencia emocional, ofreciendo un viaje único que une rigor y profunda humanidad. Sasamoto, actualmente vive y trabaja en Nueva York.

Aki Sasamoto Delicate Cycle, 2016 Installation view, “Aki Sasamoto: Delicate Cycle,” SculptureCenter, New York, 2016 Courtesy the artist, Take Ninagawa, Tokyo, and SculptureCenter, New York Photo Kyle Knodell

La exposición “XYZ”, comisariada por Roberta Tenconi con Tatiana Palenzona, marca la primera muestra institucional dedicada a la artista japonesa en Europa. El título sugiere de inmediato la naturaleza estratificada de la exposición, ya que presenta una selección de obras que abarcan dos décadas de la práctica de Sasamoto.

Aki Sasamoto, performance of Secrets of My Mother’s Child, 2009 “Domestic Partners,” commissioned by The Chocolate Factory Theater, New York, 2009 Courtesy the artist, and Take Ninagawa, Tokyo Photo Ryutaro Mishima

“XYZ” conlleva múltiples significados: como letras finales del alfabeto, cuando se colocan al final de una lista, sugieren posibles continuaciones más allá de un aparente final; en el sistema cartesiano, indican las coordenadas que definen las tres dimensiones del espacio; en la física cuántica, designan variables utilizadas para describir la probabilidad de que una partícula ocupe un punto determinado; por último, también son el acrónimo de “ eXamine Your Zipper”, una expresión estadounidense común usada de manera discreta para indicar una cremallera abierta.

Aki Sasamoto performance of Delicate Cycle, 2016 “Aki Sasamoto: Delicate Cycle,” SculptureCenter, New York, 2016 Courtesy the artist, Take Ninagawa, Tokyo, and SculptureCenter, New York Photo Kyle Knodell 

La exposición está concebida por Sasamoto específicamente para Pirelli HangarBicocca, se despliega como una secuencia dinámica de instalaciones, esculturas, vídeos y performances que exploran ideas de conexión, la complejidad de las relaciones y la influencia de las normas sociales y de las interacciones interpersonales sobre el cuerpo y la memoria. Al abarcar más de veinte años de experimentación interdisciplinar, el proyecto expositivo pone el acento en la capacidad de la artista para conciliar elementos aparentemente opuestos -performance y escultura, ciencia e intuición, absurdidad y disciplina- en obras que son, a la vez lúdicas, rigurosas y profundamente humanas.

Aki Sasamoto Weather Bar Forecast #2, 2021 (video still) Courtesy the artist, Take Ninagawa, Tokyo, and Bortolami, New York

Como explica Sasamoto: “Los diagramas son reflectores de la incomodidad de la vida- un intento por llegar al corazón de ello. Quiero tomar la emoción en serio, pero la emoción es difícil de tomar tal como es. Los diagramas permanecen más ligeros y distantes que hablar en un lenguaje serio con una cara expresiva. Prefiero encararme a la pizarra, dibujar, con la espalda vuelta al mundo”

Aki Sasamoto Sprits Cubed, 2020 Installation view, “Thank You Memory: From Cidre to Contemporary Art,” Hirosaki Museum of Contemporary Art, Aomori, 2020 Courtesy Hirosaki Museum of Contemporary Art, Aomori, and Take Ninagawa, Tokyo Photo Naoya Hatakeyama

Aunque cada obra mantiene su autonomía, la muestra establece conexiones entre proyectos de diferentes momentos de la carrera de Sasamoto, formando un sistema de significados en evolución que invita al espectador a reflexionar sobre el presente y sobre las posibles trayectorias de la vida contemporánea.

Aki Sasamoto Portrait of the artist Courtesy Bortolami, New York and Take Ninagawa, Tokyo Photo Ben Hagari

Mariví Otero
Manuel Otero Rodríguez

Fuente: Aki Sasamoto. “XYZ”. Fundación Pirelli HangarBicocca, Milán. Del 17 de septiembre 2026 al 17 de enero de 2027. Documentación y fotografía: Jefa de la oficina de Prensa y comunicación: Angiola Maria Gili. / Redes Sociales: Sofía Baronchelli.

