MARISOL: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín
En el
Centro Botín descubrimos una artista, MARISOL, espléndida y desconocida prácticamente
para nosotros. Es la primera retrospectiva dedicada a los dibujos de Marisol,
que incluye su obra dibujada desde 1949 hasta el final de su vida, junto a
esculturas, grabados, fotografías, películas y documentos procedentes, en su
gran mayoría, de la colección de Buffalo AKG Art Museum. La exposición nos
permite observar cómo su obra circuló públicamente.
MARISOL: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín
Marisol
Escobar (París, 1930- Nueva York, 2016) conocida simplemente como Marisol, fue
una figura central de la escena neoyorquina de los años sesenta. Sus esculturas
-figuras de madera a tamaño natural, retratos de personajes públicos, escenas
familiares y sociales- la situaron en el centro de una cultura visual que
comenzaba a pensar en arte en relación con los medios, la política y la vida
cotidiana.
MARISOL: Cuando todo está por comenzar Centro Botín
La
escultura le dio el reconocimiento internacional, pero la práctica que la
acompañó toda su vida fue el dibujo, el Centro Botín propone acercarse a su
investigación y trabajó con la primera retrospectiva de su obra dibujada. Más
que un medio preparatorio, el dibujo fue para ella un lugar donde observar,
repetir y dudar. A lo largo de cinco décadas. Marisol utilizó su propio rostro,
trabajó con moldes del cuerpo, convirtió manos y perfiles en signos repetibles
y exploró la relación entre retrato, archivo y escena pública.
MARISOL: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín
La
exposición, se organiza en tres movimientos, evocados en el título de la
exposición, en el que Marisol decide -escapar- del mundo del arte. Primero,
ante la rapidez con la que le llega la fama cuando, tras su primera exposición
individual y en un momento de reconocimiento público, Marisol se marcha a
Europa, inaugurando así el primero de estos desplazamientos. Su galerista Leo
Castelli le escribió entonces sorprendido: - ¿Cómo te puedes ir, cuando todo
está por comenzar?
Después,
a medida que la violencia de la guerra de Vietnam se hace visible, Marisol
decide viajar al sudeste asiático, interrumpiendo su presencia en la escena
artística en un momento de máxima visibilidad. Y finalmente, se da otra forma
de escape cuando la enfermedad de alzhéimer altera su relación entre la
voluntad y recuerdo, mientras el dibujo permanece.
MARISOL: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín
El
recorrido por la exposición se hace a través de 8 salas. Comienza con una
película rodada por Andy Warhol, de la colección del Museo Andy Warhol, que
muestra a Marisol en Nueva York a comienzos de los años sesenta, en un momento
en el que su trabajo empezaba a recibir una gran atención pública. Warhol, con
quien en 1962 entabló una estrecha amistad, la filmó junto a su escultura Woman
and Dog (1963-64), hoy en la colección del Whitney Museum of American Art.
En
ella, durante varios minutos la artista permanece casi inmóvil, situada a la
misma escala que las figuras talladas en madera.
MARISOL: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín
Nacida
en una familia venezolana y formada entre Caracas, Los Ángeles y Nueva York, su
trabajo estuvo atravesado desde el principio por el desplazamiento entre
lenguas, contextos e identidades. Marisol alcanzó una temprana visibilidad,
incluso antes que Andy Warhol, apareciendo su trabajo publicado en Life, Glamour
y The New York Times, así como mostrándose en grandes citas internacionales
como la Bienal de Venecia y Documenta IV, en 1968.
MARISOL: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín
Fuente
Marisol: Cuando todo está por comenzar. Centro Botín en Santander, primera
planta. Se puede visitar hasta el 25 de octubre de 2026. Documentación y
fotografía: Departamento de Prensa Fundación Botín, María Cagigas.
En la Galería
Nueva (Madrid) encuentro la exposición dedicada a un gran artista y amigo
Domingo Sarrey (Santander, 1948-Madrid, 2024). Una pequeña colección, pero
significativa de su trabajo, pintura, grabado y por supuesto video, como pasa
el tiempo, ha dejado un espléndido legado.
