TAREK ATOUI. AT-TĀRIQ: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
Seguimos
en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, aquí nos encontramos con Tarek Atoui.
At-Tariq. Un viaje a las tradiciones musicales rurales del norte de África y el
mundo árabe.
TAREK ATOUI. AT-TĀRIQ: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
El
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y TBA21 presentan At-Tariq, la primera
exposición individual de Tarek Atoui (Beirut, 1980) en Madrid, resultado de la
investigación que el músico y artista sonoro franco-libanés lleva realizando
desde 2022 para explorar las tradiciones musicales y artesanales rurales del
mundo árabe y el norte de África y acercarlas al público a través del arte y el
sonido.
La
muestra cuenta con la colaboración de la fundación de la Fundación Ecolec.
TAREK ATOUI. AT-TĀRIQ: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
Comisariada
por Daniela Zyman, directora artística de TBA21, la muestra se centra en las
tradiciones de los pueblos amazigh (denominados desde un prisma neocolonial
como pueblos bereberes), cuya vibrante tradición oral combina canciones,
poesía, cuentos, danza y percusión. Inspirándose en la asociación de la noche
con lo desconocido, At Tariq, que significa "la estrella de la
mañana" o "el visitante nocturno" y hace referencia al capítulo
o sura 86 del Corán, invita a reflexionar sobre las relaciones, la memoria, la
identidad y el acto poético de escuchar.
TAREK ATOUI. AT-TĀRIQ: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
La
instalación transforma el espacio expositivo del museo en cinco majlis, que son
los espacios tradicionales de hospitalidad y acogida en los hogares árabes y
orientales. Atoui reimagina y deconstruye estos majlis, convirtiéndolos en
instalaciones sonoras, espacios inmersivos de escucha y reflexión que nos
invita a los visitantes a sentarnos y experimentar con el sonido.
TAREK ATOUI. AT-TĀRIQ: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.
Es de
una gran belleza, muy aconsejable un paseo o más bien sentaros para sentir
otros mundos.
Se
puede visitar hasta el 18 de mayo de 2025.
Documentación
(fotografía c. Lourdes Cabrera): Oficina de prensa del Museo.
En la
Fundación Juan March nos reunimos con amigos, Tomás García Asensio, Marta, Ana
y con Yana Zabiyaka (Documentación, archivos de los abstractos de la Fundación)
para pasear y comentar esta exposición. Primero nos subió Yana a la biblioteca,
para ver las vitrinas que ha montado con documentación de varios artistas
nacionales e internacionales, que trabajan o han trabajado el color, entre
ellos Tomás García Asensio.
Biblioteca Juan March.
El
recorrido por la muestra, y asesorados por Yana, lo comenzamos por el espacio a
modo de “gabinete de maravillas” dedicado a los primeros teóricos del color en
los siglos XVIII y XIX, con obras de Turner, Runge o Goethe, y a numerosa
documentación sobre la historia del color y sus significados. Se muestra Coloramas,
el primer experimento inmersivo en una exposición de la Fundación Juan March.
Gabinete de Maravillas.
Los
comisarios de la exposición son Manuel Fontán del Junco, director de Museos y
exposiciones de la Fundación Juan March, y María Zozaya Álvarez, jefe de
Proyecto Expositivo en la institución. También ha contado con el asesoramiento
de los historiadores Paul Smith (University of Warwick), David Batchelor
(artista y escritor) y Esther Leslie (Birbeck College).
Lo tienes que ver. La autonomía del color en el arte abstracto. Fundación March.
La
muestra presenta la obra de un amplio número de artistas de los siglos XX y XXI
para los que el color es un elemento esencial y estructurador. Desde Malévich
hasta Olafur Eliasson, Equipo57, Rosa Brun, Yves Klein, Lucio Fontana, Teresa
Lanceta, Waldo Balart, Albers, entre otros.
Además
de pinturas, escultura y obras sobre papel, la muestra incluye cine y vídeo de
artista e intervenciones in situ, como una instalación de Felipe Pantone, una
cromosaturación de Carlos Cruz-Diez o la lluvia y la instalación de pigmento
azul de Yves Klein. Textiles, cerámica, fotografía, libros y documentos.
Lo tienes que ver. La autonomía del color en el arte abstracto. Fundación March.