FERNANDO SÁNCHEZ CASTILLO. La Perla Peregrina

 

FERNANDO SÁNCHEZ CASTILLO. La Perla Peregrina

El pasado domingo caminé por el Parque de Retiro, al encuentro de esta gran exposición Fernando Sánchez Castillo. La Perla Peregrina y la nueva a partura del Palacio de Velázquez.

Era la una de la tarde y estaba a tope de padres con niños, turistas de diversas partes del mundo. Y, disfrutaban, bueno un poco de guía sí, me tocó hacer, fue muy divertido, es que las cartelas están perdidas y tan pequeñas, no las encontramos, pero si entendían el trabajo de Fernando Sánchez Castillo, (Las introducciones letra más gran, el visitante lo necesita, para disfrutar de la exposición).

La exposición la componen 200 obras entre las que encontramos trabajos en proceso de creación, ya que Fernando Sánchez Castillo (Madrid, 1970) traslada su taller, al Palacio de Velázquez para formar parte de la muestra.

FERNANDO SÁNCHEZ CASTILLO. La Perla Peregrina

Ferran Barenblit comisario de la muestra, comenta: - “La Perla Peregrina como sinónimo de muchas cosas, entre otras, de cómo viaja el poder y de cómo este pasa de mano en mano. Del mismo modo, apunta que la perla también nos permite pensar en aquel arte”.

FERNANDO SÁNCHEZ CASTILLO. La Perla Peregrina

Fernando Sánchez Castillo, en esta ocasión propone una reflexión sobre la relación entre historia, poder y representación a partir de la equiparación con la formación de una perla. Como ocurre en la naturaleza, donde una agresión desencadena un lento proceso que acaba generando un objeto irrepetible y precioso, la muestra plantea que el arte surge con frecuencia como respuesta al daño, convirtiendo el trauma en forma, memoria y lenguaje, Una forma de belleza nacida de la agresión.

El artista ha destacado que “realmente los artistas somos un medio, un medio a través del cual se vinculan imágenes y se vinculan historias o vivencias”

FERNANDO SÁNCHEZ CASTILLO. La Perla Peregrina

 La exposición, reúne acuarelas, esculturas, instalaciones, vídeos, objetos, piezas presentadas que se resignifican a través de su forma de representación, obras de producción reciente y trabajos en proceso, ya que durante los meses en que la muestra esté abierta al público Sánchez Castillo continuara trabajando en presencia de los visitantes a la exposición, como ya hemos comentado.

FERNANDO SÁNCHEZ CASTILLO. La Perla Peregrina

El público construye el relato, la exposición se plantea como un recorrido que pivota en torno al taller. El visitante atraviesa un itinerario que reflexiona sobre la protesta, la memoria histórica y la capacidad del arte para convertir los gestos de resistencia en nuevas formas de representación. Más que ofrecer una narración lineal, el proyecto invita al visitante a recorrer un conjunto de conexiones donde historia, política y cultura aparecen entrelazadas.

Espléndida reapertura del Palacio de Velázquez.

Mariví Otero
Manuel Otero Rodríguez

Fuente: Fernando Sánchez Castillo. La Perla Peregrina. Palacio de Velázquez (Parque del Retiro, Madrid). Del 24 de junio 2026 al 8 de marzo 2027. Documentación y Fotografía: Departamento de Prensa Museo Reina Sofía.

VALERIANO D. BÉCQUER: Los cuadros de costumbres

 

Imagen de la exposición “Valeriano D. Bécquer”. Foto © Museo Nacional del Prado.

Nos encontramos en la sala 60 del Museo Nacional del Prado (Programa "Almacén abierto”).

En ella El Prado reúne por primera vez la serie completa de Valeriano Bécquer (1834-1870) sobre las costumbres populares de España.