DOMINGO SARREY. Pionero. Galería Nueva
Sarrey,
desde principios de los setenta, ha ido elaborando con paciencia un corpus
considerable de trabajo cuyo alcance y complejidad empiezan a ser evidentes
ahora. A pesar de que hace tiempo que se definió a sí mismo como -artista
mediático-, este término apenas deja entrever la transición de su
actividad, que abarca los campos del video, la fotografía, las instalaciones,
los libros de artista, los proyectos de Netart videoarte, producciones.
DOMINGO SARREY. Pionero. Galería Nueva
Daniel
Silvo, comisario de la muestra, ha investigado toda la trayectoria de Sarrey,
ha realizado un magnífico trabajo, como para llevarlo a un gran proyecto, una exposición
antológica.
DOMINGO SARREY. Pionero. Galería Nueva
Domingo
Sarrey es un gran artista así lo veía y apoyaba Juana Mordó. En 1982 formé el
Grupo Abra, con artistas amigos: Alejandrina García Faure, José Emilio Antón, Luis
Eduardo Aute, Juan Ignacio de Blas, Domingo Sarrey y José Vázquez Cereijo. La
presentación la hicimos en la Galería Juana Mordó donde Domingo Sarrey presentó
un video, sobre mi proyecto, Juana nos preparó un acto muy divertido, a tope de
gente. Sarrey fue el gestor. En los archivos tienen que estar los videos. Quizás
alguno de vosotros lo recordéis.
DOMINGO SARREY. Pionero. Galería Nueva
Exposición
que os invito a visitar, con la magnífica hoja de sala, realizada por Daniel
Silvo, vais a introduciros en el mundo de este gran artista Domingo Sarrey. Documentación
y fotografía. Prensa Galería Nueva. Julio 2026.
Estamos
ya en la primera de las grandes exposiciones de 2026 del Museo Nacional del
Prado.
La
exposición,comisariada por Joan Molina
Figueras, jefe de Colección de pintura europea hasta 1500,cuenta con más de un centenar de obras de
diversas técnicas (pintura, escultura, orfebrería, manuscritos iluminados,
dibujos, bordados, tejidos de seda…) que proceden de 31 instituciones españolas
y 25 extranjeras, para abordar cómo los modelos del Trecento italiano fueron
asimilados y reformulados por los artistas hispanos, dando lugar a un lenguaje
visual híbrido, sofisticado y de gran originalidad, (espléndidas obras).
La
selección incluye piezas tanto de relevantes maestros italianos, como Anbrogio
Lorenzetti, Gherardo Starnina, Lupo di Francesco, Barnaba da Modena, Andrea di
Petruccio o Geri Lapi, hasta de destacadas personalidades hispanas, caso de
Ferrer y Arnau Bassa, los hermanos Serra, Pedro de Córdoba o Miguel Alcañiz.
Lejos
de proponer una narración unilateral, la exposición subraya la complejidad de
estos intercambios artísticos con un final revelador: el impacto de la cultura
tardogótica hispana e Italia. Una vuelta de tuerca que señala hasta qué punto
las vías mediterráneas anula las fronteras tradicionales entre centro y
periferia para implantar un mundo de encrucijadas de caminos y de alternativas
fascinantes.
La
visita la seguimos a través de cinco secciones:
I Antes
de la peste negra. Declinaciones del arte italiano
La asimilación
de las nuevas corrientes estéticas surgidas en el mundo italiano fue estimulada
por los clientes más selectos de la sociedad aragonesa y mallorquina que a
partir de la tercera década del siglo XIV, favorecieron la llegada de maestros
transalpinos y la importación de obras desde la península itálica, pero, sobre
todo, fomentaron la actividad de artistas locales conocedores del nuevo
lenguaje, en espacial pintores y miniaturistas. Joan Loert, en el reino de
Mallorca, y Ferrer Bassa y su hijo Arnau, en la corona de Aragón, son los
artífices más destacados.
Santa Ana enseñando a leer a la Virgen Ramon Destorrents, con intervención de Ferrer Bassa y Arnau Bassa Temple y pan de oro sobre tabla h. 1343-58 Lisboa, Museu Nacional de Arte Antiga.
