martes, 24 de septiembre de 2024

MARIBEL NAZCO. Años 70, sensualidad abstracta.

 

Maribel Nazco. Galería José de la Mano.

La Galería José de la Mano ha inaugurado la temporada con una exposición especial, digo lo de especial, porque las primeras obras que encuentro de esta artista son, en ARCOMadrid24 en José de la Mano y esta es la primera muestra individual que José de la Mano dedica a la canaria MARIBEL NAZCO (Los Llanos de Aridane, La Palma, 1938)

Caminamos por la muestra, Nazco fue una pionera en el trabajo en metal, en la muestra se pueden ver varias obras, piezas que tienen un paralelo en exquisitos dibujos, realizados todos ellos en los años 70.

Venus de Willendorf, 1974 (collage metalico)

Se trata de un discurso que inicia en 1969 y en la que profundiza hasta principios de la década de los 80. El acero, el hierro, el latón el aluminio o el zinc son los metales con los que trabaja ensamblando elementos que a principios de los 70 se presentan con resultado que traen ecos eróticos de cuerpos, de sus fragmentos moldeados, pulidos, curvos paradójicamente duros con una apariencia blanda, en un primerísimo primer plano.

Cuerpos III, 1977 (ensamblaje metálico en aluminio)

Cuerpos que se funden uno con otro en un intento de expresar el placer reconocido, experimentando y gozado, realizados por fuerza a partir de un lenguaje algo ambiguo en unos años, todavía en dictadura en los que nosotras las mujeres carecíamos oficialmente de sexualidad.

Sin título [boceto para el ensamblaje Cuerpos III], 1976 (grafito sobre papel)

En el recorrido por la muestra sí, recuerdo la obra de Nazco en la Galería de arte Ramón Durán, en Madrid (1974) era una exposición individual. En 1975 expone en la bilbaína Aritza (1975) y en la catalana Sarrió (1975). Recibe los elogios de la crítica especializada, de tal forma que mi admirado Carlos Areán, director del MEAC Museo de Arte Contemporáneo (1975-1977), la introduce dentro del concepto de la escultopintura española, y el crítico Grillo Dorfles la incluye en su monografía “Últimas tendencias del arte de hoy”.

Sin titulo, 1974 (piedra, metal y madera)

Tras exponer en la sala Boticelli de Gran Canaria, ocasión para la que Maud Bonneaud, escritora y heredera de esmaltes, escribe el texto “Cuerpos y silencios, en referencia a los metales grises y a los dibujos corporales de Maribel Nazco”: “estos cuerpos han tomado grandes baños de luna, han flotado y nadado de noche en el interminable río de la Vía Láctea, han rodado para pulimentarse en las vueltas por el cielo”.

Sin título [Serie Cuerpos], 1974 (grafito sobre papel)

Maribel Nazco obtiene su licenciatura en la Facultad de Bellas Artes de la ULL en 1980 y doctorado en Bellas Artes con calificación CUM Laude en 1986, con una investigación sobre los procedimientos empleados en la aleación y experimentación con los metales. En 1989 obtiene la Cátedra de Procedimientos y Técnicas Pictóricas, en la facultad de Bellas Artes de la ULL, en donde asume varios cargos de responsabilidad, ejerciendo como decana durante varios mandatos.

Finalizado el recorrido, a mí personalmente me pierden las texturas, he disfrutado con los trabajos Maribel Nazco.


Sin título [Serie Cuerpos], 1976 (grafito sobre papel)

Maribel Nazco, a sus 86 años, Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en la modalidad de Artes Plásticas.

Maribel Nazco. 2024.

Mariví Otero 2024

Manuel Otero Rodríguez

Fuente: Maribel Nazco. Sensualidad abstracta (año 70). José de la Mano, Madrid. Comisarios de la muestra: Isabel Tejada e Isidro Hernández. Del 12 de septiembre- 26 octubre 2024. Documentación y fotografías, prensa de la Galería: Alberto Manrique.