El presente. Fiesta mayor en Moncayo (Aragón), la víspera del santo patrono Valeriano D. Bécquer Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado 1866 Madrid, Museo Nacional del Prado

En este contexto, se reúnen por primera vez los ocho cuadros que, entre 1866 y 1867, realizo Valeriano Domínguez Bécquer como parte de un encargo destinado al antiguo Museo de la Trinidad, tras cuya disolución pasaron al Prado. Para el desempeño de esta tarea se le concedió una pensión por Real Orden de 6 de febrero de 1865, extinguida en 1868 tras el derrocamiento de Isabel II. El conjunto de cuadros comenzó a dispersarse en 1877, al ser depositados en diferentes instituciones.

Aldeana del valle de Amblés Valeriano D. Bécquer Óleo sobre lienzo 1867 Madrid, Museo Nacional del Prado

Se trata de uno de los mejores ejemplos de la pintura costumbrista del siglo XIX en España, sin parangón en otros museos españoles. no solo por su calidad, sino también porque la sinceridad y objetividad del pintor lo convierten en un capítulo fundamental del realismo pictórico en nuestro país. Además, hay circunstancia excepcional y que resultó clave para la interpretación de las obras: se conserva íntegramente la documentación generada con las descripciones del propio pintor, cuyos extractos podemos ver en la exposición.

El baile. Costumbres populares de la provincia de Soria Valeriano D. Bécquer Óleo sobre lienzo. Firmado y fechado 1866 Madrid, Museo Nacional del Prado

Exposición para visitar. Documentación y fotografía: Área de comunicación y Asuntos Corporativos Museo Nacional del Prado.

© Mariví Otero 2026
Manuel Otero Rodríguez

JOAN SALÓ y DAVID MORENO. Entre líneas

JOAN SALÓ y DAVID MORENO. Entre líneas

En iGallery. Palma de Mallorca, encontramos la exposición "Entre líneas" de dos artistas que nos han hecho mirar, y mirando siempre descubres un trabajo que te ha gustado -los dos-

La exposición reúne las pinturas de Joan Saló (Igualada, Barcelona, 1983), y el escultor de David Moreno (Barcelona, 1978), cada artista es independiente, pero, que ambos oscilan entre lo conceptual y lo sensorial.

JOAN SALÓ y DAVID MORENO. Entre líneas

Caminamos virtualmente por la exposición guiados por la -Hoja de sala: de Alejandro Cerquera Kilby y fotos de Pepe Cañabate.

Las pinturas de Joan Saló: sus líneas gestuales y sus trazos de color buscan claramente la verticalidad y/o la horizontalidad paralela. Son el punto de partida de su lenguaje, que, a su vez, le permiten construir un mundo propio, donde podemos llegar a abstraernos.

JOAN SALÓ. Entre líneas

Las esculturas de David Moreno: los conjuntos de varillas, que se unifican y sostienen en cuadrados, fluyen indicando una dirección ascendente o descendente, teniendo identidad propia, pero también capacidad de interactuar con otra estructura similar. Se aleja absolutamente del estatismo y de la sensación de estar ante algo terminado que es carente de iniciativa adicional o dinámica propia, su obra no tiene "principio ni final" aparentemente.

DAVID MORENO. Entre líneas

Exposición que se puede visitar hasta el 10 de septiembre 2026.

Documentación y fotografía: Prensa de Igallery galería de arte

© Mariví Otero 2026
Manuel Otero Rodríguez

JAUME ROCAMORA. Desde la periferia

 

Fotografía de sala. JAUME ROCAMORA. Desde la periferia

En el Museo Salvador Victoria de Rubielos de Mora nos encontramos con la gran exposición temporal de JAUME ROCAMORA (Tortosa, 1946), "Desde la periferia".

Hacemos lectura y visualización de las obras a través del catálogo, con un espléndido estudio sobre la vida y obra de Jaume Rocamora del comisario de la muestra, y director del Museo, Ricardo García Prats (AICA/Spain).