II El
puente de Aviñón. Intercambios mediterráneos
La
geografía en un factor determinante: el mar anula fronteras y favorece los
intercambios culturales. Entre los esclavos mediterráneos que estimulan las
relacionas artísticas a principios del siglo XIV destaca Aviñón, el capital
papel entre 1307 y 1403. Remontando el Ródano se alcanza una ciudad cosmopolita
que acoge a pintores y orfebres italianos, en especial sieneses, con Simone
Martini y su círculo a la cabeza. Algunos de ellos llegan a la corona de Aragón,
donde marcan la trayectoria de maestros como Arnau Bassa y ayudan a configurar
el paisaje artístico de medianos del siglo XIV. Por otro lado, obras aviñonesas
son adquiridas por eclesiásticos hispanos de la corte pontificia, como
Benedicto XIII o el cardenal Gil Álvarez de Albornoz.
La Coronación de la Virgen; La Virgen con el Niño; La Trinidad; La Crucifixión y Los doce apóstoles Barnaba da Modena Temple y pan de oro sobre tabla 1374 Londres, The National Gallery. Presented by Rosalind, Countess of Carlisle, 1913
III
Entre la corte y el convento. Nuevas imágenes para nuevos temas
La
asimilación de los modelos italianos implica también la incorporación de temas
de origen transalpino, si bien traducidos y adaptados a la realidad de los
reinos hispanos. Los monarcas y sus cortes resultan especialmente activos en
este sentido con la reelección de imágenes de gran carga simbólicas, como la
Verónica de la Virgen -concebida a partir de modelos romanos -o la Virgen de la
Humildad – derivada de prototipos gestados por Simone Martini en Aviñón- En sus
manos, las expresiones de piedad y cultura se tornan manifestaciones de perder prestigio.
Esa creatividad iconográfica observa igualmente en algunos distinguidos
conventos femeninos -Santa Clara de Palma de Mallorca, Santa María de Pedralbes
y el del Santo Sepulcro de Zaragoza-, cuyas formas de vida estaban más próximas
a los usos cortesanos que a la regla profesada.
Virgen de la Humildad Gherardo Starnina Temple y pan de oro sobre tabla h. 1400 Cleveland, The Cleveland Museum of Art, Leonard C. Hanna, Jr. Fund.
IV La
mirada cautiva. Técnicas fascinantes
La
sofisticación técnica y el uso de materiales preciosos fueron otros de los
rasgos que marcaron el horizonte visual del Trecento italiano y que incluyeron
en su éxito más allá de la península transalpina. Los bordados con hilos de oro
y plata (opus florentinum), los esmaltes traslúcidos sieneses, las
esculturas policromadas y doradas y, especialmente, las pinturas, donde la
refinada manipulación del oro permitía emular la textura y la suntuosidad de
los tejidos de lujo y las joyas, pasaron a ser un referente estético para los
clientes y los artistas de los reinos hispanos.
Frontal de la Pasión Geri di Lapo Bordado de sedas policromadas e hilos de oro y plata sobre tela de lino h. 1346-50 Manresa, Basílica de Santa Maria de la Seu de Manresa - Bisbat de Vic.
V
Viajes de ida y vuelta. A la manera de España
Nuestro
periplo concluye con un giro insospechado que ilustra hasta qué punto los
caprichos de los intercambios culturales desmienten cualquier apriorismo o
categoría establecida por los discursos historiográficos tradicionales. Si a lo
largo de toda la exposición el discurso se ha centrado en la profunda
incidencia que tuvieron los modelos italianos trescentristas en los reinos
hispanos, la última sección está dedicada a examinar una situación inversa. Su
protagonista es Gherardo Starnina un maestro toscano que, tras su paso por las
coronas de Castilla y Aragón entre 1393 y 1402, agitó el ambiente artístico de
la Florencia de inicios del siglo XV con el renovador lenguaje tardogótica que
había asumido durante su estancia en Valencia. Su viaje de ida y vuelta revela
hasta qué punto las andanzas de ciertos artistas por el Mediterráneo occidental
y las obras que dejaron a su paso dieron lugar a realidades plurales e
híbridas, difíciles de categorizar, pero fundamentales para comprender la
evolución de las formas artísticas. Demostraría cómo A la manera de Italia
puede acabar transformándose en A la manera de España.
Fuente:
“A la manera de Italia. España y el gótico mediterráneo (1320-1420)”. Museo
Nacional del Prado. Se puede visitar hasta el 29 de septiembre 2026.