JEAN TINGUELY

 

Jean Tinguely looking for materials, Paris, 1960 © Museum Tinguely, Basel Unknown photographer

Pirelli HangarBicocca (Milán) el próximo 10 de octubre presenta "Jean Tinguely", la retrospectiva más completa realizada en Italia desde la muerte del artista. El objetivo de la exposición es destacar el carácter radical y experimental de Jean Tinguely (Friburgo, 1925-Berna, 1991), uno de los artistas que marcaron la historia del arte del siglo XX, y subrayar su relevancia y estatus contemporáneos aún hoy.

Jean Tinguely Gismo, 1960 Collection Stedelijk Museum Amsterdam Jean Tinguely © SIAE, 2024 

Coincide con el centenario del nacimiento del artista en 2025, es también una oportunidad de recordar al público la estrecha relación de Jean Tinguely con Milán, donde creó algunos de sus proyectos más ambiciosos, como La Victoria (1970), un espectáculo icónico organizado frente al Duomo. El último gran homenaje a Jean Tinguely en una institución italiana tuvo lugar en 1987 con la exposición "Una magia più delle morte" (Una magia más fuerte que la muerte), presentada por primera vez en Venecia en el Palazzo Grassi y comisariada por Pontus Hultén. Hultén fue un eminente comisario y director del museo (dirigió seis instituciones en vida, incluido el Museo Tinguely de Basilea) y un gran amigo y defensor del artista.

Jean Tinguely in Milan, Italy, November, 1971 © SZ Photo / Wolleh Lothar / Bridgeman Images Photo Wolleh Lothar

Tinguely, está considerado como uno de los exponentes más importantes del arte cinético, revolucionó el concepto mismo de la obra de arte. En el centro de su obra se encuentra la exploración de la máquina, su función y movimiento, sus ruidos y sonidos, y su poesía inherente. Tinguely fue uno de los primeros artistas en utilizar objetos encontrados, engranajes y otros materiales, que luego soldó para crear máquinas ruidosas y cacofónicas equipadas con motores reales. Sus esculturas también tienen una cualidad performativa debido a su movimiento constante y la forma peculiar en que involucran al público. Los engranajes, especialmente la rueda, son a menudo el elemento básico en las obras de Tinguely, que altera deliberadamente su función convencional, liberando a la máquina de la tiranía de la utilidad y alentando lo inesperado y efímero en sus aburridos y sorprendentes artilugios.

Jean Tinguely Pit-Stop,1984 Formula 1 auto parts, scrap iron, 4 x 16 mm film projectors; 360 x 600 x 600 cm © Museum Tinguely, Basel Jean Tinguely © SIAE, 2024 Photo Christian Baur 

La muestra incluye más de 30 obras realizadas entre los años 50 y 90. Muchas de sus piezas más importantes, desde sus pioneras esculturas experimentales hasta sus monumentales máquinas cinéticas, invitará a los visitantes a un entorno audiovisual único.

Jean Tinguely Ballet des pauvres, 1961 Aluminium plate, iron wheels, transmissions and rods, fabric, plastic, metal, furs, leather and other materials, electric motor 400 x 350 x 220 cm Installation view, Museum Tinguely, Basel © Museum Tinguely, Basel Jean Tinguely © SIAE, 2024 Photo Daniel Spehr

Las obras mecánicas encontrarán un vínculo espontáneo con la inmensidad del antiguo espacio industrial que es Pirelli HangerBicocca y darán al público la posibilidad de entrar en contacto y profundizar en la práctica del artista suizo que veía el arte como algo alejado del autor y, por tanto, nunca unívoco y definitivo: un arte a menudo realizado como performance, a veces ubicado en espacios públicos, transitorio y, gracias a sus elementos interactivos, atractivo y fascinante.