Fotografía de sala. JAUME ROCAMORA. Desde la periferia

[...] La exposición pensada para el Museo Salvador Victoria es el resultado de una reflexión sobre plano de la sala de exposiciones y de su posible contenido. Rocamora es un conversador inagotable y sus reflexiones las cotejamos con las obras que tenía en su estudio.

Entrando en la sala a la derecha de la sala de exposiciones están los collages negros de "Suma al cuadrado de 2014 y en la pared de enfrente se disponen los collages blancos de de "El vuelo del ruiseñor" de 2021. Estas series conectan con las iniciales de 1978, "Materies primes o primeres y Encaje concluyente de 1993.

Fotografía de sala. JAUME ROCAMORA. Desde la periferia

En 1989 Rocamora es invitado a participar en la exposición "Arte geométrico en España, 1957-1989" (exposición que disfrute), en el Centro Cultural de la Villa de Madrid. Se reunió obra de los grupos y movimientos que durante ese periodo se habían sucedido en España dentro de la línea constructivo-geométrica, así estaban obras del Grupo Parpallo, de Antes del Arte, las exposiciones "Mente" organizadas por Daniel Giralt-Miracle en Barcelona; los "Salones de Corrientes Constructivas" organizados en Madrid o "Arte Objetivo" primer intento de reunir el constructivismo español. Por esta fecha Jaume Rocamora ya es un artista consolidado dentro de su lenguaje plástico. Es abstracto y es pintor [...]

Fotografía de sala. JAUME ROCAMORA. Desde la periferia

Nuestro reencuentro con la obra de Jaume Rocamora.

Documentación y fotografía: prensa del Museo Salvador Victoria. (Fotos sala Marie Claire Decay)

© Mariví Otero 2026
Manuel Otero Rodríguez

jueves, 30 de julio de 2026

FELIX GONZALEZ -TORRES. Dulce venganza

 

Felix Gonzalez-Torres. “Untitled” (Revenge), 1991. Caramelos azules en envoltorios transparente, suministro inagotable. Las dimensiones totales varían con la instalación. Peso ideal: 325 lb. 

Vista de sala de la exposición Felix Gonzalez-Torres: Dulce venganza. Museo Reina Sofía, Madrid, 27 de mayo a 12 de octubre, 2026. Comisariado por Alejandro Cesarco y Nancy Spector. Fotografía: Roberto Ruiz

En el Museo Reina Sofía, visitamos la exposición de un artista especial, la ciudad de Madrid fue un lugar emocionalmente complejo para Felix Gonzalez- Torres (Guáimaro, Cuba, 1957- Miami, EE. UU. 1996) En 1971, fue enviado a España como parte de un programa destinado a trasladar a niños desde Cuba para alejarlos del régimen. Permaneció aquí durante un breve periodo antes de trasladarse a Puerto Rico y más tarde a Nueva York, donde pasaría la mayor parte de su vida adulta. No regresó a la ciudad hasta 1991, con motivo de una exposición colectiva. Al recordar ese primer regreso, escribió: “Volver a Madrid casi veinte años después -dulce venganza- “. Bajo esta noción de “dulce venganza”, la exposición propone en palabras de sus comisarios Alejando Cesarco y Nancy Spector “una comprensión del poderoso uso de la diferencia, la contradicción y la pareja a lo largo de los distintos conjuntos de obras que reúne”

En primer plano, “Untitled” (Strange Music), 1993. 42 bombillas, portalámparas de porcelana y cable eléctrico. Dimensiones variables según la instalación.

Vista de sala de la exposición Felix Gonzalez-Torres: Dulce venganza. Museo Reina Sofía, Madrid, 27 de mayo a 12 de octubre, 2026. Comisariado por Alejandro Cesarco y Nancy Spector. Fotografía: Roberto Ruiz

Tras una cuidadosa adaptación arquitectónica del espacio expositivo en la planta 1 del Edificio Sabatini, Felix Gonzalez-Torres: Dulce venganza se despliega a lo largo de múltiples salas interconectadas que presentan más de cuarenta obras, en las que los visitantes ocupamos un lugar central como participantes activos, invitados a interactuar con muchas de las obras.