[…] Lo tienes que ver. La autonomía del
color en el arte abstracto presenta la obra de un amplio número de
artistas de los siglos XX y XXI para quienes el color es principio esencial y
estructurador. La exposición comienza con los primeros experimentos de la
abstracción y se centra en el uso del color plano, no modulado por el gesto.
Además de pintura, escultura y obra sobre papel, incluye textiles, cerámica,
fotografía, instalaciones, cine, vídeo, libros de artista, hasta un total de
setenta y nueve obras.
El
título de esta muestra subraya un hecho de la manera más directa: que después
de todas las teorías filosóficas, científicas, artísticas y lingüísticas;
después de todos los intentos por describir su carácter relativo, sus
combinaciones, su psicología, sus usos prácticos o las variedades de sus
significados ideológicos y culturales; después de todo, al final, “el color
debe ser visto”. Esta frase de Walter Benjamín, algo modificada para servir de
título al proyecto, declara sencillamente que las teorías sobre el color deben
dejar paso a su experiencia, que es la que nos convence con rotundidad de cómo
existe algo que no existe y nos saca del estupor inicial ante la realidad del
color […]
En
1974, Rudolf Arnheim escribió que lo contrario es el caso: “Hablando en
términos estrictos, todo aspecto visual debe su existencia a la luminosidad y
al color. Los límites que determinan la forma de los objetos se derivan de la
capacidad del ojo para distinguir entre si zonas de luminosidad y color
diferentes. Esto es válido incluso para las líneas que definen la forma en los
dibujos, que solo son visibles cuando la tinta diferencia el color del papel”.
Philipp Otto Runge. “Farbenkugel”, en Farben-Kugel… Hamburgo, 1810. Colección Paul Smith. Foto: Paul Smith.
La
exposición aspira a ofrecer, por el contrario, una perspectiva inusual sobre la
realidad del color, sin limitarse a lo monocromo ni a la selección de obras
típicas de una muestra colectiva más o menos representativa.
Curiosamente,
la abundancia y el incremento de bibliografía sobre el color en los ámbitos
prácticos, científicos, filosóficos y literarios durante los últimos cincuenta
años no ha sido acompañada de manera proporcional por la presencia del color en
exposiciones y sus publicaciones.
En
Ivorypress, "Una conversación entre Jeff McMillan y Manuel Fontán del
Junco". Presentada por Elena Ochoa Foster.
Con
motivo de la muestra de su serie biblio que estará expuesta en Ivorypress hasta
el 15 de mayo 2025. Manuel
Fontán del Junco, director del Museo y exposiciones de la Fundación Juan March.
Jeff
McMillan (Estados Unidos, 1968) es un artista americano afincado en Londres
cuya práctica explora la materialidad y el proceso, a menudo por medio de
objetos encontrados.
Biblio,
es una serie de obra sobre papel creadas con libros que el artista envió de
Estados Unidos al Reino Unido a finales de la década de 1990, principalmente
monografías de pintores del siglo XX McMillan envuelve cada libro en papel y lo
sumerge en tinta o pintura al óleo, convirtiéndolo en una obra que explora la
tradición artística y materialidad del objeto impreso.
Jeff McMillan. Ivorypress.
La
obra de Macmillan está también expuesta en la exposición colectiva "Lo
tienes que ver. La autonomía del color en el arte abstracto" en la
Fundación Juan March, donde se explora el color como elemento independiente en
la abstracción. La exposición incluye pintura, escultura, fotografía,
instalaciones y libros de artistas, ofreciendo un amplio marco a través del
cual contemplar la obra de Macmillan.
Jeff McMillan. Ivorypress.
Documentación
y fotografía: Ivorypress prensa Cecilia Redondo.
En el
Museo Reina Sofía, visitamos "Hello Everyone" es una exposición que
reúne la totalidad de proyectos que la artista LAIA ESTRUCH (Barcelona, 1981)
ha creado desde el 2011 hasta la actualidad, y que integran, por primera vez,
en una única sede, su obra performativa junto a otras que forman parte de la
misma, como vídeo, obra gráfica, sonora y partituras visuales.
La
muestra comisariada por Latitudes (Max Andrews y Marina Cánepa Luna) es un gran
proyecto, en parte retrospectiva y en parte almacén transitable, recoge en toda
su amplitud la labor de investigación, registros y creación que Laia Estruch ha
producido en los últimos 15 años en torno a la escultura, la voz y la
performance.
En
total hay 27 obras presentadas de manera conjunta como una nueva instalación
que ofrece una mirada singular del imaginario de la artista.