Documentación y fotografía: Museo del Prado, Área de comunicación y Asuntos
Corporativos.
En el
Museo del Prado visitamos esta exposición que invita a los ciudadanos a
construir el Museo del futuro. La exposición, que cuenta con el patrocinio de
la Fundación Amigos del Museo del Prado y la colaboración de la Comunidad de
Madrid. Ubicada en las salas C y D del edificio Jerónimos. “Prado. Siglo XXI”
plantea un recorrido por los hitos y etapas de su historia reciente que han ido
definiendo su funcionamiento, su proyecto científico y su lugar en el panorama
cultural internacional.
El
relato se articula a través de 98 piezas -pinturas, esculturas, dibujos,
estampas, fotografías, libros y documentos de archivo- junto con material
audiovisual y recursos expositivos que no buscan una mirada complacida a lo
conseguido sino animar a los ciudadanos a seguir construyendo el Prado, su
museo.
El descanso en la Huida a Egipto Luisa Ignacia Roldán, la Roldana Terracota y madera policromada 1691 Adquirida por el Estado y adscrita al Museo Nacional del Prado, 2025
Todas
estas acciones y actividades han sido llevadas a cabo gracias a una excelente
administración de los fondos públicos recibidos y también de las aportaciones
de benefactores y patrocinadores a quienes el Museo del Prado quiere mostrar su
gratitud por su apoyo constante.
La condesa de Chinchón Francisco de Goya Óleo sobre lienzo 1800 Adquirido por el Estado y por el Museo Nacional del Prado, con fondos propios y fondos del legado Villaescusa, 2000
El
Museo del Prado tiene una presencia tan sólida que es fácil pensar que es
estático, que siempre ha sido así como hoy lo vemos. Sin embargo, cerca de mil
nuevos cuadros, algunos de ellos obras maestras absolutas de Fra Angélico,
Velázquez o Goya, han entrado en Museo en los últimos 25 años. Unos años en los
que ha podido crecer en todos los ámbitos (artístico, económico y de impacto
social) gracias a contar con una ley propia (2003), nacida del acuerdo de todos
los grupos parlamentarios.
Recorrido
por los cambios que ha experimentado la institución desde el año 2000 para
pensar en los próximos 25 años.
Fuente:
“Prado. Siglo XXI” Museo Nacional del Prado. Se puede visitar hasta el 27 de
septiembre 2026. Documentación y fotografía: Museo del Prado, Área de
comunicación y Asuntos Corporativos.
Visitamos
la exposición "Situaciones poliédricas" en la Galería Rafael Ortiz de
Sevilla.
Las
obras reunidas: pintura, escultura y objetos de diseño. Nada permanece
completamente estable: las formas se desplazan, los volúmenes parecen alterar
su función y la geometría deja d comportarse como un sistema rígido para
convertirse en un organismo abierto, sensible a la intuición y al accidente.
Situaciones poliédricas. Galería Rafael Ortiz.
Cada
pieza contiene un cierto grado de misterio, una tensión que emerge cuando
aquello aparentemente familiar cambia de contexto o de posición y, de pronto,
deja de ser reconocible.
Obras
que mutan según la distancia, la memoria o el tiempo de observación y que nos
invitan a mirar.
Situaciones poliédricas. Galería Rafael Ortiz.
Documentación
y fotografía: Galería Rafael Ortiz, Prensa Rosalía jr.
En el
marco de PhotoEspaña 2026. Casa de América expone las fotografías de Bego
Antón, una mirada irónica a Estados Unidos en el 250 aniversario de su
independencia.
Visitamos
"Everybody Loves to Cha Cha Cha", esta es la historia de mujeres que
bailan con sus perros y de perros que bailan con sus humanas. -El Musical
Canine Freetyle- es una disciplina coreografiada en la que una persona y su
perro se mueven juntos al ritmo de la música, ataviados con vestuarios
diseñados para dialogar con la canción elegida.
A
través de este proyecto, Bego Antón (Bilbao, 1983) retrata varias de estas
mujeres de diferentes estados de Estados Unidos, desde Nueva York hasta
Arizona. Sus imágenes muestran no solo las coreografías y los llamados trajes
que utilizan en las composiciones, sino también las historias personales, los
afectos y las comunidades que se articulan en torno a esa práctica. La
fotógrafa constituye un retrato tan entrañable como revelador de una realidad
poco conocida.