En primer plano, Felix Gonzalez-Torres. “Untitled”, 1990. Impresión sobre papel rojo, copias infinitas. 28” [71 cm] de altura ideal 28 3/4 × 22 1/4” [73 × 56,5 cm] (tamaño original del papel)

Vista de sala de la exposición Felix Gonzalez-Torres: Dulce venganza. Museo Reina Sofía, Madrid, 27 de mayo a 12 de octubre, 2026. Comisariado por Alejandro Cesarco y Nancy Spector. Fotografía: Roberto Ruiz

Caminamos por la exposición, comienza con “Untitled” (Reverge), 1999, una alfombra de caramelos que los visitantes podemos llevarnos y que se repone indefinidamente, y conduce a una sala que revela el lado más íntimo del artista a través de un retrato textual, “Untitled”, 1989, considerado autobiográfico, y de obras tempranas influidas por su estancia en Madrid, como puzle “Untitled” (Madrid 1971), 1988,  así como sus inquietudes en torno a la política, la relación entre lo público y lo privado y cómo estas cuestiones afectan a la vida de las personas, temas recurrentes a lo largo de la exposición, reflejados aquí en obras como “Unititled” (Public Opinion), 1991.

Felix Gonzalez-Torres. “Untitled” (Party Platform - 1980-1992), 1991. Papel negro, suministro infinito. 7” [17,8 cm] de altura ideal. 40 × 26” [101,6 × 66 cm] (tamaño original del papel).

Felix Gonzalez-Torres. “Untitled” (Public Opinion), 1991. Caramelos de regaliz en envoltorios transparentes, suministro infinito. Dimensiones variables según la instalación, peso ideal: 700 lb [317,5 kg].

Vista de sala de la exposición Felix Gonzalez-Torres: Dulce venganza. Museo Reina Sofía, Madrid, 27 de mayo a 12 de octubre, 2026. Comisariado por Alejandro Cesarco y Nancy Spector. Fotografía: Roberto Ruiz

Cada sala presenta una combinación única de trabajo de la obra multidisciplinar del artista, que incluye pilar de papel, instalaciones hechas de caramelos, retratos, fotografías enmarcadas, guirnaldas de luces, vallas publicitarias y puzles. También se incluyen otros formatos explorados por Gonzalez-Torres, situados entre la instalación y la performance, que nos invita a los visitantes a activar, como en el caso de la obra “Unititled” (Arena), 1993.

Vista de sala 4 de la exposición Felix Gonzalez-Torres: Dulce venganza. Museo Reina Sofía, Madrid, 27 de mayo a 12 de octubre, 2026. Comisariado por Alejandro Cesarco y Nancy Spector. Archivo fotográfico del Museo Reina Sofía. Fotografía: Roberto Ruiz

La exposición de una sala a otra avanza con sutiles cambios de tono y temática, evocando cuestiones presentes en la práctica de Gonzalez-Torres, como las nociones de exilio y viaje. Epidemia del sida y la homofobia, la autoridad y la historia, la necesidad de justicia social y la esperanza de renovación, A lo largo del recorrido, la muestra mantiene y pone en práctica la idea de “dulce venganza” mediante la activación de las sutiles contradicciones que el artista incorporó a su obra.

Al fondo, Felix Gonzalez-Torres. Untitled” (For Parkett), 1994. Valla sobre papel estucado Appleton. Dimensiones variables según la instalación. Dimensiones máximas: 125 × 272” [317,5 × 690,9 cm].  Edición de 84, 15 PA. Editado por Parkett-Verlag, Zúrich.  Fundación Museo Reina Sofía, 2026. Donación de Familia Butinof

Vista de sala de la exposición Felix Gonzalez-Torres: Dulce venganza. Museo Reina Sofía, Madrid, 27 de mayo a 12 de octubre, 2026. Comisariado por Alejandro Cesarco y Nancy Spector. Archivo fotográfico del Museo Reina Sofía. Fotografía: Roberto Ruiz

Una sección al final de la exposición presenta ejemplo de material impreso relacionado con la muestra e instalaciones de la obra de Gonzalez-Torres realizadas en vida del artista.