Según
Laia Estruch, "esta exposición, con mucho color, muy plástica, muy
industrial y muy ligada a la arquitectura, es como un archivo que se despliega
en la sala, con gesto de almacenaje más que de escenario, para mostrar la
belleza de las piezas en sí, sin necesidad de estar activas".
Todas
las piezas escultóricas de Laia Estruch tienen unas características formales
que se adecúan a su peso y estatura, su cuerpo está presente en todas ellas.
Además
de los elementos escultóricos, en esta muestra está presente, a través de siete
altavoces, su obra sonora, son grabaciones de performances y composiciones
musicales originales. La instalación, creada expresamente para esta exposición,
remezcla sus obras vocales constituyéndose como la banda sonora multicanal de
"Hello Everyone".
Al
mismo tiempo, un compendio de videoclips hace las veces de tráiler de todas las
piezas en un vídeo que se muestra al inicio del recorrido.
El
trabajo de Estruch, entre la actuación y la exhibición, se centra en la voz
entrelazada como en el teatro experimental, el ejercicio físico y la narración
encarnada.Asegura Laia Estruch,
"La voz es para mí otro cuerpo, el más performativo que conozco porque
nace y muere en cada exhibición, es un cuerpo muy espiritual. Esta es una investigación
en torno a la voz como cuerpo performativo que cuesta capturar, que saca las
voces que desconocemos. Esto atraviesa toda mi creación".
Durante
la exposición, que está abierta al público hasta el 1 de de septiembre de 2025,
Laia Estruch actuará en vivo en varias ocasiones.
Documentación
y fotografía: Gabinete de prensa Museo Reina Sofía.
Francesco Guardi. La fiesta de la Ascensión en la plaza de San Marcos, h. 1775. The Feast of Ascension in the Piazza San Marco. Óleo sobre lienzo. 61 x 91 cm. Lisboa, Museo Calouste Gulbenkian.
Seguimos
en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Subimos a la segunda planta a las
salas 13, 14 y 15 al encuentro de la muestra "Guardi y Venecia en la
colección del Museo Gulbenkian" con un total de 18 óleos y un dibujo, es el
artista mejor representado en la colección de arte reunida por el financiero
Calouste Sarkis Gulbenkian (1869-1955) que se exhibe desde 1969 en el museo que
lleva su nombre en Lisboa. junto a las pinturas de Guardi, adquiridas en 1969
en el museo que lleva su nombre en Lisboa. Junto, a las pinturas de Guardi,
adquiridas entre 1907 y 1921, la exposición muestra un dibujo del mismo
artista, incorporado en 2002, y un óleo de su hijo Giacomo. Las obras están
fechadas entre 1765 y 1791 e ilustran lugares icónicos de Venecia, como el
puerto de Rialto o el Palacio Ducal, Fiestas como la de la Ascensión, los
alrededores de la ciudad y algunos caprichos, pertenecientes al final de su
carrera.
Francesco Guardi. El puente de Rialto según el proyecto de Palladio, hacia 1770. The Rialto Bridge after the Design by Palladio. Óleo sobre lienzo. 61 x 92 cm. Lisboa, Museo Calouste Gulbenkian
Comisaria:
Mar Borobia. El recorrido comienza con un grupo de obras que, a modo de
crónica, capturan celebraciones y escenas de la ciudad de Venecia. A lo largo
de las salas 13 y 14, se puede apreciar como Guardi toma como modelo para estas
composiciones pinturas de Canaletto, que luego resuelve según su propio estilo
pictórico, con emoción, brío y dinamismo.
Francesco Guardi. Capricho arquitectónico, hacia 1770-1780. Architectural Capriccio. Óleo sobre tabla. 19 x 15 cm. Lisboa, Museo Calouste Gulbenkian
La
exposición concluye con el óleo de su hijo Giacomo Guardi, "Regata en el
Gran Canal junto al puente de Rialto (h. 1791) y la obra II Bucintoro
(h.1745-1750) de Canaletto, que se puede ver en la sala 17, perteneciente a la
colección Thyssen-Bornemisza, en depósito en depósito en el Museo Nacional
d'Art de Catalunya (MNAC), una composición que sirvió de inspiración para
Francesco Guardi en un de las piezas más destacadas de la muestra.
Guardi,
es un artista que me gusta contemplar. Se puede visitar hasta el 11 de mayo
2025.