Jean Tinguely Plateau agriculturel, 1978 (detail, in the front) Parts of agricultural machines (red), scrap iron, garden gnome, electric motor, 20 iron pedestals Plateau 50 x 850 x 460, H 200 cm Jean Tinguely, Fatamorgana, Méta-Harmonie IV, 1985 (in the background) Installation view, Museum Tinguely, Basel © Museum Tinguely, Basel Jean Tinguely © SIAE, 2024 Photo Daniel Spehr

La exposición "Jean Tinguely" está organizada por Pirelli HangerBicocca en colaboración con el Museo Tinguely de Basilea. El proyecto expositivo está comisariado por Camille Morineau, Lucia Pesapane y Vicente Todolí junto a Fiammetta Griccioli.

Jean Tinguely with Moulin à Prière in the Gallery Iolas, Paris, 1963 © Museum Tinguely, Basel Jean Tinguely © SIAE, 2024 Photo Monique Jacot 

Documentación y fotografias, recibidas de la oficina de Prensa de Pirelli HangerBicocca. La muestra se puede visitar del 10 de octubre 2024 al 2 de febrero de 2025.

© Mariví Otero 2024

Manuel Otero Rodríguez

DANIEL CANOGAR. SHIMMER, 2024

 

Daniel Canogar. Shimmer

Christopher Grimes Projects, ha presentado: "Shimmer, 2024" del artista Daniel Canogar, es una obra de arte generativa escultórica instalada en el vestíbulo del Centro de producción y logística GEMÜ en Kupferzell, Alemania. la obra de arte conecta conceptualmente las actividades técnicas de GEGÜ con la esencia dinámica de un río. La animación que se muestra en la pantalla responde a datos en tiempo real asociados con seis ríos clave que recorren Alemania, incluidos algunos notables como el Rin, el Elba, el Danubio, el Ems, el Weser y el Oder. Las fuentes de datos en tiempo real brindan información sobre el flujo de agua, los niveles de pH, los niveles de oxígeno y la temperatura de los ríos. Estos puntos de datos actualizados continuamente influyen en la velocidad de la animación y la paleta de colores vibrantes. También estimulan ritmos y patrones variados en la pantalla en constante evolución.

Daniel Canogar. Shimmer

Shimmer capta la importancia de los datos como un recurso vital en las sociedades contemporáneas, estableciendo paralelismos con la forma en que los ríos históricamente nutrieron a las poblaciones humanas a lo largo de sus orillas. También subraya el papel de los datos en la evaluación del impacto ambiental de las actividades humanas, facilitando una recalibración de nuestra relación con los recursos naturales. A través de Shimmer, la convergencia de las corrientes industriales, digitales y naturales nos anima a considerar la tecnología no como una fuerza destructiva, sino como una herramienta fundamental para comprender y preservar nuestros ecosistemas nutritivos.

Daniel Canogar. Shimmer

Shimmer: Pantalla LED flexible, computadora, software generativo personalizado, datos en tiempo real, estructura de metal 5 1/2X 38 3/4 X 2 pies, 1,73 X 11,8 X 06 m.

Daniel Canogar. Shimmer


Daniel Canogar. Shimmer

Una gran obra de Daniel Canogar

Documentación y fotografías de Christopher Grimes Projects.

© Mariví Otero 2024
Manuel Otero Rodríguez

REGINE SCHUMANN. COLOR ME IN MIRRORVIEW

 

Regine Schumann. Color me in Mirrorview. Galería Rafael Pérez Hernando.

En la galería Rafael Pérez Hernando (Madrid) nueva exposición individual "COLOR ME IN MIRRORVIEW" de la artista alemana REGINE SCHUMANN (Goslar, 1961).

Schumann vive y trabaja en la ciudad de Colonia, Alemania. Su trabajo, influenciado por los artistas del movimiento color-field, se centra en los efectos de la luz y color que causan los materiales fluorescentes y fosforescentes. Con paneles de vidrio acrílico de diferentes colores fabricados con pigmentos que reaccionan a la iluminación externa que reciben, elabora diferentes composiciones en los espacios de acuerdo con la teoría de los colores de Goethe. Cuanto más fuerte es la luz natural, más se potencia el color y el efecto luminoso. También una luz ultravioleta para añadir nuevas variaciones de color o intensificar el brillo de sus obras.