La muestra cuenta con préstamos de instalaciones como el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York, el San Francisco Museum of Modern Art o Glenstone de Potomar, Mayland, entre otras, así como de colecciones privadas. Asimismo, esta exposición  ha sido posible gracias al apoyo de la Fundación Félix Gonzales -Torres.

Mariví Otero
Manuel Otero Rodríguez

Fuente: Dulce venganza. FELIX GONZALEZ -TORRES. Museo Nacional Reina Sofía. Se puede visitar hasta el 12 de octubre 2026. Documentación y Prensa: Departamento de Prensa Museo Reina Sofía, Javier Olano González.

LA ARMONÍA SECRETA DEL PENSAMIENTO. Gustavo Torner

LA ARMONÍA SECRETA DEL PENSAMIENTO. Gustavo Torner.

En la Fundación Bancaja (Valencia) visitamos la exposición "La armonía secreta del pensamiento" que recorre seis décadas de la trayectoria de un gran artista GUSTAVO TORNER (Cuenca, 1925-2025). Comisaria de la muestra la Historiadora del Arte Alicia Vallina.

La exposición reúne 42 piezas, datadas en 1955 y 2004, en la que podemos disfrutar de las diferentes formas de expresión plástica utilizadas a lo largo de su carrera como la pintura, la escultura, la obra gráfica o el collage.

LA ARMONÍA SECRETA DEL PENSAMIENTO. Gustavo Torner.

Gustavo Torner, artista formado inicialmente como ingeniero forestal, muestra una mirada analítica y reflexiva sobre la naturaleza, la materia y el espacio. Fue uno de los miembros más destacados del llamado "Grupo de Cuenca", junto a artistas como Fernando Zóbel o Gerardo Rueda.

Caminamos a través de cuatro secciones donde encontramos diferentes tratamientos estéticos y conceptuales de Torner: La geometría como orden místico; el dialogo entre materia y vacío; la transversalidad creativa; y la poética del silencio.

LA ARMONÍA SECRETA DEL PENSAMIENTO. Gustavo Torner.

El discurso expositivo nos permite apreciar desde sus planteamientos matéricos más primitivos hasta composiciones conceptuales en las que el orden, la percepción, el color, las estructuras y el espacio adquieren un papel esencial. Su obra se construye desde la observación atenta del mundo natural sin pretender reproducirlo.

El recorrido lo completamos con la proyección de un audiovisual, cedido por la UNED, que recoge entrevistas con el artista y aspectos relevantes sobre su figura, e incluye una línea de tiempo con el recorrido vital y profesional de Torner, al que conocí.

LA ARMONÍA SECRETA DEL PENSAMIENTO. Gustavo Torner.

La exposición se puede visitar hasta el 20 de septiembre 2026.

Documentación y fotografía: Gabinete de Prensa Fundación Bancaja.

© Mariví Otero 2026
Manuel Otero Rodríguez

CARMEN LAFFÓN. Variaciones

 

CARMEN LAFFÓN. VARIACIONES. © Carmen Laffón, VEGAP, Madrid, 2026

Vamos al Museo Nacional Thyssen-Bornemisza al encuentro de la exposición "Variaciones" de la pintora y escultora sevillana CARMEN LAFFÓN (1934-2021) segunda mujer en ingresar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando como académica de número. Comisaria de la muestra: Paula Luengo, jefe de exposiciones del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

La exposición incluye 77 obras, entre óleos, carboncillos y esculturas. El recorrido lo hacemos a través de 9 secciones: La muñeca y la cuna, Los bodegones, Los objetos, Paisaje urbano, El coto, Los armarios, La cal, La sal, Las viñas (en el hall).