Francesco Guardi. Las compuertas en Dolo, hacia 1774-1776. The Lock Gates at Dolo. Óleo sobre lienzo. 34 x 55 cm. Lisboa, Museo Calouste Gulbenkian
Documentación
y fotografías: Oficina de Prensa del Museo.
En el
Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, recorremos el espacio dedicado a Marina
Vargas: Revelaciones, octava edición del ciclo Kora, que impulsa el trabajo
realizado, por mujeres artistas contemporáneas desde una perspectiva de género.
Este proyecto comisariado por Semíramis González, Marina Vargas (Granada, 1980)
revela y visibiliza las aportaciones y el legado de las mujeres que han sido
silenciadas a lo largo de la historia, especialmente en el terreno de lo
sagrado y lo espiritual.
Marina Vargas. Las líneas del destino: La Emperatriz, 2025. (The Lines of Fate: The Empress). Tinta plata y aerosol sobre papel negro, 113 x 78 cm. Colección de laartista.
La
muestra está compuesta de cuatro secciones, cada una de ellas presidida por una
gran carta del tarot. Palabra, Visión, Cuerpo, cierra la muestra Egipcíaca.
Marina Vargas. Las líneas del destino: La Fuerza, 2024. (The Lines of Fate: Strength). Técnica mixta sobre madera, 205 x 122 cm. Colección de la artista.
Revelaciones,
en palabras de la comisaria Semíramis Gonzáles, es "una exposición inédita
de Marina Vargas, pero también una profundización en muchas de las cuestiones
que han configurado su corpus de interés artístico e investigación durante toda
su carrera. La ruptura del canon viene presentada no solo por el hecho de
nombrar a las mujeres ocultadas en lo sagrado (independientemente de la
religión) sino también en su interés por desmontar las estructuras patriarcales
en la historia del arte que han construido una imagen dosificadora de las
mujeres, y que las han relegado a los márgenes del relato".
Marina Vargas. Exvotos, 2022. (Votive Offerings). Moldes de radioterapia usados y pan de oro alemán. Dimensiones variables. Colección Corriquera.
La
exposición itinera al Museo de Arte Contemporáneo de Querétaro (México) de
septiembre de 2025 a enero de 2026.
Marina Vargas
La
muestra se puede visitar hasta el 4 de mayo de 2025.
Documentación
y fotografías, Oficina de Prensa del Museo.
Visitamos
el Museo Nacional del Prado, que ha enriquecido su colección de Rubens con una
obra maestra de su última época.
Nuestra
gran pinacoteca, reúne la mayor y más importante colección del mundo de obras
de Rubens, ha incorporado ahora y hasta 2026, "El Martirio de San
Andrés" una obra maestra de la última época del artista, gracias a la
generosidad de la Fundación Carlos de Amberes (Hace años la visite en la
Fundación).
La
obra, se expone en la sala 16 B del edificio Villanueva con su marco original.
Fue realizada por Rubens en los mismos años en los que trabaja para el proyecto
de la Torre de la Parada.
Un
agente en Madrid de la Imprenta Plantiniana de Amberes llamado Jan van Vucht
encargó a Rubens este lienzo para decorar el altar mayor de la iglesia del Real
Hospital de San Andrés de los Flamencos, a donde fue instalado en 1639.
El
próximo 27 de marzo, Pirelli HangarBicocca presenta "ICARUS", la
primera gran exposición antológica en Europa dedicada al arte de Yukinori
Yanagi, con una amplia selección de obras clave de los años 1990 y 2020, así
como obras recientes. los visitantes podrán experimentar las trayectorias
impredecibles creadas por el artista japones.
Yukinori
Yanagi (Fukuoka, 1959) vive y trabaja en la isla japonesa de Mamoshima, lejos
del ojo a pesar de ser uno de los artistas japoneses contemporáneos más
influyentes. En 1993, fue invitado a su primera exposición internacional, la
45ª Bienal de Venecia, donde presentó ciento setenta banderas de arena de
colores que se desmoronaban día a día gracias al trabajo incansable de miles de
hormigas vivas.Ahora, después de
treinta y dos años, Yanagi regresa a Italia con una gran exposición.
The World Flag Ant Farm. 1990. exhibited at Benesse House MUseum in Naoshima.
The World Flag Ant Farm. 1990. exhibited at Benesse House MUseum in Naoshima.