Regine Schumann. Color me in Mirrorview. Galería Rafael Pérez Hernando.

Como resultado, obtiene obras de colores y efectos cambiantes, que no sólo reaccionan con el espacio circundante, sino que cada vez sorprende al espectador con una experiencia distinta dependiendo del ambiente lumínico.

Regine Schumann. Color me in Mirrorview. Galería Rafael Pérez Hernando.

Es una artista a la que sigo, siempre me sorprende. Se puede visitar hasta el 23 de noviembre 2024

Documentación y fotografías de la Galería.

© Mariví Otero 2024

Manuel Otero Rodríguez

SAODAT ISMAILOVA. UNA SEMILLA BAJO NUESTRA LENGUA

 

Saodat Ismailova. Una semilla bajo nuestra lengua. Foto de sala.

Pirelli HangarBicocca, (Milán) ha presentado la exposición "Una semilla bajo nuestra lengua" de la artista Saodat Ismailova (Tashkent, Uzbekistán, 1981). Es una cineasta y artista de la primera generación postsoviética en Uzbekistán.

Sus películas e instalaciones, con su impactante iconografía y narrativas hipotéticas, evocan el poder de la naturaleza, el legado de la colonización y de delicada relación entre la humanidad y el medio ambiente. Explorando la memoria colectiva, el conocimiento ancestral y la representación de la feminidad, se basan en el patrimonio sociopolítico y cultural y cultural de su Asia Central natal para reflexionar sobre los valores universales. Comisaria de la muestra Roberta Tenconi.

Saodat Ismailova Arslanbob, 2023-24 (video still) Three-channel video, color, sound, ca. 19’ Courtesy the Artist. © Saodat Ismailova

Con nuevas obras encargadas por Pirelli HangarBicocca, la exposición marca el primer estudio institucional de Saodat Ismailova en Italia. Presenta obras de su carrera de dos décadas, que incluyen películas, esculturas e instalaciones, en un entorno espacial especialmente diseñado. Centrada el concepto y las implicaciones de la transmisión (ya sea de conocimientos, historias, recuerdos o paisajes), la exposición evoca diferentes narrativas, creando una atmósfera compleja y de múltiples capas. Los visitantes se sumergen en las realidades culturales, sociales y políticas de Asia Central a través de una intrincada superposición de recuerdos, paisajes, imágenes personales y colectivas y tiempo.

Saodat Ismailova Arslanbob, 2023-24 (video still) Three-channel video, color, sound, ca. 19’ Courtesy the Artist. © Saodat Ismailova

"Creo que el cine es como un recipiente que trasporta y recuerda todo", dice Ismailova.

"Una semilla bajo nuestra lengua", el primer estudio italiano de Saodat Ismailova, una de las artistas contemporáneas más aclamadas de la nueva generación, que trabaja en la intersección del cine, el sonido y las artes visuales.

Saodat Ismailova The Haunted, 2017 (video still) HD video, color and black-and-white, sound,23’20’’ Courtesy the Artist. © Saodat Ismailova

Si pasáis por Milán, esta hasta el 12 de enero de 2025.

Gran Documentación y fotografías de Pirelli HangarBicocca, sobre la muestra, Sofía Baronchelli.

Saodat Ismailova.

© Mariví Otero 2024

Manuel Otero Rodríguez

JUAN CARLOS SAVATER. UN RIO

 

Juan Carlos Savater. "Sortilegio"

En la Galería Leandro Navarro, caminamos entre las obras del artista Juan Carlos Savater (San Sebastián, 1953), guiados por el texto: "Sin la muerte" de Andreu Jaume (catálogo) y el video donde Savater nos va narrando esa parte espiritual que emana su obra desde una figuración.