Carmen Laffón. La cal. Bidón y mesa azul, 2013 (Whitewash. Drum and Blue Table). Óleo, témpera y carboncillo sobre tabla, 212 × 150 cm. Colección privada, Sevilla

Laffón comienza representado objetos y paisajes figurativos, pero a medida que evoluciona, se interesa más por la pintura en sí misma que por lo que representa, llegando a trabajar la abstracción, realiza composiciones a base de veladuras y manchas difuminadas.

Carmen Laffón Sanlúcar de Barrameda, 1977- 1978 Óleo sobre lienzo, 114 × 200 cm Colección privada.

Es la primera gran exposición que se dedica a la artista desde su fallecimiento, a finales de 2021, con obras realizadas entre 1956 y 2021.

Sus interiores están ocupados por objetos cotidianos como cestos, máquinas de coser y armarios, mientras que los exteriores están relacionados con su vida en Sevilla y Sanlúcar de Barrameda (Cádiz) y recogen azoteas, vistas urbanas y paisajes.

Carmen Laffón El Coto desde Sanlúcar I, 2005 (El Coto from Sanlúcar I) Óleo sobre lienzo, 110 × 200 cm Colección privada. 

Sobre estos motivos Laffón pinta a menudo variaciones con carboncillo, temple y óleo, a mediados de 1990, también esculpe, la artista se siente más libre e incorpora serie de temas novedosos como el Coto, la viña la cal o las salinas, que realiza en grandes formatos (espléndidas obras).

Carmen Laffón La sal, 2019 (Salt) Óleo, grafito, carboncillo y escayola, 30,5 × 61,5 × 2 cm Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid Depósito indefinido de la Fundación Museo Reina Sofía, 2021 (Donación de Helga de Alvear).

El sol nace para todos y a todo lo unifica. Lo que ella hace, eso sí, es preservar la intimidad. Pero la intimidad es comunicable. Dígalo, sino no, Marcel Proust, del cual Carmen Laffón es una lejana pariente. Ella lo que hace en realidad es demostrarnos que no hay materiales inservibles para el arte contemporáneo.

Carmen Laffón Inés Laffón en la cuna, 1995 (Inés Laffón in her Cot) Óleo sobre lienzo, 170 × 195,5 cm Colección privada.

Exposición para visitar hasta el 27 de septiembre 2026.

Documentación y fotografía: Área de Prensa del Museo Thyssen-Bornemisza.

© Mariví Otero 2026
Manuel Otero Rodríguez

Un loro, tres bares y diferentes de oro, de Pérez y Requena

 

Un loro, tres bares y diferentes de oro, de Pérez y Requena

En el museo TEA Tenerife Espacio de las Artes, encontramos la exposición "Un loro, tres bares y diferentes de oro, de Pérez y Requena". El título de la exposición condensa un paisaje en un anunciado breve, aparentemente inconexo, que activa asociaciones antes de articular un relato cerrado. Surge de las derivas y del archivo que desarrollan desde hace décadas en torno a la zona que ocupa el museo, un enclave construido sobre un mundo que imaginó su porvenir de otra manera. Asociado en otro tiempo a espectáculos ambulantes, bares y encuentros furtivos, este territorio fue posteriormente dislocado por procesos de regeneración urbana. Aun manteniendo su carácter abierto, la exposición propone aquí una posible edición de esos largos procesos.

Curaduría: Latitudes y Néstor Delgado Morales.

Un loro, tres bares y diferentes de oro, de Pérez y Requena

Israel Pérez y María Requena, utilizan los materiales, técnicas e imágenes reunidos -entre ellos fotografías descartadas, ecos arquitectónicos o patrones obsoletos- funcionan como viñetas, escenas parciales y fragmentos residuales que remiten a otros tiempos y geografías. Mediante estrategias de copia tachado, montaje, deformación y anotación, estas composiciones no buscan ilustrar ni fijar un significado, sino hacer perceptible una ausencia.