La
exposición forma parte de la sección oficial de la 29ª. edición de PHotoEspaña,
que este año se celebra bajo el lema "Volver a imaginar". Frente a la
saturación visual contemporánea, el festival pone el foco en esta ocasión en la
creatividad fotográfica, la experimentación y la exploración de los límites de
la imagen.
“Mujeres de Ingenio. Plumas de Oro en el Siglo de las Letras”. Casa Museo Lope de Vega (Madrid). Guillermo Gumiel
En la
Casa Museo Lope de Vega, visitamos la muestra "Mujeres de ingenio. Plumas
de oro en el Siglo de las Letras".
La
exposición, comisariada por Esther Borrego Gutiérrez, nos acerca a los
visitantes a los retratos, libros y manuscritos de Ana Caro Mallén, María de
Zayas, Sor Marcela de San Félix o Feliciana Enríquez de Guzmán, entre otras.
“Mujeres de Ingenio. Plumas de Oro en el Siglo de las Letras”. Casa Museo Lope de Vega (Madrid). Guillermo Gumiel.
Durante
los siglos XVI y XVII, la mujer creadora -en este caso. la escritora- contaba
con unas posibilidades muy limitadas de difusión de sus obras, ya que su ámbito
de creación se restringía, en gran medida, al entorno doméstico. Solo un
reducido número de ellas logró el reconocimiento social como escritoras,
mientras que la mayoría han alcanzado su valoración y prestigio con el paso del
tiempo.
Dionisio Santiago Palomares: Retratos de Ángela y Luisa Sigea, 1780. . Galería de personajes ilustres (Colección Borbón Lorenzana). Biblioteca Regional de Castilla-La Mancha.
La
muestra está estructurada en tres grandes apartados, que se corresponden con
los citados entornos de escritura: la corte, la clase y el claustro.
El
primer bloque temático, -El palacio, la nobleza y los círculos cortesanos-
parte de la figura de las reinas españolas que promovieron la literatura y la
cultura, desde Isabel la Católica, hasta Juana de Portugal o María de Austria,
que fundaron o consolidaron conventos reales.
Pedro Pablo Rubens: Sor Ana Dorotea de Austria. Patrimonio Nacional. Colecciones Reales.
El
segundo titulado -La casa- .Escritoras plebeyas, aborda a figuras como María de
Zayas, Angela de Acevedo o Ana Caro de Mallén, que triunfaron con sus obras en
los corrales del momento, así como a figuras como Catalina de Erause, conocida
como la monja alférez, cuya obra literaria tuvo gran difusión.
Ana Caro de Mallén: Comedia famosa El conde Partinuplés, s. a. Biblioteca Nacional de España
Por
último, el tercer bloque hace referencia a -El claustro, santidad, literatura y
ocio. Ocupa aquí un lugar central Santa Teresa de Jesús, la primera escritor
española reconocida en el canon literario, cuya obra vio la luz en la imprenta
de Salamanca en la temprana fecha de 1588.
Anónimo: Teresa de Jesús, escritora, siglo XVII. Convento de San Ildefonso de las Trinitarias Descalzas (Madrid)
Una
muestra para visitar es un bello paseo por la historia y más de mujeres , la
entrada es gratuita. Hasta el 13 de septiembre 2026.
Aurèlia Muñoz trabajando en su estudio, 1982. Fotografía: Josep Ventosa
Caminamos
por las salas del Museo Nacional Reina Sofía al encuentro de la espectacular
retrospectiva titulada “Entes” de la artista AURÈLIA MUÑOZ (Barcelona 1926-2011)
una figura clave en la renovación del lenguaje escultórico textil europeo del
siglo XX. (a la que conocí). Coincidiendo con el centenario de su nacimiento y
como principal acto de esta celebración.
Vista de la Sala 2: La escultura anudada. Fotografía: Fátima Sanz
La
muestra recorre todas las épocas. Técnicas, series y materiales utilizados por
Aurelia Muñoz desde los años 50 hasta principios del siglo XXI. Esta organizada
por el Museo Reina Sofía y el MACBA, Museo d’Art Contemporari de Barcelona, y
comisariada por Fundació EINA a través de su plataforma eineidea, bajo la
dirección científica de Manuel Cirauqui, junto con Rosa Lleó y Silvia Ventosa,
responsable del Archivo Aurèlia Muñoz e hija de la artista.