"[...] La pintura de Savater desafía negatividad sobre la que descansa toda la producción artística desde el Romanticismo, invalidando de algún modo la operación crítica que gira a su alrededor. Frente a su contundente afirmación, el juicio se inhibe y descarta por tanto su vinculación con la obra, que entretanto queda como en suspenso, en un limbo que a la vez constituye una especie de desacato.

En sus habituales paisajes insípidos, esos grandes roquedales con poca vegetación, corre el agua de un río o se abre un mar picado ("el río lo llevamos dentro, el mar nos rodea por entero", escribió T.S. Eliot).

Juan Carlos Savater. "Santuario"

Apenas hay figuras humanas, solo unos ángeles o un niño pescando, como restos de ese instante medieval en el que el artista estaba con los pies bien sujetos en la orilla de su visión cósmica, atrapándola con sus redes para luego convertirla en una serie de imágenes para su comunidad. Y en medio de esos espacios surge de pronto una especie de flor, un motivo ornamental que hace visible lo invisible y sirve como metáfora de una existencia libre de muerte, previa a la separación que se opera en la conciencia humana y que ha terminado por ser el destino del arte. El descubrimiento de la naturaleza supuso durante el Romanticismo una despedida, la constatación de que el hombre ya no pertenecía a ese ámbito.

Juan Carlos Savater. "Estuario"

La pintura de Juan Carlos Savater, por último, invita a pensar en la resti-tución del arte en el reino olvidado de la humanidad [...]

Bien merece una visita hasta el 25 de octubre 2024.

Documentación de la Galería y fotografías de Joaquín Cortés y de interior de sala de Esther Rodríguez.

© Mariví Otero 2024

Manuel Otero Rodríguez

CRISTINA BABILONI. AQUARIUM

 

Cristina Babiloni. Galería Álvaro Alcázar

Caminamos a la galería Álvaro Alcázar, al encuentro de la exposición que ha presentado "Aquarium" de la artista de Castellón, CRISTINA BABILONI (Castellón, 1981). Tras el éxito de sus dos exposiciones individuales en Nueva York y Andorra, la artista se da cita en Madrid con una gran muestra en la que presenta su obra más reciente.

La muestra se articula en torno a dos partes diferenciadas. Por un lado, las arpilleras en gran y medio formato, donde la artista, consigue, gracias a sus cargas con pigmentos y otros materiales, reproducir los fondos marinos y arrecifes de coral que invitan al espectador a sumergirse en las profundidades marítimas, casi de forma literal.

Cristina Babiloni. Galería Álvaro Alcázar

Como psicóloga, Babiloni toma la destreza artística como herramienta capaz de devolver el equilibrio mental a las personas. En sus palabras "el poder de la admiración siempre genera bienestar", por ello, pese a que cada una de las pinturas sea diferente, todas ellas funcionan como un vehículo que incita a la meditación por medio de la inmersión en lo natural. La cromoterapia se fusiona con la pintura para influir en el estado anímico de quien contempla su trabajo. En este caso, el medio natural no solo le permite realizar una introspección a su mundo interior, tanto el resultado como el proceso es una cura para las molestias del alma.

Este medio permite a la artista reflexionar sobre el mundo que nos rodea; un espacio cargado de pureza que a toda costa debemos preservar. Babiloni a firma que "somos naturaleza". Por ello sentirse emocionalmente en este entorno es fundamental, el arte es el medio y el sentido de este proyecto cuenta además con una explicación terapéutica.

Cristina Babiloni. Galería Álvaro Alcázar

Esta fuerte conexión entre su trabajo y el medioambiente se basa en la fascinación, pero también es fruto de una conexión emocional.

Cristina Babiloni. Galería Álvaro Alcázar

Muestra para visitar hasta finales de octubre 2024. Documentación y fotografías de la Galería

© Mariví Otero 2024

Manuel Otero Rodríguez