De
1988 a 1990 Yanagi estudió en la Universidad de Yale, donde fue alumno de Vito
Acconci y Frank Gehry, y en este período se sintió atraído por el arte
conceptual. Luego, en la década de 2000, abandonó los Estados Unidos para
regresar a Japón, donde continuó desarrollando su práctica artística mientras
mantenía "El vagabundo como posición permanente" como idea
recurrente. Esta paradoja evoca una sensación de movimiento y cambio constate
-a menudo sugerido en su obra por el empleo de materiales orgánicos y vivos- al
mismo tiempo, esto se contrata con la permanencia y estabilidad de imágenes
simbólicas fijas, aparentemente inmutables.
ÍCARO. Yukinori Yanagi.
"ICARUS"
es el título de la exposición de Yukinori Yanagi, comisariada por Vicente
Todolí y Liammetta Griccioli, que reúne una serie de obras inmersivas y
site-specific que narran la trayectoria del artista en los espacios Navate y
Cubo de Pirelli HangarBicocca.
ICARUS. Container. Yukinori Yanagi.
El
título evoca el mito griego de Ícaro y Dédalo y sirve como mensaje de
advertencia, así como una invitación a reflexionar sobre la arrogancia humana
nacida la confianza excesiva en la tecnología. Al acercarse demasiado al sol
(que el artista entiende como una metáfora de la energía nuclear), Ícaro se
convierte en responsable de su propia caída. La narrativa de la exposición
presenta a los visitantes una dualidad constante, estableciendo un diálogo
entre pasado y presente, destrucción y renacimiento, realidad y fantasía,
materia y simbolismo, movimiento y permanencia.
ICARUS. Yukinori Yanagi.
La
idea de trascender los límites físicos, representados por elementos como
contenedores, barriles y otros objetos utilizados en los sistemas de
transportes, se convierte en una metáfora de la interconexión global.
Yanagi. Portrait by Hideyo Fukuda.
Espero
viajar este verano a Milán, la exposición esta hasta el 27 de julio 2025.
Documentación
y fotografías: Oficina de prensa de Pirelli HangarBicocca Angiola Maria Gili /
Oficina de Prensa y Redes Sociales Sofia Baronchelli.
Ayer
caminamos por ARCOMadrid, cómo pasa el tiempo, ya son 44 años de nuestra gran
feria, en la que participe muchos años, forma parte de mi vida. Acompañada por
Manuel Otero Rodríguez (fotógrafo) y Paloma Gil Gómez (futura profesora de bellas
artes y artista). Visitamos los pabellones 7 y 9.galería Rafael Ortiz, Álvaro Alcázar, José
de la Mano, Luis Pradilla, Leandro Navarro, Freijo, Lelong, Joey Ramone,
Lisette Lagnado, Senda entre otras nacionales e internacionales, fundaciones,
los amigos de Reina y amigos del Prado. El programa general incluye 178
galerías, a las se suman otras 43 en los programas comisariados. La feria
cuenta con la presencia de 36 países. En el pabellón 7 están situadas las
galerías más potentes, y en el pabellón 9 las más modernas.
ARCOMadrid 2025.
Este
año suben con fuerza mayoritariamente las obras textiles realizadas por mujeres
artistas, una gran obra de la histórica Aurelia Muñoz (Galería José la Mano) o
como la alicantina Nuria Fusler, que presenta una escultura realizada con tubo
y cortinas de un antiguo edificio de la Stasi en Berlín, en la Galería Juan
Salió entre otras.
ARCOMadrid 2025.
Encontré
trabajos de artistas, en escultura sobre arte y naturaleza.
Galería Lelong & Co.
Algo
que siempre te da Arco, es el encuentro en vivo y en directo con amigos,
artistas, galeristas y coleccionistas. Un placer.
En la
Galería Senda, visitamos la exposición "Murmuri" del artista JAUME
PLENSA (Barcelona, 1955), que en catalán significa
"murmullo/susurro", refleja la sutileza y profundidad de su obra. En
la muestra Plensa evidencia su dominio de materiales diversos como el
alabastro, el bronce, el hierro, el vidrio de Murano o el papel, y da vida a
una serie de piezas que conforman una exposición que juega con la habilidad de
crear en múltiples formatos.
Centran
la atención de la muestra dos esculturas en alabastro de la serie Nest:
"FLORA (nest) y "LUCIA (nest)". Esta colección ofrece un
impactante diálogo entre materialidad del alabastro y la representación
figurativa, con rostros que emergen e invitan a la introspección.