Maquetas o «macramé-miniaturas». Fotografía: Fátima Sanz
La
exposición AURÈLIA MUÑOZ. Entes. Busca descubrir nuevas perspectivas sobre
universo, la -cosmología aurèliana- poblado por figuras plurales sin genero
definido que desafían el binarismo, personajes a medio camino entre lo humano y
lo animal que el animal que habitan un espacio interespecie. La muestra, ocupa
seis salas de la planta 0 del Edificio Nouvel, se asienta en espacios abiertos
en los que las obras dialogan entre sí en un ambiente natural, sin artificios,
no teatralizado. La mayoría de las obras expuestas proceden de -Archivos
Aurèlia Muñoz-, de la colección del Ayuntamiento de San Cugat y del Museo
Nacional d’Art de Catalunya (MNAC). Cuatro de las obras en esta muestra forman
parte de la Colección del Museo Reina Sofía. También hay obras del MACBA. Del
MoMA y de prestadores particulares.
Aurèlia Muñoz, Libros aéreos, 1985-1987. Papel hecho a mano y varillas de madera
La
muestra es espectacular se ven las obras de Aurèlia Muñoz espléndidas. En la
sala 4. Aerostatos. Entre pájaro y cometa. Estas esculturas voladoras,
que remiten a su vez a la ligereza de los pájaros y otros seres alados, se
elevan en el espacio por encima de la cabeza del visitante conquistando un
espacio de libertad y en cierta manera trascendente, como evoca la doble
acepción en catalán de término “estel”, traducido como cometa, pero también
como estrella. Este medio aéreo, y más tarde también el medio acuático,
convertirá en uno de los grandes motivos de la producción de la artista, que se
desarrolla de forma paralela a una temprana conciencia del impacto humano sobre
los ecosistemas terrestres. Una selección de sus Pájaros- cometa
protagonizo ya en 1982 una ambiciosa instalación en el Palacio de Cristas del
Parque de El Retiro, en Madrid (de la que fui espectadora), un espacio de
escala y cualidades lumínicas excepcionales, como parte de la exposición
retrospectiva organizada por el Ministerio de Cultura. También fueron expuestos
un año después con motivo de XI Bienal Internacional del Tapiz de Lausana de
1983 con el título Aérostates, donde se presentó como una banda de
pájaros suspendida sobre la esclera monumental del emblemático Palais de
Rumine.
[Cuatro
de estas esculturasvoladoras observan al público desde las
alturas, tres de ellas de gran formato: S1, Homenatge a Leonardo da Vinci
(1982) y Ocell este B1[ Pájaro cometa B1] (1981-1982) – de más de seis metros
de ancho-, ambas procedentes de la colección Textil y Tapiz Contemporáneo del
ayuntamiento de San Cugat, y B3 de la Colección Juan Várez. Junto a ellas
planea una escultura de menor tamaño, Ocell S2 [Pájaro- cometa S2] (1982),
realizada en tela de seda salvaje que forma parte de la colección del Archivo
Aurèlia Muñoz.
Aurèlia Muñoz, Ocell estel B1 [Pájaro-cometa B1] (1981-1982). Tela de algodón y cordeles, varillas y anillas metálicas (150 x 690 x 250 cm). Colección de Arte Textil y Tapiz Contemporáneo, Ayuntamiento de Sant Cugat, Barcelona. Fotografía: Fátima Sanz
Un
recorrido de cinco décadas del universo creativo de AURÈLIA MUÑOZ.
Tomás García Asensio, Mariví Otero, Marta de García Asensio, Marta Escribano y Jesús Ausín.
Fuente:
AURÈLIA MUÑOZ. Entes. Museo Nacional Reina Sofía. Del 29 de abril de 2026- 7 de
septiembre de 2026. Documentación y fotografía: Departamento de Prensa, Museo
Reina Sofía.
Cualquiera
que le haya dedicado una atención mínima a mis escritos, sabe cuán reiterado es
mi reconocimiento -Uno de los escultores fundamentales del siglo XX -JORGE
OTEIZA (Al que conocí en Madrid, yo trabajaba en la Galería Península, con
el Crítico José María Moreno Galván en los años setenta, así como a su esposa
Itziar).