Un loro, tres bares y diferentes de oro, de Pérez y Requena

La exposición se puede visitar hasta el 18 de octubre 2026.

Documentación y fotografía: Prensa TEA Tenerife Espacio de las Artes.

© Mariví Otero 2026
Manuel Otero Rodríguez

lunes, 6 de julio de 2026

MARISOL: Cuando todo está por comenzar

 

MARISOL: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín

En el Centro Botín descubrimos una artista, MARISOL, espléndida y desconocida prácticamente para nosotros. Es la primera retrospectiva dedicada a los dibujos de Marisol, que incluye su obra dibujada desde 1949 hasta el final de su vida, junto a esculturas, grabados, fotografías, películas y documentos procedentes, en su gran mayoría, de la colección de Buffalo AKG Art Museum. La exposición nos permite observar cómo su obra circuló públicamente.

MARISOL: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín

Marisol Escobar (París, 1930- Nueva York, 2016) conocida simplemente como Marisol, fue una figura central de la escena neoyorquina de los años sesenta. Sus esculturas -figuras de madera a tamaño natural, retratos de personajes públicos, escenas familiares y sociales- la situaron en el centro de una cultura visual que comenzaba a pensar en arte en relación con los medios, la política y la vida cotidiana.

MARISOL: Cuando todo está por comenzar Centro Botín

La escultura le dio el reconocimiento internacional, pero la práctica que la acompañó toda su vida fue el dibujo, el Centro Botín propone acercarse a su investigación y trabajó con la primera retrospectiva de su obra dibujada. Más que un medio preparatorio, el dibujo fue para ella un lugar donde observar, repetir y dudar. A lo largo de cinco décadas. Marisol utilizó su propio rostro, trabajó con moldes del cuerpo, convirtió manos y perfiles en signos repetibles y exploró la relación entre retrato, archivo y escena pública.

MARISOL: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín

La exposición, se organiza en tres movimientos, evocados en el título de la exposición, en el que Marisol decide -escapar- del mundo del arte. Primero, ante la rapidez con la que le llega la fama cuando, tras su primera exposición individual y en un momento de reconocimiento público, Marisol se marcha a Europa, inaugurando así el primero de estos desplazamientos. Su galerista Leo Castelli le escribió entonces sorprendido: - ¿Cómo te puedes ir, cuando todo está por comenzar?

Después, a medida que la violencia de la guerra de Vietnam se hace visible, Marisol decide viajar al sudeste asiático, interrumpiendo su presencia en la escena artística en un momento de máxima visibilidad. Y finalmente, se da otra forma de escape cuando la enfermedad de alzhéimer altera su relación entre la voluntad y recuerdo, mientras el dibujo permanece.

MARISOL: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín

El recorrido por la exposición se hace a través de 8 salas. Comienza con una película rodada por Andy Warhol, de la colección del Museo Andy Warhol, que muestra a Marisol en Nueva York a comienzos de los años sesenta, en un momento en el que su trabajo empezaba a recibir una gran atención pública. Warhol, con quien en 1962 entabló una estrecha amistad, la filmó junto a su escultura Woman and Dog (1963-64), hoy en la colección del Whitney Museum of American Art.

En ella, durante varios minutos la artista permanece casi inmóvil, situada a la misma escala que las figuras talladas en madera.

MARISOL: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín

Nacida en una familia venezolana y formada entre Caracas, Los Ángeles y Nueva York, su trabajo estuvo atravesado desde el principio por el desplazamiento entre lenguas, contextos e identidades. Marisol alcanzó una temprana visibilidad, incluso antes que Andy Warhol, apareciendo su trabajo publicado en Life, Glamour y The New York Times, así como mostrándose en grandes citas internacionales como la Bienal de Venecia y Documenta IV, en 1968.

MARISOL: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín

Fuente Marisol: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín en Santander, primera planta. Se puede visitar hasta el 25 de octubre de 2026. Documentación y fotografía: Departamento de Prensa Fundación Botín, María Cagigas.