MURMURI. Jaume Plensa. Galería Senda.
En las
figuras de Flora y Lucia nos encontramos con una superficie pulida en la que
emergen rostros impecables y cándidos que contrastan con el uso en el reverso
de un material milenario descarnado y en bruto.
Complementan
a la familia Nest, cuatro obras sobre papel, tres esculturas de vidrio de
Murano y dos bustos de bronce: "FLORA", pintada en blanco; y
"SILENT HORTENSIA", en su acabado natural. A estas piezas se suman un
estudio de hierro pintado de su obra "THE HOUSE OF LIGHT AND LOVE",
actualmente expuesta en el Fubon Art Museum de Taipéi (Taiwán); y dos estudios
de bronce de la escultura "ENDLESS", ubicada en el Reclin Murphy
Museum of Art (Estados Unidos).
MURMURI. Jaume Plensa. Galería Senda.
En
Murmuri, Jaume Plensa establece un vínculo en el significado y la musicalidad
de la palabra que da título a la exposición, y el imaginario que define su
práctica artística.
"Siempre
me ha fascinado el concepto del otro. Esta idea de que cuando estás delante de
un espejo te miras a ti [...] Pero cuando estas delante de otra persona, yo
creo que también" Jaume Plensa.
MURMURI. Jaume Plensa. Galería Senda.
Hemos paseado por la exposición
virtualmente. Documentación y fotografías, recibidas de la galería SENDA
Felipe
Romero Beltrán. Bravo. En el año 2021 Fundación MAPFRE lanzó su primera
convocatoria del KBr Photo Award, un premio que nacía con el objetivo de
reafirmar el compromiso de la institución con la creación artística emergente y
que ofrecía al ganador o ganadora del certamen una amplia visibilidad en la
escena artística, tanto nacional como internacional. En 2023 y continuando con
el carácter bianual de este premio, se ha celebrado la segunda convocatoria, en
la que ha resultado ganador el artista fotógrafo colombiano Felipe Romero
Beltrán.
.
Breach # 57. 2021-2024. 40 x 50 cm. Impresión Lambda.
En
BRAVO, El proyecto ganador de esta segunda edición del KBr Photo Award, una
frontera es de nuevo el leitmotiv que lo articula entre Estados Unidos y
México. En él, la geografía cuenta con una densa carga política que ha ido
acumulando conflictos y tensiones desde el siglo XIX, hasta llegar una
situación insostenible en los últimos años.
Breach # 33. 2021-2024. 40 x 50 cm. Impresión Lambda.
En
este caso, Romero Beltrán sitúa al espectador en un tramo determinado de este
río de más de tres mil kilómetros de longitud, un territorio próximo a la
ciudad de mexicana de Monterrey, donde el río como los flujos de personas que
llegan para atravesarlo lo condicionan todo, conformando la identidad de sus
gentes y de sus modos de vida.
Sound system. 2021-2024. 120 x 150 cm. Impresión Lambda.
Bravo
se concibe como un ensayo fotográfico de cincuenta y dos fotografías que se
acercan a esta realidad por medio de una serie de imágenes de arquitecturas,
personas y paisajes: cierres, cuerpos y brechas. Interiores casi desnudos,
muros y superficies en las que destacan las texturas y los colores; y retratos
de individuos que el artista ha ido encontrando en sus viajes a la zona en que
ha llevado a cabo el proyecto.
Marco. Rafa’s room. 2021-2024. 40 x 50 cm. Impresión Lambda.
Felipe
Romero Beltrán nació en Bogotá (Colombia) en 1992. Tras estudiar un grado de
Artes Visuales en Buenos Aires, viajó a Jerusalén con una beca, donde
desarrolló proyectos en la zona del Medio Oriente. En 2016 se trasladó a Madrid
para seguir con su formación en fotografía, y en 2024 obtuvo su título de
doctor en la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad
Complutense con una tesis sobre la imagen documental.
La
muestra continua, nosotros hacemos un viaje virtual por esa parte premiada de
la mano de la comisaria de la misma, Victoria del Val. Una muestra que
esperamos poder disfrutar.
San Juan Bautista. Nina’s visit. 2021-2024. 120 x 150 cm. Impresión Lambda.
Hasta
el 18 de mayo 2025. Documentación y fotografía: KBr Fundación MAPFRE Cultura.
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