En
esta ocasión visitamos el Museo Oteiza una gran muestra dedicada a la relación
artística entre NÉSTOR BASTERRETXEA Y JORGE OTEIZA (recuerdo una exposición
-Escultores Vascos- en la galería Skyra, propietaria Carmina Mazein, en el año
creo 1973, ahí conocí a Néstor, todos ellos venían a Península a ver a Moreno
Galván, las dos galerías estábamos en C/ Ortega y Gasset).
BASTERRETXEA / OTEIZA. El problema del espacio.
Las
trayectorias artísticas y vitales de Néstor Basterretxea (1924-2014) y Jorge
Oteiza (1900-2000). Ambos artistas participaron de manera activa en los
procesos de renovación de los lenguajes estéticos de la segunda mitad del siglo
XX, situando su práctica formal, el compromiso cultural y reflexión sobre la
función social del arte. A través de obras, documentos y materiales inéditos,
la exposición propone una nueva lectura de su intercambio creativo y su impacto
en la cultura contemporánea.
BASTERRETXEA / OTEIZA. El problema del espacio.
La
exposición analiza a través de 80 obras, materiales documentales originales y
fotografías, que trazan una cartografía de los momentos clave en la relación
entre ambos artistas:
-Los trabajos
preparatorios para el proyecto de la Basílica de Arantzazu (1952-1955)
-La
exposición en la Sala Neblí (1960)
-La
Casa de Irún (1958-1975)
-Audiovisual
Operación H (1963)
-El
Proyecto cinematográfico Ama Lur (1965-1968) y su vinculación con el grupo GAUR
y los movimientos asociados a la Escuela Vasca.
-El
proyecto para Fundación Sabino Arana (1979)
BASTERRETXEA / OTEIZA. El problema del espacio.
La
referencia a la exposición celebrada en la galería Neblí de Madrid en 1960 -La
única realizada conjuntamente por ambos artistas- ocupa un lugar central
del proyecto. A partir de la recuperación de algunas de las obras entonces
presentadas, se puede ver una reformulación del diálogo artístico que
Basterretxea y Oteiza establecieron en aquel momento, permitiendo reconsiderar
hoy sus respectivas posiciones estéticas y la significación de su encuentro.
Como
complemento a esta exposición, se presente facsímil encartado del folleto
publicado con ocasión de la exposición de Basterretxea y Oteiza en Sala Nabí de
Madrid. Celebrada, entre el 20 de abril y 13 de mayo de 1960. Esa publicación
contó con un texto del arquitecto Francisco Javier Sáinz de Oiza. Le sigue “El
final del arte contemporáneo” de Oteiza, donde en una carta enviada desde Lima
en la que, el escultor anunciaba el inesperado cierre de su investigación
escultórica. Por su parte, Basterretxea publicó “Espacio Plástico”, un texto
fechado el 6 de abril en Irún y que funciona como un manifiesto personal sobre
las limitaciones del plano y de las dos dimensiones, anticipando su entrada en
la escultura.
BASTERRETXEA / OTEIZA. El problema del espacio.
La
exposición, cuenta con la participación de la Diputación Foral de Gipuzkoa y la
colaboración del Ayuntamiento de Egüés y Artingenium, esta comisariada por Peio
Aguirre y J. P Huercanos y cuenta con la participación de Xabier Salaberria en
el diseño expositivo.
BASTERRETXEA / OTEIZA. El problema del espacio.
Esta
explosión se enmarca en el proyecto de comunidad DANOK OTEIZA, promovida por la
Fundación Museo Jorge Oteiza, con objeto de difundir y expandir la obra y el
pensamiento de Jorge Oteiza y generar una continuidad abierta, plural y
participativa en torno al ideario del creador.
Exposición
muy recomendable se puede visitar, se puede visitar hasta el 30 de agosto 2026.
Dos
figuras fundamentales en la renovación del arte de la segunda mitad del siglo
XX.
Fuente:
Basterretxea- Oteiza. Problema del espacio. 26 marzo- 30 agosto 2026. Museo
Oteiza. Documentación y fotografía: Departamento de Prensa del Museo.
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